绽放的色域——元美术馆“是日蓝花”七位借展藏家专访

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“是日蓝花”是元美术馆首次以艺术史上的色彩为主题举办大型展览。策展人袁佳维运用“蓝花”这一意象，将观众的目光和思绪牵引至“蓝的色域”这一核心线索，同时与活跃于中国当代艺术现场的诸多私人收藏脉络形成对话。从天空到海洋，从十五世纪乔托（Giotto）创作的圣经场景壁画中圣徒鲜艳的钴蓝色长袍到马克·夏加尔（Marc Chagall）笔下象征乡愁与梦幻的蓝色天空，颇具魅惑感的蓝色为不同的艺术场景赋予物质性与自然性之间的平衡。

走进元美术馆的秋季群展“是日蓝花”，38件“蓝色”作品有序不紊地自在呼应。娜塔莉 · 杜尔伯格 & 汉斯·博格（Nathalie Djurberg & Hans Berg）、丹尼尔·克鲁斯—丘博（Daniel Crews-Chubb）、米莫萨·埃查尔德（Mimosa Echard）、蒋志、苏予昕、张如怡等艺术家的绘画、雕塑、摄影等不同媒介作品呈现出人造物与天然物之间跨越固态于液态的、分界愈发模糊的状态。

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。从左至右：蒋志，《情书 2014》，2014 年；张如怡，《一株—QB》，2024 年，Alda Xie 收藏；茹特·莫尔克，《泰黑 II》，2020 年；任莉莉，《壳》，2022年。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。从左至右：任莉莉，《壳》，2022 年；王雪冰，《蝴蝶罩衣 右》，2023 年，Alda Xie 收藏；徐震，《天下—1501JP2212》，2022 年；吕松，《树舞 #14》，2023 年；许鹤溪，《帕索里尼七次》，2024 年；伊内斯·隆格维亚尔，《呐喊》，2024 年；梁伟，《其时实式》，2024 年。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

艺术家通过素描起稿油画往往会以蓝色作为线条结构；蓝晒工艺是一种无需在暗房中操作的古典/非银盐摄影工艺；而建筑设计师的草图又被称为蓝图——蓝色在视觉语汇上多次以自指的方式趋向创作语法本身。

蓝色颜料的历史也是一部特别的技术史：从青金石中提炼群青颜料的湿壁画画家；到伊夫·克莱因（Yves Klein）调配出独有的国际克莱因蓝（IKB），蓝色的历史在艺术、自然与科技之间经久不息地互相咏叹，再现并演绎视觉对象的灵韵。在展览“是日蓝花”中，蓝色母题不断分型、迭代，将艺术史的永恒主题收敛再重新铺展，令其中的每一个褶皱清晰可见。

? 刘辛夷，《贝塔礁》，2021 年，光敏树脂打印、漆、起烟器、电源，25 x 65 x 70 厘米/件、26~29 x 35~41 x 36~42 厘米/件，共 10 件，整体尺寸可变。“是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

? 汪建伟，《它和它们的国 No.2》，2019 年，布上油画，150 x 200 厘米。“是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。左：石至莹，《宝石与镜像 3》，2021 年；右：石至莹，《宝石与镜像 2》，2021 年。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

? 帕梅拉·罗森克朗茨，《异度蓝色窗户（利什，奥拉宁堡街 18）》，2017 年，蓝色LED、阳极氧化框架、遥控器、USB适配器，177 厘米（直径）。“是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

? 本科及研究生均研读艺术史，爱好收藏当代艺术多年，目前从事文化消费投资及咨询事业。

LARRY'S LIST：您是通过什么机会接触到这件作品，并决定将其纳入您的收藏？

Alda Xie：我首次邂逅雪冰的作品是在2020年她所举办的个展上，当时，她所展现的技艺和创作才华给我留下了深刻印象。因此，时隔三载，当她在LINSEED呈现第二次个展时，我毫不犹豫地前往参观。在第二场展览中，我明显地感知到雪冰在创作表达上的持续演进与丰富，她在实体画面的细节处理和色彩把控上更是让人惊叹。也许是因为我的个人经历与雪冰有很多相似之处，所以她这次选取的“记忆”主题，与我个人的迁徙经历产生了很强的共鸣，尤其是这件作品中她对于蓝色的运用，那种沉静、深邃和略带感伤的情绪，广袤感与破碎感共存的微妙平衡，非常打动我。作为女性藏家，我在女性创作者的作品中感受到一种强烈的共震，于是决定把这件作品纳入收藏，也借此表达我对于中国年轻一代女性艺术家的支持。

