龙美术馆四展连开_700多件珍藏震撼亮相！ | 国家美术·关注

“50——90”是龙美术馆十周年系列特展的最后一场展览，如展览标题所指向的，本次展览正是基于几个客观的时间节点，从刘益谦、王薇夫妇收藏的全球当代艺术作品中，精选了出生于20世纪50年代至90年代的艺术家所创作的佳作近600件呈现给公众，其中绝大部分作品的创作时间都在1980年以后，又以2000年以后创作的作品为主，借此为滚滚向前的全球当代艺术提供一个审视的契机。

▲ 2024年《50——90：龙美术馆十周年特展》展览现场

展览分为两个部分，第一部分聚焦于“50后”“60后”及“70后”三代艺术家的艺术探索；第二部分则关注更为年轻的“80后”和刚刚崭露头角的“90后”艺术家的艺术实践。展览甄选的全球艺术创作个案都与各自身处的时代、环境彼此呼应，也让我们有机会在同一个场域中，同时看到不同代际、不同地域的艺术家，因着迥异的文化背景和成长际遇，又在全球化和多元视野的推动下，对艺术创作进行的积极探索和尝试，他们既各自独立，又互为影响。

▲ 盐田千春（日本，1972年出生）《存在的状态（礼服裙）》2022年 金属框架 线 礼服裙 260×180×89 厘米

▲ 陈英杰（中国，1991年出生）《对流-自然重力 100》2022年 布面喷绘及综合材料 300×200×5.3 厘米

策展人王薇希望，这个展览既能对全球当代艺术的个案研究和代际研究提供样本，也可以创造一个全球艺术对话的机会，让观众看到艺术的多样性和丰富性。也希望通过龙美术馆十周年的最后一场特展，面对横跨五个代际的全球艺术创作，理解到艺术在我们这个时代，仍然是举足轻重的。而艺术之于时代的重要性，不在于对“新”的追逐，也不是对“旧”的固守，而是在每一个时代的切片里，都有作为艺术家的个人，在世界文明的交融中，选择以艺术作为方法，对所处的时代和世界作出各自的回应。

▲ 陈丹青（中国，1953年出生）《康巴汉子》1983年 布面油彩 100.5×75.5 厘米

▲ 奈良美智（日本，1959年出生）《漫长寒冬》1999年 布面丙烯 120×110 厘米

▲ 周春芽（中国，1955年出生）《山石图-红石》1999年 布面油彩 149×119 厘米

第一板块：50、60、70

进入美术馆的一楼主展厅，观众将看到出生于20世纪50年代、60年代和70年代的三代艺术家对艺术的探索，每个代际艺术家的创作都与他们成长的各个时期的经历形成了一种对应的关系。尽管历史的浪潮始终牵引着每个时代的主流方向，但具体到每个艺术家的作品中，他们仍然怀揣着各自不同的选择。

▲ 2024年《50——90：龙美术馆十周年特展》展览现场

▲ 张恩利（中国，1965年出生）《容器》1995年 布面油彩 100×80 厘米

▲ 尼奥·劳赫（德国，1960年出生）《光》2018年 布面油彩 300×250 厘米

▲ 拉希德·约翰逊（美国，1977年出生）《海景“星际旅行”》2022年 亚麻布面油彩 240×305.6 厘米

▲ 杰夫·昆斯（美国，1955年出生）《海豚》2007至2013年 镜面抛光不锈钢 透明涂层 51.1×199.1×95.3 厘米 版数 3/3, 1AP 

观众所看到的三代艺术家的创作，都是他们对各自时代和现实的有力回应：既有对当下现实的描绘，也有对过去世界的回望和先锋观念的谱写；他们或植根于各自文化的传统，或居间在多种文化中彼此渗透，但总体而言，都是朝着多元化和异质性的方向不断演变，这也体现在本次展出的大量作品样本中，它们涵盖了绘画、雕塑、装置、摄影、影像等多种艺术形式，充分展示了全球艺术的多样性和丰富性。

