GM导览 ｜ “食物、物与日常”观展指南

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金鹰美术馆位于购物中心和酒店的52层，通过展览设计和独特的地理环境，本次展览主题聚焦于“食物、物与日常”，去引发观众对日常生活的新思考。鼓励观众反思日常生活中被忽视的艺术价值，以及这些价值如何随着时间和环境的变化而变化。

刘月，《为极限值得唯一-18 2024 01-30》，2024，纸巾雕塑：纸巾、纸巾盒，11x11x(18-18.8)厘米x30，25x25x25厘米x30（整体）

摄影：爱普生艺术微喷, 哈内姆勒摄影纯棉硫化钡纸基纸，200x150厘米

致谢艺术家

这是一个十几年前的作品，再次呈现于众，艺术家也花了许多创作的时间来重现作品。这一组作品探讨的是艺术价值与价格之间微妙而又难以言喻的关系。作品看起来就像是生活中常见的餐巾纸和纸巾盒。餐巾纸在日常生活中代表着一种快速消耗的价值，生活中出现了脏东西，你用餐巾纸去擦，其使用价值便立即显现并随之消失。此外，餐巾纸是一种具有高度可塑性的材料，但要保持其特定形态却十分困难。所以艺术家选择了这种材料来创作与价值和价格相关的作品。

刘月作品

艺术家将第一个纸巾定为一分钱的价值，随后艺术家模仿第一个纸巾盒制作了第二个，其价值就为两分钱，因为它包含了第一个纸巾盒的制作价值以及第二个纸巾盒的模仿制作成本。接下来，第三个纸巾盒模仿第二个制作，价值为四分钱，第四个则为八分钱，以此类推。艺术家总共制作了30个这样的纸巾盒，到了第30个的时候，其价值达到了一个令人震惊的数字——五百多万。这样一个随时可能在几个月或半年后就会消失的东西，其价值的落差极大。从外观上看，这些纸巾盒彼此相似，但随着时间的推移，其中蕴含的艺术性和价值将逐渐被自身消解。

艺术家提到，通过这件作品，我们认识到艺术是平等的，无论是价值一分钱的作品还是价值五百万的作品，甚至是几分钱的作品，它们在本质上是相同的。这件作品整体上探讨了日常生活中消耗品的概念，并且与我们的生活息息相关。它促使我们思考如何理解这种消耗，以及如何理解艺术在日常生活中的地位和作用。这同样是刘月艺术家二十多年来一直研究的方向，即关于认知的研究。艺术家最后补充到，在制作纸巾的过程中，他认为的称之艺术最重要的一点，即纯粹的出神，单纯的去观看这个物品。

刘国强，《打开的门》，2015，双屏录像，45秒

致谢艺术家 

刘国强作品，他的拍摄手法常常让人感到有些神秘莫测。在这件作品中，他同时用两台摄像机记录下开门的过程。当这件作品在美术馆展出时，观众往往会感到困惑，不确定门究竟是应该向后推还是向前拉。刘国强的作品常常探讨的是日常物品的另一种行进和运动形式。通过改变物品的运动轨迹，观众可能会忘却原本熟悉的使用方式，对物品产生新的看法。

西尔·弗洛耶，《水 双联》，2002，双联影像（60分钟、无声），2台显示器、2台播放器

致谢艺术家和施博尔画廊，柏林/巴黎/首尔 

在这里输入要转换的内容在这件作品中，艺术家使用了两个电视机来呈现两种不同的现象：左侧的电视机是气泡水，一开始可以看到水中含有气泡，但随着时间的推移，气泡会逐渐消失；右侧的电视机则展示了一个底部带有加热器的桶，桶中的水最终会沸腾并产生气泡。一个屏幕展现的是气泡的消失，而另一个则是气泡的产生。在同一画面中，这些细微的变化难以被察觉。艺术家并不希望过度解释作品，而是希望观众能够自行发现其中的微妙之处，即便他们可能认为自己看到的只是两个静止的水。

刘唯艰，《我的沙发 2》，2013，布面丙烯，150x240厘米

刘唯艰，《我的沙发 3》，2013，布面丙烯，150x240厘米

致谢艺术家和香格纳画廊 

这件作品创作于2013年。当时有一个大的概念，即格物致知。当时艺术家将该项目分为两个方向：一个是关于社会性的“格物”，聚焦于中国改革开放时期的标志性交通工具，如大卡车和火车；另一个方向则是探索个人与社会或人与人相处之间交汇点的“格物”。包括沙发、飞机场的公共座椅以及汽车站的长凳，这些物品在人与人相互交汇中，是唯一的共同的交错点。所选的沙发是艺术家工作室中的一件，这款沙发具有当时流行的审美风格，也普遍被艺术家工作室内外朋友和访客的来往所使用，在这之中艺术家也渐渐地考虑了一种存在与虚无之间的关系。