LARRY'S LIST：王雪冰的《蝴蝶罩衣 右》在您的收藏中占据着怎样的位置？您如何看待这件作品中对蝴蝶形象的解构和重构？

Alda Xie：在我看来，通过对蝴蝶形象的拆解，雪冰模糊了自然界中固定的符号意义，让观众在她的画面中体验到可视和不可视、具象与抽象的交织。蝴蝶的轻盈和脆弱与裂痕的形态相结合，仿佛是在画布上展现出生命形态的复杂多样。这种裂痕与蝴蝶的形象并非简单的表征，而是一种对形式与感知的挑战，隐喻着生命中的创伤、记忆的断裂，以及这些裂痕如何能够成为一种反凝视的力量。美丽、破碎、轻盈、转瞬即逝，这些被一贯与女性相关联的词汇，也是可以传递力量的。在这种语境下，蝴蝶不再是简单的自然符号，而是一种文化、记忆与情感的载体，通过蓝色的调和与分裂，形成了复杂的视觉和情感体验。我非常高兴可以在收藏中纳入这件充满女性特色又极具女性力量的作品。

? 王雪冰，《蝴蝶罩衣 右》，2023 年，棉布面油画，160 x 130 厘米。Alda Xie 收藏。? 王雪冰—图片由艺术家和LINSEED提供

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。左：任莉莉，《壳》，2022年；右：王雪冰，《蝴蝶罩衣 右》，2023 年，Alda Xie 收藏。图片由元美术馆提供。摄影：赵轶晗

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。从左至右：王雪冰，《蝴蝶罩衣 右》，2023 年，Alda Xie 收藏；徐震，《天下—1501JP2212》，2022 年；吕松，《树舞 #14》，2023 年；许鹤溪，《帕索里尼七次》，2024 年；伊内斯·隆格维亚尔，《呐喊》，2024 年；梁伟，《其时实式》，2024 年。图片由元美术馆提供，摄影：林半野@AGENT PAY。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。从左至右：蒋志，《情书 2014》，2014 年；张如怡，《一株—QB》，2024 年，Alda Xie 收藏；茹特·莫尔克，《泰黑 II》，2020年；任莉莉，《壳》，2022 年；王雪冰，《蝴蝶罩衣 右》，2023 年，Alda Xie 收藏；徐震，《天下—1501JP2212》，2022 年；吕松，《树舞 #14》，2023 年。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

LARRY'S LIST：您是因为什么契机参与元美术馆的“是日蓝花”展览？

Alda Xie：可能因为一直以来我对蓝色的偏好被策展人捕捉到了。作为藏家，我对“蓝色”的情有独钟源于其在艺术史中独特而深远的象征意义。蓝色在不同历史时期承载了丰富的文化内涵，从中世纪宗教画中的神圣色彩，到印象派画家对天空和水域的描绘，它总是与深邃、平静以及无限的空间感紧密相连。蓝色不仅仅是视觉上的享受，它能传递冷静与孤独，表达情感的深层次。像伊夫·克莱因（Yves Klein）和帕布罗·毕加索（Pablo Picasso）等艺术家通过蓝色打破了形式与情感的界限，这种充满历史与哲学意味的色彩往往容易引发我内心深处的共鸣。我非常荣幸可以有机会在一个展览中展示三件出自当代中国女性艺术家之手的作品，其中包括王雪冰的绘画以及两件张如怡的雕塑作品。

LARRY'S LIST：现场将如何展示这件作品，它将如何与环境呼应？

Alda Xie：很高兴看到我收藏的作品可以和其他的优秀作品们一起展出，在色彩与形式上互相呼应、补充、扩写，从而产生更深远的回响，相信这些优秀的作品一定可以共同催化出充满张力的观展体验。

