线条_使意识与心流合二为一 | 国家美术·视界

▲《线条——使意识与心流合二为一》展览现场

日本21世纪现代美术馆呈现展览《线条——使意识与心流合二为一》。在本次展览中，世界是一个相互关联的生态过程组成的网络，这与蒂姆·英戈尔德（Tim Ingold）的观点不谋而合，他认为：艺术家们在无尽的追求过程中，发现大自然中的大多数线索都是沿着线进行的。

▲《线条——使意识与心流合二为一》展览现场

将世界理解为一个相互关联的生态过程组成的网络，我们人类的创作实践融入到这个更广阔的背景中。为了生存而缝合各种裂缝，沿着这条“线 ”行走，这是一个不断前行的 "成为 "的过程。展览展示了艺术家所探索的"线 "的作品。

▲ 横山奈美（Yokoyama Nami）《Shape of Your Words》2023

横山奈美（Yokoyama Nami）用霓虹灯管创作文字和消耗图像，并将它们绘制到画作中。作品《你的文字的形状》（Shape of Your Words），这是她在印度驻留期间首次采用了由其他人书写的 "我是 "这一词语的拼贴作品。通过眼睛和心灵引导的手写文字产生出独特的痕迹，反映了书写者在那一刻的意图、情感与思想。关于将手写文字先转化为三维的霓虹灯装置再还原为二维画面的过程，横山奈美表示这是用“我是”这个词来描绘他人的身体。手写的“线条”能够比词语本身的意义更直接地连接心灵、身体与外部世界。

▲ 大卷伸嗣（Ohmaki Shinji）《高原 Plateau 2024》

大卷伸嗣的作品《Plateau 2024》展示了印有构成世界的大陆动态运动圆盘，置于其上的银色物体代表了天空与海洋，而缓慢移动的摆锤上则刻有地貌沟纹。随着时间的推移，陆地与海洋的关系始终处于“正在形成”的状态，与人类社会共享的时间轴不同，它们有着自己独特的时间刻度。大卷伸嗣在这部作品中暗示我们不应将实体视为固定不变的静态事物，而是要将其看作是在环境互动中不断变化的事物，体现了物质与其周围环境之间不断波动的变化过程。

▲ Judy Watson《泉、海湾、水》2019

Judy Watson是一位澳大利亚原住民艺术家，她参考了澳大利亚原住民的文化遗产，并以现代的语境来呈现传统的原住民艺术形式及其生活和文化的象征。她巧妙地使用颜料、赭石和天然染料等材料，并将现成物品和档案材料融入作品中，将时间和记忆的层次与她作为土著人的身体特征融为一体，具有丰富的深度和意义。

▲ El Anatsui《视角》2015

El Anatsui的标志性作品往往是使用废弃材料如金属瓶盖、牛奶罐盖、铝带等制成的复杂挂毯。他精心缝合编织这些材料，将它们转变成纪念性的雕塑作品。这件高达12米的作品展示了这些材料在人的手中有机地交织在一起的样子，就像是共享的时间流被直接编织成了织物。它讲述着可持续性、灵活性以及面对经济和环境挑战时地方社区的恢复能力的主题。这是一件充满活力的大作，生动地表现了消费文化对世界的影响，以及对非洲文化、社会和政治背景的敏感反映。

▲ Marguerite Humeau《蜂蜜持有者》2023

法国当代艺术家Marguerite Humeau以其多样且跨学科的艺术活动而闻名，她的作品常常模糊了艺术、科学与神话之间的界限，探索了诸如生命的起源、古代文明以及人与动物之间的关系等主题。她的雕塑作品经常探讨非人类生物与其环境之间的关系，强调所有生物之间的相互联系。

昆虫为了在生态系统中繁荣而采用的复杂系统和交流方式既捕捉到了科学视角，也触及了她感受到的生命的本质，从而使Marguerite的雕塑变得生动且引人入胜。声音、光线和香气等元素也被经常融入到她的装置艺术中，将雕塑、绘画、装置等传统媒介与科学研究和思考性的叙事相结合，展现了一个正在崩溃的人类社会、昆虫社群内部的秘密生活模拟，以及新形成的群体同步进行的未来聚集的预想图景。

