安德烈亚-丰塔纳里（Andrea Fontanari）｜日常之诗

安德烈亚-丰塔纳里（Andrea Fontanari）

从安德烈亚-丰塔纳里（Andrea Fontanari）工作室的窗户望出去，可以看到将瓦尔苏加纳与阿迪杰河谷分隔开来的平缓山脊，丰塔纳里的作品正是在这青翠的喧闹中诞生的。

在群山与车水马龙之间，在城市与遍布山谷的村庄之间，在高山牧场与工业区仓库之间。阿蒂利奥-贝托鲁奇（Attilio Bertolucci）认为，画家和诗人一样，都会在作品中保留他们与土地之间纽带的痕迹，这些痕迹有时更加明显，有时会迁移到不同的高度，直到呈现出思想的变形轮廓。

如果真理的光辉照亮了这种印象，如果真的有必要找到一种或多或少无意识的忠实的迹象，如果可以确定一种可能的趋同，一个人对自己土地的记忆和他在绘画表面上看到的东西之间的重叠，那么也许就有可能在丰塔纳里的艺术中找到这种纽带的反映，因此我们可以开始审视他的作品。

自画像

（2020；布面油画，138 x 119cm）

当人们欣赏丰塔纳里的作品时，无论是被大幅还是小幅油画所吸引，都会自然而然地联想到夏季的光线，联想到那些如此明亮、如此耀眼、如此饱和的色彩，这是一种喜庆的、笼罩着的地中海之光。

 助我入眠的梦

（2022；布面油画，272 x 198cm）

他2023年底在米兰三年展意大利绘画展上展出的那幅奇特的自画像，以第一人称记录了他在工作室休息的片刻。他躺在沙发上，工作室的一角被布置成接待客人的起居室。他的双腿抬起，搁在玻璃茶几上。在背景中，他画作的光线从大窗户射入，窗外是一片蓝色。

对于浪漫主义诗人和画家来说，窗户象征着对无限的向往。窗子周围是画架、工作台、几幅打包好准备送去展览的画作。

他坚持不懈地实践着斜切、摄影式切割、大胆的前缩，这种片面的下切，加上鲜艳的色彩、流动的笔触，以及最近的某种抽象化倾向，使他即使在数英里之外也能被人认出。

可识别性是艺术家个性的首要证明，可以毫不客气地说，安德烈亚-丰塔纳里是意大利年轻艺术家中少有的从二十几岁起就能塑造出可识别形象的艺术家。

他研究的开端是建立在美国当代现实主义的基础之上的，即 20 世纪 60 年代末开始在美国发展起来的现实主义，它经历了迂回、衍生和演变（西德尼-蒂利姆早在 1969 年就承认，它的所有倡导者 "都有某种品质问题，既决定了他们之间的距离，也决定了他们与其他类型的所谓具象艺术之间的距离"）这种看似描述性、看似过时、看似不合时宜的写实主义作品，往往平淡而急促，有时则更倾向于细节的刻画，但通过与波普艺术、极简主义和抽象艺术的对比，或多或少地对当代社会做出了直接的评论。

丰塔纳里的绘画在某些方面让人想起费尔菲尔德-波特（Fairfield Porter）的平面造型，某些剪裁让人想起菲利普-珀尔施泰因（Philip Pearlstein），户外场景让人想起埃里克-费施尔（Eric Fischl）的拥挤景象。

对丰塔纳里和费施尔来说，图像都来自照片，不管它们是用摄影媒介构建的构图、用相机定格的记忆，还是在社交媒体上搜索到的图像。与当代美国现实主义艺术家一样，丰塔纳里也喜欢大画幅作品，他的艺术中充满了美国元素，但是也可以看到很多意大利的影子。

与此同时，还有一种对物体的默默坚持。这种坚持不需要去寻找大西洋彼岸的波普艺术，而是战后意大利艺术的共通之处，丰塔纳里的作品都是沿着传统的道路创作的。

在他的艺术作品中，这些物品与人的存在同等重要。这些物品是丰塔纳里日常经验的一部分。这些物品是每个人日常经验的一部分。然而艺术家与其他人不同：他往往会根据与非艺术家不同的洞察力和关注点来看待日常生活中的元素。