LARRY'S LIST：您如何看待艺术家通过留白和晕染来创造“褶裥”式的视觉“截帧”，从而引导观者的观看体验？

Alda Xie：这个描述非常准确，雪冰创作的视觉效果非常巧妙，画面看似静止又充满流动性。留白的运用不仅给予观众视觉的喘息空间，还为物体的形态提供了更多解读的可能；晕染技术则模糊了物体边界，增强了画面的层次感和暧昧性，促使观众在观看过程中不断调整自己的视觉焦点，从而引导观众以一种流动、延迟的方式去体验作品中的复杂性和情感。具体这件作品来说，艺术家通过暴力的“截断”与晕染的“藕断丝连”创造出了物理的截帧——裂痕。裂痕、蝴蝶与蓝色共同构建出一个充满张力的视觉世界，形式的分裂和色彩的使用并不是简单的装饰或表层意义，而是深刻表达了艺术家对现实与记忆、内在与外在的思索。我的个人体感是，这件作品仿佛把无数记忆碎片压缩进眼前的瞬间，可以给我带来非常深层的情感触动，希望现场看到展览的观众们也能感受到这种共鸣。

LARRY'S LIST：您在收藏蓝色调作品时，有什么特别的偏好或标准吗？

Alda Xie：无论是抽象或具象表达，还是作品所引发的视觉和心理冲突，我都偏爱能够将蓝色运用得具有理性结构又传递情感复杂性的、通过蓝色创造多层次体验的作品。

举例来说，这次展览中另一件我的收藏作品，艺术家张如怡的混凝土仙人掌雕塑《一株—QB》，来自她最有代表性的系列，展现了她对个体、自然与工业的深度探讨。通过将有机物（仙人掌）与无机材料（混凝土）结合与转换，诗意地展现了自然被人类环境改造和规训的过程，亦隐喻了人作为个体本身被更庞大的社会机器所改造和规训的过程。蓝色在这件作品中尤为突出，它一方面强调了社会秩序作为一种理性、冷静的象征，另一方面传递了人类个体内在的沉思与孤独感，同时还隐含对于广袤天地的向往与自由，可以说通过一种颜色就浓缩表达了这件作品的内核，生命的韧性与适应性、疏离与异化，非常凝练又美丽。

另外一件展出的作品同样来自张如怡的混凝土雕塑系列，选取了香皂这个日常生活中常见的清洁产品作为原型。通过蓝色混凝土这种冷硬、永久的材质，将原本柔软、易耗的香皂转化为具有持久性的物件，强调了商品化社会中对日常物质的依赖，也反映了现代社会中消费主义的持久效应，还引发了关于社会对“纯净”“纯洁”的执念的反思。从一个极小的物件出发引出各种维度的思考，是我非常欣赏这件作品的原因。

? 张如怡，《香皂》，2017 年，混凝土、香皂架，9.5 x 5 x 3 厘米（香皂），12.7 x 8.4 x 3.5 厘米（香皂架）。Alda Xie 收藏

? 张如怡，《一株—QB》，2024 年，混凝土、色粉、瓷砖、木板、金属，60 x 21 x 20 厘米。Alda Xie 收藏

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。左：蒋志，《情书 2014》，2014 年；右：张如怡，《一株—QB》，2024 年，Alda Xie 收藏。图片由元美术馆提供。摄影：赵轶晗

我的其他一些蓝色调的收藏作品也带有这种复杂性。比如沃尔夫冈·提尔曼斯（Wolfgang Tillmans）的摄影，通过蓝色布料的褶皱与光影交错，形成了静止与流动之间的张力，表现了艺术家对材料质感与动态的细腻捕捉，也隐含了他对于生活中微妙细节的关注和对物质世界的反思。朝恩·雅浸（Joeun Kim Aatchim）的混合媒介绘画，通过蓝色表现梦境和记忆，半透明的薄纸、丝绸、纱布等轻盈的介质在蓝色调的氛围中增强了视觉上的柔和与朦胧，充满了幽静和微妙的情感起伏。付亮的绘画作品描绘了人物特写在蓝色线条中的若隐若现，人物被淡化的轮廓呈现出一种半透明的质感，使得画面呈现出超现实的氛围和梦境般的视觉体验，让作品充满了时间与空间、存在与虚无之间的张力。

这些艺术家运用蓝色表达个人情感、社会批判或哲学思考，展现了蓝色作为一种色彩在艺术创作中的多重可能性，很契合我的收藏理念和偏好。

? 金融行业投资者，2019年与夫人Sophia Luo共同进入当代艺术收藏领域，涉猎广泛包括绘画、雕塑、装置、影像、声音以及综合媒介的作品。他关注不同地区艺术家之间的对话并在此基础之上进行共同感与判断力批判，现以Lastpiece Collection命名其收藏。