▲ 向京 （中国，1968年出生）《异境——这个世界会好吗？》2011年 玻璃钢着色 215×265×120 厘米 

第二板块：80、90

阶梯展厅集中展示了全球“80后”和“90后”艺术家的艺术实践，相对于前几代艺术家，他们更加趋向自我和个人，也更受到全球化的影响，虽然绘画仍然是艺术创作的主流，但科技的飞速发展和新材料的涌现，深刻地影响了他们对图像的选择以及创作方式的转变。

▲ 2024年《50——90：龙美术馆十周年特展》展览现场

▲ 露西·布尔（美国，1990年出生）《凤凰》2019年 亚麻布面油彩 205.7×145 厘米 

▲ 陈飞（中国，1983年出生）《青春》2010年 布面丙烯 170×130 厘米

在这个板块中，展出的作品以“80后”艺术家的创作为主，也精选了约30件“90后”艺术家的作品，集中呈现这两个代际全球艺术家的创作状态。在艺术家个人化的视角下，我们既能看到艺术家对日常生活中平凡对象的超验想象，也有对抽象纯粹力量的强调，以及他们在传统与前沿观念之间的选择和融合。

▲ 艾芙瑞?辛格（美国，1987年出生）《中国木屋》2021年 木板上布面丙烯 254.6×305.4×5.4 厘米

▲ 尼古拉斯·帕蒂（瑞士，1980年出生）《水面倒影》2022年 亚麻布面软质色粉条  220×160×3.8 厘米

展览以这两个代际的艺术家作为结尾，不是试图为他们找到一条明确的线索，而是让年轻一代的艺术视野得以呈现，让观众看到滚滚向前的全球当代艺术在此时此刻的浪潮。

展览名称：王郁洋：绘画

策 展 人 ：王薇

展览时间 ：2024.11.07 – 2025.1.05

展览地点：上海 龙美术馆

2024年11月7日至2025年1月5日，龙美术馆（西岸馆）将推出艺术家王郁洋的最新个展“王郁洋：绘画”，对艺术家自2010年以来的绘画实践进行全面的梳理和展示。

▲ 2024年《王郁洋：绘画》展览现场

王郁洋自幼热爱绘画，始于中国画，后师从郑艺先生学习写实油画，并考上中央美术学院附属中学继续学习。在附中期间，由于艺术好奇心的驱使和青春期的反叛，王郁洋曾中途远离绘画，考入中央戏剧学院学习戏剧，开始以行为、影像和装置等媒介形式参与中国当代艺术实践。

▲ 王郁洋，《微观世界 20240611》，布面油画，180×120cm

2015年龙美术馆（西岸馆）曾举办王郁洋的大型个展“今夜我为何物”，展示了王郁洋此前10年所创作的30余件装置类的作品，占据美术馆三层空间，几乎展示了王郁洋所有阶段性的艺术实践，此后，龙美术馆少有如此规模之制作。虽之后，他也在国内外美术馆举办过个展，但作品多为过往系列艺术观念的延展。

▲ 王郁洋，《2 in 1—20240630》，布面油画、数码微喷，200×200cm

从2021年以来，王郁洋开始转向新的观念领域探索。今年（2024年）年初，深圳美术馆的个展《混韵之宇》呈现科学与技术建构的当下的社会语境的思考，其中使用的技术包括人工智能、虚拟现实、自动驾驶、机器人、地质勘探，合成生物、大数据和物联网。展览的主题涉及人类、人造物及人造生命，和自然世界相互交错纵横，通过构建新的主体，孕育与展开新的叙事，从而批判与反思“人类中心主义”的宏大叙事。

▲ 王郁洋，《生物克莱因蓝202301011》，微生物、大理石，99×85cm

本次新展“王郁洋：绘画”是对艺术家超过10年的绘画实践的一次全新展示和梳理。自2010年以来，王郁洋试图从新媒介的角度返回他曾经热爱的绘画，但以往的展出只是作为其庞大实践的分支。王郁洋的绘画实践，如同他所从事的其它类型实践一样，多变且语言和观念极为复杂，在解构和颠覆传统绘画的同时，创造出人、非人和自然混合的当代性图像。作品的主题涉及光的解构与再现、时间的延展与重叠、机器的创造与毁坏、人造自然的阈限与迁移等等。可以说，“王郁洋：绘画”呈现了“人—技术—自然”的媒介环境下，艺术家对于传统艺术媒介的焦虑与质疑，但同时也包含了他对于绘画源于生命内部的热爱。