塔诺-费斯塔（Tano Festa）

在丰塔纳里的经历中，在他与普通事物的关系中，在他对日常事物的唠叨中，我们似乎看到了塔诺-费斯塔（Tano Festa）作品的影子，费斯塔曾在给阿图罗-施瓦茨的信中写道：

"长期以来，我一直在研究家庭家具中的物品，因为它们是最私密的，是我们接触最多的，我们向它们表露了我们生存中最亲密、最隐秘的行为和姿态。起初，这种兴趣主要是形式上的，但后来我开始建立一种心理和情感上的关系。我想重新构建那些功能被削弱的物体，这些物体在其物理性中表达了一种微妙的不安，面对它们过于简单和确定的存在，面对它们物理性、无机性和钝性的存在，我感到一种模糊和无力感，而在它们冰冷和黑暗的几何图形中，我又感到一种神秘和不可捉摸"。

 《红色房间》

（1962；油画，120 x 80cm）

塔诺-费斯塔通过制造物品，特别是门窗，并剥夺其原有功能，来回应这种日常的躁动不安，这种剥夺仅仅是通过将物品转化为艺术品来实现的。对丰塔纳里来说，与其说是回应一种不安，不如说是要探索隐藏在常规屏幕之外的宝库。

日常之物是一个难以接近的面具，在昏暗、闷哑、难以接近的固定性背后隐藏着秘密；它是一个隐藏的见证者，能看到一切、听到一切、记录一切：欢乐、期望、幸福、安康、和谐、统一、痛苦、折磨、焦虑、不和谐。

对于丰塔纳里来说，物品正是我们存在的脆弱性的象征，因为在物品背后有一个情感、纽带和记忆的世界。在一件物品的背后，艺术家似乎在告诉我们，我们生命中的幽灵在骚动，隐藏着不复存在或即将消失的痕迹、我们去过的地方、我们住过的房间、我们遇见过却再也没见过的人、对未来的希望、还有集体的焦虑。

《旋转电话 I》

（2021；布面油画，200 x 200cm）

他的一幅大型油画描绘的是一部非常普通的红色电话：原来，它的灵感来自二战期间德国国防军使用的西门子型号，而《Das rote Telefon》中所画的那部电话，在细节上更像希特勒地堡中发现的电话。

《达豪之夜》

（2017；布面油画，187 x 208cm）

2017 年的另一件作品让我们进入一间酒店房间，房间里有一张未铺的床，床上的条纹枕头无意中让人联想到达豪之行。

随后丰塔纳里进行了一次转变，以油画这一唯一媒介颠覆了物体的地位，物体从一个沉默和被动的旁观者，变成了一场生动表演的主角，旨在分享之前只属于艺术家的亲密关系，讲述隐藏在物体背后的一切。从而讲述生命的故事。

在 "不朽的平凡 "展览中，所有物品都被画在大型画布上，每幅画都有两米多高，有时甚至更高大：这里有一把椅子、一朵花、一部电话、一个地球仪、一套茶具，甚至还有一个坐便器和一个马桶（当然是两幅独立的画作）。

丰塔纳里对物体固有的模糊性做出的回应就是纪念碑式，对他来说，将普通事物的尺度提升到纪念碑的高度，就是要揭示隐藏在绘画主题背后的无形之物，纪念碑也是对象释放能量的媒介，这种能量是离开艺术家内在自我的必要条件，也是向所有人开放的必要条件。

"在我的画作中，我试图表现生活。我不仅想让画作捕捉到生命的能量，还想让它们本身成为我们经验的一部分。一幅小画在我们的控制之下：在大画中，是他欢迎我们进入他的空间，而我们必须穿过它才能读懂它的全部。我寻求我所表现的现实与生活之间的巧合"。他敏锐地补充道，这并不意味着 "小幅画作不能包含一个世界。艺术史上的伟大杰作往往都是小幅的。但是我希望通过《不朽的平凡》展览，让绘画成为一种宣言，让人们看到绘画在讲述生活故事时所蕴含的能量"。