LARRY'S LIST：您是因为什么契机参与元美术馆的“是日蓝花”展览？

Coobe Wang：策展人袁佳维希望在这个展览中展出米莫萨 · 埃查尔德（Mimosa Echard）的这件蓝色调作品。我愿意和大家一起分享这件作品。

LARRY'S LIST：您是通过什么机会接触到这件作品，并决定将其纳入您的收藏？

Coobe Wang：几年前，我在西岸艺术与设计博览会上就开始关注这位艺术家，后来有幸两度收藏她的创作，《那耳喀索斯（异形）》是其中比较小的一件。各种奇异的物质交汇成流动的画面，仿佛形成一种另类生态。我只用了1秒钟就决定当即收藏这件作品。

? 米莫萨·埃查尔德，《那耳喀索斯（异形）》，2021 年，不锈钢、织物数码印花、丙烯颜料、丙烯酸漆，160 x 60 x 4 厘米（含框）。Lastpiece Collection 收藏

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。左：米莫萨·埃查尔德，《那耳喀索斯（异形）》，2021 年，Lastpiece Collection 收藏；中：石佳韵，《木纹 #3》，2021 年；右：石佳韵，《森林 #1》，2021 年。图片由元美术馆提供。摄影：赵轶晗

? “是日蓝花”展览现场，2024年，元美术馆，北京。从左至右：刘辛夷，《贝塔礁》，2021 年；刘任，《PantaRhei—202401271642》，2024 年；沈文燮，《提示》，2020 年；斯宾塞·芬奇，《于 Isle au Haut 眺望大西洋》，2017 年；米莫萨·埃查尔德，《那耳喀索斯（异形）》，2021 年，Lastpiece Collection 收藏。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

LARRY'S LIST：米莫萨·埃查尔德的《那耳喀索斯（异形）》和您的收藏观如何呼应？

Coobe Wang：这件作品不是传统绘画，而是综合媒介作品，这也是我关注的主要媒介。她的作品不是以那种“漂亮”的形式出现，更多的是关注不同形式的混合生态之美。不同的元素在医用不锈钢板上形成一种看似被污染的自然界状态。乍看有点病态，但又是当今社会的现实写照。

LARRY'S LIST：您关注这位艺术家有多长时间，这件作品是否可以理解为米莫萨·埃查尔德艺术风格的一个切面？它的叙事线是怎样的？

Coobe Wang：在收藏这件作品之前我已经关注她两年了。米莫萨·埃查尔德的作品在看似杂乱和无序的材质之间找到平衡和联系。

LARRY'S LIST：您收藏的作品多以非传统媒介作品为主，并强调一种流动感知和瞬时性；那么在您看来，当代艺术作品会对观众的感知做出哪些调度？

Coobe Wang：我的收藏大多一直带有很多不确定性，这个不确定性也让我的收藏更加多元。观者与一件作品之间能否产生互动性，是我评判是否收藏一件的标准之一。例如，米莫萨·埃查尔德在旅行途中或者从朋友处收集而来这些有机和无机材料，基本融入了她的每一件创作中。这些物件本身就已经是周围环境的产物，更让观者可以自行感受其中时间和环境的转化。

? 90后艺术赞助人，2015年进入收藏领域至今积极参与到中国当代艺术生态发展，致力于促进以中国当代艺术家为核心的学术系统建设。曾出品“共贯与多元：当代绘画艺术新样态”（中国美术馆，2024年，北京）、“贮藏”（麦勒画廊，2022年，北京）等展览。

LARRY'S LIST：您是通过什么机会接触到这件作品，并决定将其纳入您的收藏？

罗旭东：关注到与自己同世代的艺术家在参与当代艺术生态的过程中是无可避免的，苏予昕偏向研究型又结合了中西传统的绘画实践也使之与其他90后架上艺术家相比更具区分度。另外她近年来围绕太平洋所展开的针对多元身份与地缘语境的作品也很吸引我，在两年前ART021的没顶画廊展位上看到《萤石之夜》时便决定将其纳入收藏。

LARRY'S LIST：您是因为什么契机参与元美术馆的“是日蓝花”展览？

罗旭东：策展人袁佳维在征询苏予昕的参展意愿后直接向我发出了借展邀请。今年早些时候我们在“共贯与多元：当代绘画艺术新样态”中有过深度合作，她对我的收藏脉络与价值判断都比较了解。《萤石之夜》中的蓝色来自人造青金石和天然青金石还有塑料粉末，其所描绘的是中国台湾东岸道路苏澳连结花莲的这条苏澳花莲公路在清朝时期扩建的样子，非常符合策展人在“是日蓝花”中从一个具体颜色开始挖掘并构建的边界美学。