▲ 王郁洋，《微观世界 20240112》，布面油画，179×182cm

▲ 王郁洋，《食草动物》，树脂、丙烯、数码微喷，123×93cm

王郁洋的作品诡异多变，是认知的陷阱。它逃离艺术的流行语言，从而就作者身份，创造力，批评引发诸多问题：即作者的概念不再局限于人这一主体，钟情于另一种层级的智慧，而其观念的异端亦使批评不知所措。他的思考与制作模式不妨说是具有一种“非标准艺术”的特点，有如弗朗索瓦·拉鲁勒以非哲学的名义对哲学传统的剧烈离弃。将其置于宣称占有启蒙精神之道德高地的人本主义者与后人本主义者渴望“物之议会”（引自布鲁诺·拉图尔）间积怨难返的背景之下，王郁洋的作品不自觉地介入了一场伦理的争辩。它以一种对既成美学的扬弃，要求为艺术提出新的名号，并更新艺术教育。他的作品也是一面棱镜，折射出在以后结构主义的逻辑为框架的当代艺术的老生常谈之外所体现的当下之文化光谱。

以“王郁洋#”为架构的系列作品是一个以雕塑、绘画和行为等形态呈现的系列，并随后得以继续推进。“王郁洋#”是对王郁洋2013年个展“划线者”作品的激进化发展。“划线者” 运用计算机程序，一方面通过对于文学章节的偶然选择来构建艺术作品，另一方面则从艺术家在数字0与1的随机涂鸦中重构意义与视觉形式。而“王郁洋#”是一套极其复杂的计算机软件系统，它被构想成是与艺术家等同的个体，是能够“自主地对未来发生作用的技术发明”（引自布莱恩·马苏米），并完全去除掉艺术家在创作中的自我痕迹。在作品《四分之一》《最好》和生成的行为表演中，“王郁洋#”想象并创造了一种范式，在其中，智力和创造力不再仅仅是人类的特权，它干扰了以人类中心说的分类系统所建构的控制链。

王郁洋将艺术家作为原创者而媒介作为从属工具的这种约定俗成的操作方式颠倒过来，为我们带来了雕塑、绘画和行为的令人惊讶的崭新而丰富的形式表达。不仅如此，他也迫使我们去重新思考一个这样的世界，在其中，有关真实的看法不再局限于人类自己的认知，而知识的生产将成为主体和客体相互间的欢愉分享。随着技术创生的来临，原创性勾勒出真实之神话的新月之光。

丨摘自《王郁洋：今夜我为何物》，张尕“后人本作为一种艺术状况”

▲ 王郁洋，《漩涡20231219》，油画布、特殊颜料，230×176cm

_关于艺术家

▲ 艺术家 王郁洋

王郁洋（生于1979年）毕业于中央美术学院实验艺术学院并留校任教至今，目前在北京生活和工作。他的艺术实践聚焦于科技与艺术、自然与人工、物质与非物质之间的关系，常采用跨学科和跨媒介的创作方式。王郁洋的作品涵盖了人工智能、基因工程、数字媒体、机械装置等多种领域。他利用计算机编程、算法生成和数据可视化等技术手段，创造出了具有动态变化和交互性的艺术形式。王郁洋的作品不仅展现出对科技发展的批判性思考，也充满了对未来世界的想象，往往呈现出一种不可预测的美感，试图挑战观者对现有经验的固有认知。作为一个不断创新和突破的艺术家，王郁洋用现代科技为艺术赋予了新的可能性，拓展了科技艺术的视角和表达方式，具有强烈的社会影响力和文化内涵。

王郁洋作为讲者参与超过20多个公开艺术讲座，举办机构包括英国诺维奇SCVA博物馆 (2009)，英国Perth Horse Cross (2010)，北京UCCA (2011)，伦敦皇家艺术学院(2012)，伦敦国王学院(2013)，TEDx南京年会(2015)，首尔白南準艺术中心(2016)，德国ZKM卡尔斯鲁厄艺术与媒体中心(2017)，巴黎蓬皮杜中心(2019)，威尼斯Ca' Foscari 大学 (2022)等国际艺术机构。