这三件作品旨在邀请所有观众参与互动。观众可以改变这些作品原有的功能，使它们既作为家具也作为雕塑存在。当人们观看这些作品时，它们变成了雕塑；而当人们坐在上面使用时，它们则成为了生活中的家具。

娜布其作品

同样地，台子上的每一样物品都没有固定的排列方式。观众可以随意调整这些物品的位置，创造出属于自己的景观世界或是想象中的建筑空间。这件作品鼓励大家共同参与，通过个人的调整和重新排列，观众可以自行再现它各种不同形态，从而赋予作品更多的可能性。

娜布其，《冥想室》，2022，牛津布、不锈钢、高密度海绵、金属悬挂配件、尼龙绳，130x130x150厘米

致谢艺术家和 CLC画廊 

卡琳·桑德，《厨房作品》，2012，青柠檬、马蹄笋、白菜、茄子、榴莲、荔枝、苦瓜、菱角、莲蓬、火龙果、茭白、南瓜、藕、上海青、莲雾、白萝卜、山竹、土豆、生姜、柠檬、紫扁豆、芹菜、芒果、秋葵、不锈钢钉，尺寸可变

致谢艺术家和施博尔画廊，柏林/巴黎/首尔
其中作品《生姜》、《土豆》致谢私人藏家 

这个展厅被分为了两个部分，前部关注食物，而后部则探讨农业耕种与食物生产之间的关系。展厅的第一部分右侧展示的是来自德国的重要观念艺术家卡琳·桑德的作品。艺术家将真实的蔬菜和水果悬挂在墙面上，呈现出一种类似雕塑的形式，同时这些蔬果被保持在相同的垂直水平线上，营造出一种庄严的感觉。尽管这些蔬菜和水果看起来像是假的，但实际上它们是真实的蔬果。

此次展览也是卡琳首次在国内美术馆展出的作品，在与卡琳讨论后，我们对作品进行了在地化的调整。原本作品中常见的苹果、香蕉等蔬果，这次被替换成了当地当季的特色蔬果。经过挑选，最终选定了24种蔬果，并以神圣的方式悬挂在墙上。这件作品让人联想到艺术史，例如杜尚的艺术，同时也让人想起荷兰画派的静物画。并且随着时间的推移，蔬果会发生变化，可能会腐烂或流出汁液，但艺术家认为这种变化正是作品的重要组成部分。

郭鸿蔚作品

郭鸿蔚的作品分为两部分，一部分是这张油画，这是他在2009年创作的老作品。他在那个时候对日常生活中的物品非常感兴趣。他画的是自己工作室里的一次性纸杯。他认为，正如展览主题“KEEP SEE, KEEP SEEING”，当我们持续观察某个事物时，其原有的意义似乎会逐渐消逝。

郭鸿蔚，《这还是一只纸杯么?》，2009，布上油画，150 x 200厘米

致谢艺术家和魔金石空间 

引申到绘画里，郭鸿蔚尝试持续描绘同一物体，比如达到100遍这样的程度时，原本的杯子及其作为杯子的所有认知似乎就不复存在了。剩下的只是一个奇异的容器，承载着难以言喻的东西。因此，他将这个纸杯描绘了100遍，每天不停地画下去。完成100遍后，他感到原本的杯子因描绘而消失了，转变成了某种难以描述的事物。该作品的标题受到了玛格利特的启发，作品画了一个烟斗，作品标题是“这不是一支烟斗”，运用到艺术家的作品上，他将作品命名为“这不是一只杯子”，但艺术家将它并化为疑问句形式：“这还是一只杯子吗？”最初，作品是与所描绘的纸杯一同展出的，但由于一次意外，纸杯已经不复存在，只剩下画作作为证据。

郭鸿蔚作品

此外，他还展示了一组水彩画，看起来像是虚构的，描绘了一些日常果蔬的拟人化形象，但实际上这些都是来源于现实生活中的真实物品，不是艺术家刻意虚构出来的。它们是从自然界的混沌与无序中辨认出来的与我们人类自身外形及认知有关的元素。

鲁钰，《微波炉》，2022，微波炉，不锈钢丝，厨具，食品推车，尺寸可变

鲁钰，《家用电器系列：微波炉》，2024，麻布，纸，炭笔，油画颜料，123×73厘米

致谢艺术家 

丹尼尔·杜瓦 & 格雷戈里·吉奎尔作品

丹尼尔·杜瓦 & 格雷戈里·吉奎尔的作品涉及食物的生产制造及农业耕作的相关思考。这两位法国艺术家认为自己与土地有着紧密的联系，并预见到未来可能会过上自给自足的生活。