? 苏予昕，《萤石之夜》，2021 年，萤石粉、青金石粉、人造群青、塑料粉末、珊瑚粉、青铜矿粉、青黛色淀、泥土与其他手工颜料于木板，215 x 120 厘米。罗旭东先生收藏

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。从左至右：苏予昕，《萤石之夜》，2021 年，罗旭东先生收藏；娜塔莉·杜尔伯格&汉斯·博格，《驻足（189 厘米）》，2022 年；郭鸿蔚，《岩中仙 No.13》，2024 年；野又穫，《天光—H7》，2008 年，Vivian Cheung 收藏。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

LARRY'S LIST：作为耕耘中国当代艺术领域的一位藏家；您在收藏年轻艺术家作品时，如何把握它在中国当代艺术史上的精准位置？

罗旭东：中国当代艺术史还在发展中，我更愿意和年轻艺术家共同成长，或许我跨中西和代际的收藏脉络中能够提供他们一些观照，他们的作品也能够提供我反复审视自己收藏脉络的不同视角。

LARRY'S LIST：您如何看作品的媒介性和地理性：例如，艺术家使用多种来源于公路扩建材料的矿物粉末来创作这幅作品；这和您的收藏观如何呼应的？

罗旭东：苏予昕以一种矿物名称“萤石”去命名这件作品，萤石粉末也在其中被大量使用。萤石是一种长英石火成岩矿产，广泛用于炼铁和炼铝，但是除了这种非常工业化的用途之外，萤石也是古代所称的夜明珠，在紫外线照射下会幽幽透出奇异的微光，所以这张画描绘的夜间临海风景，虽然是破山碎石，但是在一定的时间里，也像宝石一样在晚上隐隐发光。好的作品、好的收藏总是在更漫长的时间线索里浮现出来。

LARRY'S LIST：现场将如何展示这件作品，它将如何与环境呼应？

罗旭东：策展人最后选择了一个很特殊的位置呼应这件作品的物质性，它就像一块石头或者纪念碑一样落在元美术馆连接墙面和地面的装饰带的交界处，既呼应了这件作品本身的创作背景，也提示了策展人期待通过这件作品去锚定的“后人类世生态转向中疗愈的蓝”。

LARRY'S LIST：您在收藏过程中，最看重艺术家的哪些特质？

罗旭东：好的艺术家应该拥有可持续自我更新的创作天赋以及面对机会、选择和周期时的稳定内核与积极品行。

? 90后青年藏家，常居香港与北京两地。因自小受父亲影响，深受古代艺术熏陶，对审美产生早期感知。在英国获得金融管理学位后，又赴佳士得学院深造。2017年回国后深入中西方当代艺术收藏，涉及媒介广泛。

LARRY'S LIST：您是因为什么契机参与元美术馆的“是日蓝花”展览？

Michael Cheng：参加这个展览的契机主要是受到袁老师的邀请，我觉得蓝色的主题很有特色，它既可以是文艺复兴时期湿壁画的经典颜色，又能包容现代艺术的抽象表达，也是东方瓷器的代表颜色之一。

LARRY'S LIST：您是通过什么机会接触到这件作品，并决定将其纳入您的收藏？

Michael Cheng：在2021年上海西岸艺术与设计博览会期间，我在泰勒画廊的展位上关注到了丹尼尔·克鲁斯-丘博（Daniel Crews-Chubb）的这件花卉作品，当即被画面中的张力吸引，决定购藏。得知这是这位艺术家的作品首次在中国的艺博会上展出，我更加惊喜。对方告知我，需要稍微等待一下，博览会结束后，我最终幸运地拥有了这件作品。

LARRY'S LIST：您对丹尼尔·克鲁斯—丘博的《花卉 24》的第一感受是什么？它和您的收藏观如何呼应？

Michael Cheng：我第一眼就被神秘的主色调蓝色所吸引，画面的动感又让我想起了文森特·梵高（Vincent van Gogh）的“向日葵”，艺术家标志性的实验拼贴风格重新解构了花卉，产生古老而神秘的气息。我研究了这位艺术家的创作思路，更印证我对画作的直觉是正确的。他长期研究古代文明和宗教庙宇，善于挖掘原生艺术、贫穷艺术和抽象表现主义艺术的精髓，其作品具有一种蕴积古典文化元素的历史厚度，同时，他的绘画肌理、突出的质感表现，也是在对抗当下数字图像泛滥的情况。我生于中国古代艺术品收藏世家，深受古代美术的影响，同时又喜爱西方当代艺术的先锋性和实验性，这件作品从两方面都能与我共鸣。