王郁洋两件作品 “#—四分之一”及“无题1—雪人”参展五十九届威尼斯双年展中国馆展览“元·境”。

展览名称：白光黑影——蔡斯民镜头下的吴冠中与吴冠中作品展

策 展 人 ：王薇

展览时间 ：2024.11.07 – 2025.1.05

展览地点：上海 龙美术馆

▲ 2024年《白光黑影——蔡斯民镜头下的吴冠中与吴冠中作品展》展览现场

龙美术馆（西岸馆）于 2024年 11月7日至 2025年1月5 日精彩呈现“白光黑影——蔡斯民镜头下的吴冠中与吴冠中作品展”，集中展示蔡斯民先生上世纪80年代至2000年所拍摄的吴冠中先生珍贵影像60余件，以及吴冠中先生不同时期的精选画作20余幅。

▲ 吴冠中在新加坡鸟类公园写生。1988年，蔡斯民摄于新加坡。收藏级艺术微喷，71×100厘米

▲ 吴冠中在巴黎写生。1989年，蔡斯民摄于法国巴黎。收藏级艺术微喷，100×71厘米

▲ 吴冠中在北京工作室创作人体题材作品。1990年，蔡斯民摄于北京。收藏级艺术微喷，71×100厘米

▲ 吴冠中在北京家中亲手毁掉不满意的作品二百余幅。1991年，蔡斯民摄于北京。收藏级艺术微喷，100×71厘米

蔡斯民是新加坡国家文化奖得主，著名摄影师。他从1985年至2000年持续跟踪拍摄吴冠中，吴先生的一举一动、喜怒哀乐皆被他的镜头所记录。这十余年间，吴冠中先生在形式美、抽象美的艺术探索和创作上不断推陈出新，并且在新加坡、英国、法国、日本等国家举办展览，影响深远，为中国美术走向世界做出了卓越的贡献。这批即将展出的珍贵影像是吴冠中先生在新加坡、印尼、英国、法国工作和游历过程中的传神写照。影像不仅是这位中国美术大师的重要档案资料，更难得的是让我们得以回望大师的精神风采和晚年的音容笑貌。

▲ 吴冠中与蔡斯民共同创作的“点线无极”系列。1988年，蔡斯民摄于新加坡。收藏级艺术微喷，120×180厘米

▲ 吴冠中，《冬天的树》，1953年，纸本素描，37×29cm

▲ 吴冠中，《富春江沙洲》，1963年，木板油画，46×61厘米，私人收藏

▲ 吴冠中，《乞力马扎罗雪山》，1975年，布面油画，100×180厘米，私人收藏

▲ 吴冠中，《北国风光》，1979年，木板油画，68×179.5厘米，泰康保险集团收藏

2019年龙美术馆（西岸馆）举办了“留真——蔡斯民摄影作品与二十世纪中国画名家作品展”，展出了蔡斯民镜头下14位中国画大师晚年的身影，展览同时呈现了14位大师代表性绘画作品。影像与绘画的结合，丰富了展览内容，也让公众得以从不同角度领略这些中国画大师的风采，展览得到广大观众的喜爱和业界的一致好评。值得一提的是，正是缘于拍摄“留真”系列摄影，蔡斯民结识了吴冠中，两人一拍即合，开启了一段跨越20多年的友谊。本次展览呈现的系列摄影作品，也为公众提供一个契机，让我们得以透过真实的影像寻觅到那段难能可贵的友谊。

▲ 2024年《白光黑影——蔡斯民镜头下的吴冠中与吴冠中作品展》展览现场

此次“白光黑影——蔡斯民镜头下的吴冠中与吴冠中作品展”继续实践着龙美术馆在专题性人物摄影展这一板块上的探索和研究。龙美术馆在获得蔡斯民先生慷慨捐赠这一批摄影作品后便积极策划此次展览，并延续此前的展览方式，将人物摄影与绘画作品对照呈现，多层面多角度地向公众展示吴冠中先生的生活面貌、个人风采和艺术创作。为此，美术馆梳理了收藏的吴冠中作品，并向相关机构和个人借展多幅吴冠中先生精彩画作。影像中的生动形象是对吴冠中精神世界描摹的一个瞬间，而不同时期的艺术作品则是其笔耕不辍艺术生涯的持续写照。相信，此次展览必将会带给观众新的触动。