▲ 八木夕菜（Yagi Yuna）《Passes》2023

“御食国”是指古代向天皇供奉海鲜等食物的地方，在《万叶集》中提到了如伊势、志摩、淡路等地。从奈良时代的法典《延喜式》中可以看出，若狭曾是供奉“御贄”（祭祀用品）的地方。至今，“鯖街道”这条路依然作为人们往来的线路被标示在地图上。

艺术家八木夕菜自2021年起历时两年，与料理家中東篤志一起，沿着鯖街道拍摄了若狭五箇、醉鲭鱼、熊川葛、金时胡萝卜等随季节变化的丰富食材。这一系列由50幅作品组成的连作，如同亲自漫步在这条道路上一般，让人们意识到人类的活动并非孤立的点，而是随着时间与空间交织成一张不断变化、相互作用的美丽网状结构。

▲ Sally Gabori《九层塔》2010

Sally Gabori是一位澳大利亚原住民艺术家，以其鲜艳夺目的土地和海洋风景画而闻名，这些作品以她的故乡昆士兰州本廷克岛为灵感来源。她在80岁才开始其画家生涯，并发展出一种与传统的土著绘画截然不同的风格。她使用大胆的色彩，并以自己独特的节奏和图案展开创作。

她的作品主要围绕她的族群凯亚迪尔特人，以及土著祖先世代相传的土地、海洋和天空。她的画作仿佛是从飞翔的鸟儿俯瞰大地的视角来描绘。这些充满动感和生命力的作品强烈地表达了她的个人经历和族群的文化故事，充满了对自然和族群的深切共鸣。

▲ Mark Manders《4 个黄色垂直构图》

Mark Manders自1986年起便根据“建筑自画像”这一概念进行创作，他的作品包括装置艺术、雕塑、纸本作品和素描等。这些作品被视为虚构建筑物的隐喻，被分成没有确切形状或尺寸的不同“房间”，在时间上既无起点也无终点。基于这一理念，他使用诸如黏土、青铜和木材等日常材料，创作出看起来比实际材质更为脆弱的雕塑。

那些像未完成或是破损的青铜人物雕像，如果叠加在人类生存的不确定性之上来看，也可以映射出现代人们普遍感到的不安和未来的阴霾。这些交织着无法确定的位置、时间和人物的作品集合，在宁静与不安的交织中引领观众进入一个复杂的世界。

▲ Sam Falls《 Petrichor》2023

Sam Falls的作品利用太阳光、雨水和风等自然元素，通过在画布上放置植物并将其置于户外数周来创作。这种方法带来了环境与作品之间的共生关系，并模糊了传统艺术创造与自然力量之间的界限。通过这种独特的过程，他探索了无常、短暂以及时间流逝等主题。他同样重视创作行为本身作为一种艺术的表达形式，接受实践中的自发性和即兴性，而不仅仅是最终的作品。

▲ Tiffany Chung《重建出境历史：从越南出发的船只轨迹、难民营的飞行路线与有序离境计划（ODP）案例》2020

Tiffany Chung 以其跨学科的工作而闻名于世，这些工作基于对从城市到大陆、从古代到现代的不同地区的历史、文化、生态和景观考古学进行详尽的研究和内容分析。她的作品追踪了冲突、气候变化及人类迁徙所带来的复杂的社会政治、经济和环境进程。作品《重建出境历史：从越南出发的船只轨迹、难民营的飞行路线与有序离境计划（ODP）案例》通过获取联合国难民署（UNHCR）和档案馆中的政府通信文件，并在地图上标记，重构了逃离的历史路线。它描绘了自1975年以来越南难民穿越海洋和陆地逃往非洲、中东、拉丁美洲等地的路径，以及有序离境计划的轨迹。