? 丹尼尔·克鲁斯—丘博，《花卉 24》，2021 年，帆布上油彩、丙烯、油画棒、炭笔、墨水、沙子、喷漆、浮石凝胶、拼贴，100 x 70 厘米。Michael Cheng 收藏

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。费亦宁，《未及时了解的事（琉璃苣，斗篷草，亚麻）》，2024 年；丹尼尔·克鲁斯—丘博，《花卉 24》，2021 年，Michael Cheng 收藏。图片由元美术馆提供，摄影：林半野@AGENT PAY

LARRY'S LIST：您如何看待艺术家通过材料的混合使用来探索画面的负空间？

Michael Cheng：艺术家通过拼贴手法，一方面改变了画面的厚度和质感，另一方面分解了画面，从而削弱平面感。他借鉴了抽象表现主义的物理性质和立体主义的拼贴图像语言，发展了一种基于拼贴的绘画技法，这种方法将沙子、胶水和浮石胶与油画颜料及油画棒结合起来，混合媒介的使用使得画面具有一种特别的物质粘性。

LARRY'S LIST：您在收藏这件作品时，是否考虑过它与您其他收藏品之间的对话？

Michael Cheng：我通常会非常关注作品的创作技巧和艺术家的背景。我认为，作品之间的对话和联系是在收藏过程中逐渐自然形成的，这需要长时间的积累。每个人的感性喜好和理性判断最终会交织成一条线。我认为不必刻意去寻找这些联系，当回顾自己收藏的作品时，自然会发现这些作品之间的线索和痕迹。

LARRY'S LIST：现场将如何展示这件作品，它将如何与环境呼应？

Michael Cheng：这部分将由策展人来发挥其主观能动性让作品与环境呼应。

? 艺术顾问、藏家。她曾供职于?港罗芙奥与北京?征空间，对?、?级市场皆有涉猎。她在两岸三地拥有深厚的客户关系，凭借策略性的藏品咨询、管理与相关内容服务等全?的?式为本?藏家同侪搭建国际?络，同时支持部分??蓝筹画廊拓展?中华市场。

LARRY'S LIST：您是因为什么契机参与元美术馆的“是日蓝花”展览？

Vivian Cheung：参加这次展览的最主要的契机还是受到了策展人袁佳维的邀请，作为一个艺术顾问，我经常会跟她进行一些日常的艺术探讨和交流。在我前几年收藏这件作品之前，我们也曾经对这位艺术家进行过讨论。

LARRY'S LIST：《天光—H7》中对光与暗的描绘，您认为这对理解城市生活的双面性有何启示？

Vivian Cheung：我刚看到这件作品的时候，是被它的静谧感和超现实主义感所吸引，画面中强烈的光暗对比，不仅没有让你感到任何不适，反而透露出一种祥和的宁静，再驻留得久一点，有种强烈的希望感。这个世界一直是二元对立的存在，但是也似乎取决于观者处于一个什么心态以及角度，悲观的人可能看到的这个世界的阴暗面多一点，乐观的人则看到一点光斑都觉得兴奋；再偏理智的人，可能又沉迷于灰色地带的丰富性。就像这件作品一样，能引起你的很多思考。

? 野又穫，《天光—H7》，2008 年，布面丙烯，53.1 x 130.3 厘米。Vivian Cheung 收藏

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。左：野又穫，《天光—H7》，2008 年，Vivian Cheung 收藏；右：帕梅拉·罗森克朗茨，《异度蓝色窗户（利什，奥拉宁堡街 18）》，2017 年。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

LARRY'S LIST：您是通过什么途径收藏到这件作品的？收藏过程中有什么特别的故事吗？

Vivian Cheung：我开始关注野又穫的作品是在2021年的上海ART021艺术博览会，当时该艺术家刚跟白立方画廊达成代理关系不久，作品非常热销。直到2022年末，我才因为机缘巧合收藏他创作的这件作品。