▲ 吴冠中，《山村》，1993年，纸本彩墨，68×68厘米，私人收藏

▲ 吴冠中，《红花宅院》，1994年，布面油画，91.5×65.5厘米，私人收藏

2024年是吴冠中先生诞辰105周年。龙美术馆特别推出此次特展，希望通过影像和作品回望这位中国画大师步履不停的艺术之路。吴冠中在中西文化艺术的交流、碰撞中寻觅到了自己的方向，以吴冠中为代表的一批批求学海外的艺术家们在传统与现代，东方与西方之间不断探索，为中国艺术的创新、发展注入新的生命力，为东西艺术文化的交流做出了不懈努力。老一辈艺术家们开拓进取、砥砺前行的精神也必将激励一代代年轻人乘风破浪、勇往直前。

▲ 2024年《白光黑影——蔡斯民镜头下的吴冠中与吴冠中作品展》展览现场

_关于艺术家

▲ 蔡斯民肖像，2019。摄影：蔡子鑫

蔡斯民，出生于1932年。新加坡著名摄影艺术家，重要的艺术策展人。青年时就对美术和摄影有浓厚的兴趣，1950年至1952年在新加坡南洋美专学习。五、六十年代活跃于艺术界并取得了突出的成绩。1955年曾获英国皇家摄影学会硕士A.R.P.S.及国际影艺联盟最高荣誉HON E.F.L.A.P。1972年起，蔡斯民先生致力于广告摄影制作，成为一位享誉国际的专业摄影家。1985年拍摄的新航日历获得太平洋区金奖以及1986年新加坡创意奖。1989年被新加坡政府授予摄影文化艺术奖章。

1989年至1992年期间，他在新加坡、北京、上海、沈阳、西安、杭州、台北、香港等地举办个人摄影展览《留真》。2005年至2011年继续在重庆、深圳、成都、昆明、贵阳、云南、上海、杭州、新加坡等地巡回展出。其作品曾被新加坡美术馆、香港艺术馆、岭南纪念馆、中国美术馆、沈阳博物馆、何香凝美术馆、四川美院、广东美术馆、贵阳美术馆、云南博物馆、刘海粟美术馆、浙江美术馆等收藏。

▲ 蔡斯民为吴冠中拍摄的最后一幅肖像，地点在北京的吴宅，2009。摄影：蔡斯民

吴冠中（1919-2010），中国现当代画家、美术教育家。毕生实践着“油画民族化”“中国画现代化”的创作理念。1936年进入杭州国立艺术专科学校学习，1942年毕业后任教重庆大学建筑系。1946年公费赴法国巴黎国立高等美术学院学习油画，作品曾参加巴黎春节和秋季沙龙展。1950年归国，先后任教于中央美术学院、清华大学建筑系、北京师范大学、北京艺术学院、中央工艺美术学院、清华大学美术学院。1991年被法国文化部授予“法国文化艺术最高勋位”。2002年当选为法兰西学院艺术院终生通讯院士，是首位获此殊荣的中国籍艺术家。2006年被香港中文大学授予文学荣誉博士。曾任第八、九、十届全国政协委员，中国美术家协会顾问。

展览名称：丹尼尔·克鲁斯-丘博：不朽

展览时间 ：2024.11.07 – 2025.1.05

展览地点：上海 龙美术馆

▲ 2024年《丹尼尔·克鲁斯-丘博：不朽》展览现场

英国艺术家丹尼尔·克鲁斯-丘博（Daniel Crews-Chubb，生于1984年）个展“不朽”于2024年11月7日至2025年1月5日在上海龙美术馆（西岸馆）正式对公众开放。这是艺术家在全球范围内的首次大型美术馆个展，将隆重呈献30余件画作，包括9件展览同名系列新作和5件

“混沌之中（Out of Chaos）”系列新作等，邀请观众共同探索历史变迁中人物形象的多样表达。

▲ 丹尼尔·克鲁斯-丘博《混沌之中VIII（灰蓝色）》，2024年 布面油彩、丙烯、墨水、炭笔、喷漆、沙子与拼贴织物 249.9 x 281厘米 图片致谢艺术家与泰勒画廊 ?丹尼尔·克鲁斯-丘博