▲ Oksana Pasaiko《简短而悲伤的句子（基于两国间的边境）》

Oksana Pasaiko出生于1982年，除了这一点之外，很难追踪到她详细的个人经历。她的匿名状态似乎是刻意营造出来的，甚至影响到了艺术家自身的身份构建。2004年，当她参与展览《Manifesta 5》时，她要求展览目录中简介注明：根据艺术家的愿望，关于她的生活细节不予公布。

《简短而悲伤的句子（基于两国间的边境）》由肥皂组成，每块肥皂上都固定了一根人类的头发，以此隐喻地表达争议边境的概念。森林、山脉和海洋本质上并不是具有明确边界的个体，但人为划定的国界线却与东欧几个世纪以来面临的战争和冲突紧密相关。

▲ Eugenia Raskopoulos《 重建或提及》2010

Eugenia Raskopoulos使用摄影、视频、装置等多种媒介，探索符号和手势如何承载意义，并传达不同的故事。作品《重建或提及》暗示了重新诠释或想象现有标志符号的过程，突显了她对如何通过视觉语言构建并传递其意义的兴趣。线条代表着移动、成长和联系的轨迹，而线则象征着编织出人生各个方面的线索。标记和创作是人类与环境互动的痕迹，每个人都在通过日常生活参与到持续塑造世界的过程中。

▲ Gabriella Mangano & Silvana Mangano《落下的可能性》2009

Gabriella Mangano 和 Silvana Mangan在她们的视频作品中创造了一种独特的美学，这种美学凝结在私密和亲密的姿态中。在作品《落下的可能性》中，两人的手臂仿佛在空间中描绘图画般地移动，姐妹俩的手上缠绕着胶带，快速的手势（肢体动作/手部动作）优雅地勾勒出舞蹈的轮廓。胶带在两人的动作中不断交换，始终将她们连接在一起。作品开头以类似芭蕾舞般的优雅和彼此呼应的动作开始，随着时间的推移，逐渐转变为更具紧张感的互动。这些姿势不仅仅是孤立的行为，而是与文化、历史和个人体验复杂地交织在一起，因此它们可以成为认识社会规范、个人身份以及过去经历之间相互关联的契机。

▲ SUPERFLEX《垂直移动》2021

《垂直移动》是一部以人类作为生态系统参与者的影像作品。由于海平面上升，未来几个世纪里，人们可能会朝着更高的地方或者高楼大厦垂直迁移。关于水母等生活在水中的多种群生物的故事，其实也是我们人类的故事。虽然人类无法亲身探索漆黑的深海，但我们可以通过观察和思考来意识到我们彼此相连，我们的行为相互影响，并且我们共享着共同的命运。在这部作品中，通过传感器的作用，当人靠近时，生物会远离；而如果人们保持一定距离，生物们最终会缓缓地穿过屏幕。

▲ Henrique Oliveira《死的海》2024

Henrique Oliveira经常从废弃的家具或建筑工地中获取木材作为他的创作材料，并将其转化为雕塑或动态装置，赋予这些材料新的生命。他使用废料的方式不仅探讨了消费与废弃物的问题，还反映了人与环境之间的关系，具有多层意义。那些弯曲的形态仿佛仍在生长，模糊了自然界与人造界的界限。

▲ Sarah Sze《丧失的美学》2024

Sarah Sze的作品大多是由纸张、金属、木材、塑料、瓶子、椅子、灯泡等日常生活中常见的物品组合而成的精致装置艺术。作品《丧失的美学》暗示了一种不断流动的状态，就像物体在组装和拆解的过程中一样，完美地反映了她对“混沌与秩序”的探索兴趣，及如何通过物品的排列和组合来同时创造复杂感和平衡感。这件作品讲述了我们如何沿着线条感知并了解周围的世界，如何遵循复杂的结构，并处理混乱与秩序之间的紧张关系。

▲《线条——使意识与心流合二为一》展览现场

在寻求人与自然之间更加和谐的关系中，艺术提供了一个重要的平台，让人们对现有的假设提出质疑，并重新思考：生活在当下的我们，意识将引向何方。人类与自然世界的积极互动将对当代意识的变化和对 "世界 "的理解产生影响。