LARRY'S LIST：您认为野又穫的艺术风格对当代艺术界有何影响？

Vivian Cheung：因为我一直关注日本艺术家，我发现国际化程度高的日本艺术家作品具有深刻的普世价值和共情感，这对于艺术家的全球化推广至关重要。人们往往会收藏那些能引起情感共鸣或引发深思的作品。例如，奈良美智的作品虽然描绘的是可爱的孩童，但实际上是通过这些女孩形象向权威发出控诉，传递出反战、反压迫的信息，用最柔软的笔触揭示最残酷的现实。野又穫的作品则通过充满诗意的想象建筑来反映社会生态问题，尤其是城市环境中过度的电光照明问题。他的作品揭露了都市生活的矛盾性，以及现代“光之城”那种令人厌恶却又令人兴奋的吸引力。艺术家通过这种艺术风格探讨的社会环境问题，是人类社会长期关注和重视的重要主题。

LARRY'S LIST：您如何看待艺术作品对环境问题的关注和表现？现场将如何展示这件作品，它将如何与环境呼应？

Vivian Cheung：环境问题从未在艺术探讨的范畴之外。无论是近年来许多艺术家个人的创作主题、大到国际双年展的标题，都体现了环境意识：如冰岛艺术家奥拉弗·埃利亚松（Olafur Eliasson），2022年获得马塞尔·杜尚奖的法国米莫萨·埃查尔德；2019年米兰三年展的主题“破碎的自然”，2018年第11届台北双年展“后自然”，第12届欧洲宣言展“行星花园，孕育共存”…… 艺术对生态环境的关注，不一定总与当下最新的科技变革相联，但总出现在不同的历史阶段；生态、自然、环境等关键词是艺术界经常出现的高频词，特别是在后疫情时代，它们反映出一种普世的危机感。所以，环境问题对任何时代的艺术家来说，都是值得关注书写的话题。

? ASE基金会创始人、艺术收藏家、创业投资人。她创办的ASE基金会是一家立足于中国，拥有全球视野的非营利性基金会，致力于支持当代艺术在中国的普及、发展及学术层面的研究整理。

LARRY'S LIST：您是通过什么机会接触到，《众神蓝晒画（室内管风琴）》这件作品，并决定将其纳入您的收藏？

张琼：我的收藏主题与音乐、舞蹈、城市建筑、城市中人的动态以及书籍紧密相关。因此，我一直在寻找在这些领域内具有特色和影响力的艺术家。奥利弗·比尔（Oliver Beer）进入我的视野，部分是出于偶然。我知道他在威尼斯双年展上展出了一件音乐装置作品，这激发了我的好奇心。当我第一次看到这件作品的草图时，它的整体构图、纯粹的蓝色调以及背后教堂的弧形结构已经吸引了我。进一步了解这件音乐装置作品的背景后，我决定收藏它。这件草图不仅是装置作品的初步构想，也是我收藏决策的重要依据。

LARRY'S LIST：您如何看待奥利弗·比尔作品中声音、视觉调动的不同感知？

张琼：自从收藏了这件作品，我便非常专注地研究这位艺术家，并收藏了他的另一件与声音相关的装置艺术作品。他善于使用瓷器，尤其是中国古代的青花瓷作为创作媒介。瓷器腹腔内的空间能够让声波产生震动和共鸣。在创作我收藏的这件作品的过程中，艺术家在瓷器的腹腔里安装了扩音器。当人们走过时，空气会产生震动波，进而产生声浪，通过扩音器放大后，人们便能听到嗡嗡的声音。他提取并利用器型产生的声音非常有趣。

? 奥利弗·比尔，《众神蓝晒画（室内管风琴）》，2022 年，蓝晒工艺、白色墨水与粉笔，61 x 85 厘米。ASE 基金会收藏

? 奥利弗·比尔，《共振绘画（自由落体）》，2022 年，布面颜料，60 x 30 厘米。? 奥利弗·比尔—由艺术家与阿尔敏·莱希惠允。摄影：Nicolas Brasseur

? 奥利弗·比尔，《共振绘画（粉色兔子）》，2023 年，布面颜料，90 x 90 厘米。? 奥利弗·比尔—由艺术家与阿尔敏·莱希惠允。摄影：Nicolas Brasseur

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。左：奥利弗·比尔，《共振绘画（粉色兔子）》，2023 年；中：奥利弗·比尔，《共振绘画（自由落体）》，2022 年；右：奥利弗·比尔，《众神蓝晒画（室内管风琴）》，2022 年，ASE 基金会收藏。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