丹尼尔·杜瓦 & 格雷戈里·吉奎尔，《绣有蚯蚓、马铃薯、酢浆草、马铃薯甲虫幼虫、马铃薯甲虫、韭葱、豆粉蝶、蜜蜂、红尾熊蜂、白尾熊蜂、赤条蝽、绿豆蝇、二十二星瓢虫、七星瓢虫、醋栗尺蛾、锁边机和缝纫机的刺绣被面》，2024，亚麻布上棉线与涤纶线刺绣，棉填充，194×249.5厘米

致谢艺术家和天线空间 

在他们的作品中，经常出现日常生活中常见的食材，如土豆和其他蔬菜。此外，他还描绘了蚯蚓等生物，因为蚯蚓能改善土壤质量，进而帮助培育更优质的蔬果。类似地，蝴蝶传播花粉以及昆虫吸引其他生物也有助于促进植物生长。因此，在这幅作品中你会发现它不仅关注食物本身，还包括食物的生产和种植方式，以及与大自然良性循环互动的关系。艺术家借此表达了一种关于自然生态系统的自我维持和循环利用的思考。值得一提的是，艺术家在创作这件作品时采用了传统的刺绣技术，因此在作品中可以看到一台缝纫机，它是艺术家创作过程中不可或缺的生产工具。

关小作品

此外，后面展出的三个窗户和地面上的打印作品是关小老师的作品。关小老师一直对农业耕作这一主题深感兴趣，她倾向于将农业耕作视为一种数码输出的过程。她认为，随着人类文明的进步，我们实际上正在远离土地和自然，同时也是自我的后退。虽然技术的进步使我们能够使用打印和数字手段来处理农业问题，但这同时也意味着人类与自然的距离越来越远。

关小，《纪录片-农业的故事:养殖》，2019，乙烯基打印，C型支架，染色玻璃钢，透明树脂，电视机支架，音箱；背景布：250x450x180厘米，电视机支架：216x117厘米 | 85x46厘米，大蜥蜴：35x100x45厘米x3，小蜥蜴：18x52x23厘米，树脂部件：41x35x35厘米x5

致谢艺术家和天线空间 

关小，《窗户-麦田》，2019，榆木，丙烯着色，亚克力打印，麻绳着色，染色玻璃钢，3D打印，永动机玩具，LED台灯，230x180x38.5厘米

关小，《窗户-柔软的脸颊》，2019，榆木，丙烯着色，亚克力打印，麻绳着色，染色玻璃钢，3D打印，永动机玩具，LED台灯，230x180x38.5厘米

关小，《窗户-日落中的烟》，2019，榆木，丙烯着色，亚克力打印，麻绳着色，染色玻璃钢，3D打印，永动机玩具，LED台灯，230x180x38.5厘米

致谢艺术家和天线空间 

（从左至右依次）

劳丽丽，《地砖所言-阿兹特克国王的豆子》，2018，录像装置，尺寸可变

致谢 MAO 空间 

最后一个房间展示的是劳丽丽艺术家的作品。劳丽丽是一位居住在香港的艺术家，同时她也是一名真正的农夫。劳丽丽的作品灵感来源于他亲自从事农耕活动的经历。他这次展示的作品是关于巧克力豆的思考。这件作品的灵感源自于劳丽丽的朋友决定创业并选择巧克力豆作为业务方向。然而，在中国国内并没有巧克力豆的原料，因此他们需要通过自由贸易从国外进口。她的两位朋友很快就把巧克力做好了。可劳丽丽将进口的巧克力豆重新加工——烘焙、手工压制，最终制成巧克力豆作为礼品。这个过程引发了劳丽丽的思考：在这个生产制作的过程中，人类的行为究竟是对原材料的破坏还是对其价值的提升？

劳丽丽作为一名亲身参与农业生产的艺术家，通过自己的实践提出了一个问题：在生产和消费的过程中，我们究竟是在创造价值还是在造成破坏？以此作为展览的结尾，希望观众能够反思：无论是食物还是日常用品，我们都应该思考它们背后的来源及其背后的劳动价值。我们应该考虑这些物品如何改变我们的生活，以及它们为我们带来的到底是价值还是破坏。

张莉娸

Zoe Chang

曾任昊美术馆执行馆长。作为中国当代艺术资深实践者，策划、组织完成百余项国内外艺术展览、项目与活动；作为艺术媒体独立撰稿人、展览策划人，关注年轻创作生态的成长与更新，建立持续的交流机制，在行动中推进并形成更多可能。