丰塔纳里的画风更国际化，更倾向于当代现实主义，他的作品中几乎都是在闲暇、休息、放松的时刻出现的人物，几乎都是难以辨认的，因为他倾向于形式而非内容。他的画中几乎没有轶事，这些作品都是简单的生活剪影，几乎都是主观拍摄的，仿佛丰塔纳里想邀请我们成为他所叙述的庸常生活的一部分。至于这种生活是他的还是别人的，并不重要。

《人造光》

（2022；布面油画，35 x 25cm）

我们走进卧室，成为一对躺在敞开的窗前的情侣。我们在客厅里放松地看电视。

 《无题（日记）6》

（2023；纸面油画，35.5 x 25.5cm）

我们在户外发现自己正站在一个从梯子上爬下来的女孩面前。

《无题（日记）3》

（2023；纸面油画，35.5 x 25.5cm）

我们走在沙滩上，跟在一个靠近大海的小家庭后面。

《我们如何开车》

（2023；布面油画，200 x 250cm）

我们正在驾驶一辆汽车，旁边有人穿着匡威模型靴子，把脚放在仪表盘上。

 《意大利历史》

（2018；布面油画，240 x 190cm）

我们站在一个小客厅里，客厅里摆放着一把索尼特摇椅，摇椅上放着一件花纹衬衫，地板上放着一双红色高跟鞋。

其中一些画作属于艺术家称之为 "日记"的系列：这些画作就像一页页没有喘息声的日记，既普通又亲密，既开放又个人，既是集体的，也可能是每个人的。这本日记让我们思考，平凡正是我们必须学会如何才能看得更清楚、发现更多的东西：我们认为这是理所当然的，但在平凡中一切皆有可能。

理查德-戴明（Richard Deming）在《平凡的艺术》（Art of the Ordinary）一书中写道：

"艺术创作的过程吸收了事物的本来面目，但在试图直接呈现事物和让艺术的转化过程展现自身之间存在着矛盾。一幅画、一首诗或一首歌可以丰富人们对世界的体验，因为它们引入了一种新的视角，补充了人们看待世界的方式。换句话说，不管艺术作品还能做什么，它们都能教人如何看待事物。观者与所看事物之间的关系发生了变化，对事物意义的体验也随之改变。观众可以像艺术家一样观察场景，感受它的潜在意义。通过绘画，日常仍然是日常：通过艺术改变的是对日常的关注。也就是说，日常并不会因为艺术而改变：改变的是我们"。

为了表达和传递这种充实的潜在意义，丰塔纳里通过剪切、光线、形状和色彩来改变他的场景。他的画作几乎都是用色彩构成的：很难找到从素描中诞生的构图，即使有，也意味着最初的想法比通常的要复杂。

《马瑟韦尔》

（2024；布面油画，216 x 168cm）

 《狡猾的男孩》

（2023；布面油画，40 x 30cm）

最近的作品，也就是 2023 年至 2024 年间的作品，例如《马瑟韦尔》或《狡猾的男孩》，显示出他作品中经常出现的未完成性，以及明显的、前所未有的抽象化倾向：他的绘画正是朝着这个方向发展的，因此在未来我们可能会看到类似的画面，丰塔纳里将继续深化这些实验。

他的绘画几乎是保存这些镜头的一种方式，而这些镜头往往在上传到社交网络后很快就被遗忘了，毕竟他的画作往往来自挪用社交网络上偶然发现的图片。

"社交网络是一个巨大的资源，即使对我们艺术家来说也是如此，我尤其感兴趣的是，我们在作品之外如何利用它，人们如何向更多或更少的观众分享他们私人生活的瞬间。他们是我灵感的源泉：他们改变了我们对现实的看法。我对批判或评判的眼光不感兴趣；相反，我对研究当代世界向我们展示的美学建议感兴趣，对研究人类观察他人生活并成为他人生活一部分的需求感兴趣"。

安德烈亚-丰塔纳里的艺术将现在和记忆交织在一起，谱写了一曲世俗神秘的颂歌；这是一首日常的诗歌，在夏日的阳光下熠熠生辉。他的绘画采用基于传统的原创现实主义手法，明亮而直接，既有文化底蕴，又平易近人，诱导观众抓住日常生活中能够释放的迷人火花。他的画作鼓励观众超越画布表面，审视自己的世界，无需走得太远，这些作品邀请人们去发现我们身边平凡事物的奇妙之处。

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