克鲁斯-丘博综合运用直觉绘画和拼贴，在这个繁琐且高强度的创作过程中，那些充满活力且动荡不安的奇幻人物形象跃然纸上。他从潜意识出发，随机运用泼洒、抛掷、喷涂墨水和色粉的涂抹方式，创造出动感十足的背景，并自然而然地引出人物形象。这些人物或单独出现，或以不可名状的群像呈现。艺术家而后会不断凭借炭笔素描、油彩厚涂，以及加入浮石和画布碎片的方式，让这些人物形象逐渐显现出成形。因此，他的画作纹理丰富，极具触感，唤起了广袤无垠的空间感以及强烈的时间感。

▲ 丹尼尔·克鲁斯-丘博，《混沌之中VI》，2024年，布面油彩、丙烯、墨水、颜料棒、炭笔、喷漆、沙子与拼贴织物，250×300厘米。图片致谢艺术家与泰勒画廊 ?丹尼尔·克鲁斯-丘博

克鲁斯-丘博的创作借鉴了古代文化以及现代艺术史，反映了对人类境况的思考，涉及生死、美学、信仰体系和图像学主题。他的“不朽”（Immortals，2022–2024年）系列聚焦永恒的概念，探讨了这样一个理念：人类创造艺术以求接近永恒，或者将其视作超越肉身限制的方式。无论是洞穴绘画还是纪念碑雕刻，对人物的描绘都赋予了所描绘主题一种永恒性。克鲁斯-丘博从记忆中创作，通过他个人的当代视角框架，重新诠释历史图像和叙事。从托尔特克文明（Toltecs）到眼镜蛇画派（CoBrA），人们在表现理想的神圣形象时所产生的共鸣点可谓贯穿历史长河，而克鲁斯-丘博正是在试图通过创作寻找一个可以打破时空疆界依然能被接受的普世人类形象。

▲ 丹尼尔·克鲁斯-丘博《混沌之中III》，2024年 布面油彩、颜料棒、丙烯、墨水、炭笔、喷漆、沙子与拼贴织物 270.5 x 300.5厘米 图片致谢艺术家与泰勒画廊 ?丹尼尔·克鲁斯-丘博

克鲁斯-丘博的最新系列“混沌之中”（2024年）采用了更广阔的视角，反映了所有生命和宇宙实体之间的物质关联。在这里，艺术家那些自发性的笔触皆围绕人物形象衍生发展。他笔下的人物没有明显的性别或种族特征，也几乎没有背景，占据着一个引人共鸣的临界空间。美与丑、秩序与混乱在这些被密集处理过的作品表面上彼此角力。

▲ 丹尼尔·克鲁斯-丘博，《3名不朽者（群青）》，2023年，布面油彩、油画棒、丙烯、墨水、炭笔、喷漆、沙子、浮石凝胶与拼贴织物，橡木画框，224×288厘米。图片致谢艺术家与泰勒画廊 ?丹尼尔·克鲁斯-丘博

该系列的标题灵感来自古希腊的概念，即混沌空虚，而宇宙由此而生。“意义从虚无中诞生”的概念驱动了克鲁斯-丘博的大部分作品创作。他常常思考幻想性视错觉（Pareidolia），即人类倾向于在云朵和星辰中寻找某种图案或范式。通过色彩、线条和形式的组合，艺术家为观者提供了令人欢愉的意象视界，让人既熟悉又陌生。

▲ 丹尼尔·克鲁斯-丘博，《不朽II（绿松色）》，2022年，布面油彩、油画棒、丙烯、墨水、炭笔、喷漆、沙子、浮石凝胶与拼贴织物，橡木画框，224×174厘米。图片致谢艺术家与泰勒画廊 ?丹尼尔·克鲁斯-丘博

丹尼尔·克鲁斯-丘博说：“绘画是一件非常愉快的事情，我的作品回溯到早期洞穴壁画，并贯穿现代主义、抽象表现主义，甚至是眼镜蛇艺术和原生艺术。有太多绘画历史中的不同时刻激发了我的灵感。当然，我的作品已经完成了，但我希望它们让人感觉有点未完待续，这样观者就能融入其中。”

▲ 2024年《丹尼尔·克鲁斯-丘博：不朽》展览现场