LARRY'S LIST：您会对关注的艺术家长线调研、长期扶持，这件作品是否可以理解为奥利弗·比尔艺术风格的一个切面？它的叙事线是怎样的？

张琼：我在伦敦特意拜访了艺术家工作室，并系统地了解他作为艺术家的成长经历、兴趣主题和创作手法。他的祖母拥有一台斯坦威钢琴，他从小就学习弹钢琴。在学习作曲、纯艺术之外，他还曾经在法国学习电影理论。他是一位横跨音乐（声音）、绘画、舞台戏剧、电影的综合艺术家，不断涉猎不同的艺术门类，他的跨学科背景也反映在他的一系列创作中。

他在创作“共振计划”系列时，会利用声音的震动使画粉在画布上自动跳跃、进而形成画面。“共振计划”系列常常以蓝色调为主，而最新的《共振计划：洞穴》（The Resonance Project: The Cave）作品则以砖红色为主，其灵感源于在意大利古岩洞中保存的壁画。这是因为壁画经历时间侵蚀后，其中的矿物质与环境发生作用，会产生一种灰色调的红色。他在这些古老的壁画前组织了一场音乐会，并将这一过程做成了录像艺术。

这表明，真正有生命力且可持续的艺术家创作并非孤立无援，而是源自一个综合的体系。这个体系可能是跨媒介的，拥有不同的分支和触角，一旦形成，任何一个思维的萌芽便能在这个体系的基础上发芽、长出新的脉络。

LARRY'S LIST：联系到您图书馆式的收藏归纳系统,这件作品在您的收藏中是否有什么特别的故事或意义？

张琼：我曾说过，我一直相信不同的艺术门类是相通的，正因如此，我的收藏网络是由音乐、舞蹈、图书馆、建筑等相互关联领域的交集和节点构成的。在ASE基金会图书馆中，我们不仅收藏了艺术类的图书画册，也广泛收藏音乐、戏剧、舞台表演、建筑和时装设计主题的书籍和画册。

一个优秀的艺术家必定拥有自己独特的艺术总体语言，才能给人带来独特的感动或启发。他们必须不断地深入研究这种总体语言，探索新的机会和表现形式——我认为，只有这样的艺术家，最终才能成长为一棵参天大树。

LARRY'S LIST：您是通过什么机会接触到唐永祥的《上面是树叶 中间是树干 下面有条竖线》这件作品，并决定将其纳入您的收藏？

藏家：《上面是树叶 中间是树干 下面有条竖线》是我最近收藏的唐永祥作品。我在2016年左右关注到唐永祥，经过深入交流后，我认定他是一位值得长期关注的艺术家。他的作品蕴含着时间和生命的沉淀，他试图在这个不断变化的世界中寻找深层的平衡，这是一个触动人心的深远理想，也是我持续关注他的原因。

? 唐永祥，《上面是树叶 中间是树干 下面有条竖线》，2023 年，布面油画，200 x 150 厘米。亚洲私人收藏

?  唐永祥，《上面是树叶 中间是树干 下面有条竖线》，2023 年，布面油画，200 x 150 厘米。亚洲私人收藏。“是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

? “是日蓝花”展览现场，2024 年，元美术馆，北京。左：唐永祥，《上面是树叶 中间是树干 下面有条竖线》，2023 年，亚洲私人收藏；右：袁远，《黑暗消散》，2018 年。图片由元美术馆提供。摄影：林半野@AGENT PAY

LARRY'S LIST：您对于“是日蓝花”这个主题产生了什么印象，为什么选择这件作品参展？

藏家：知道这个主题后，我自然联想到《上面是树叶 中间是树干 下面有条竖线》这件作品。蓝色是唐永祥作品里经常使用的主色调，也是一种包容性很高的颜色，每一层颜色的痕迹都在这层蓝色底下隐隐可见。我认为唐永祥的绘画可以为这个展览带来绘画表层之下的深度。策展人为这件作品选择在了一面独立安静的展墙，让我们能停下来慢慢走进这些痕迹里。

LARRY'S LIST：展览在现场的空间布置方式有何匠心？

藏家：元美术馆本身的空间设计颇具特色，展厅中的弧形结构在此次展览中如同蓝色丝带一般串联起不同的作品，提供了一种罕见的观展体验。

LARRY'S LIST：您认为唐永祥在这件作品中通过“覆盖”手法所表达的记忆与时间的概念，或者仅仅就这件作品本身而言，对您的收藏策略有何启发？

藏家：唐永祥的“覆盖”手法可以比作记忆，表层被覆盖，只有深刻的事物才会被留在脑海中。我的收藏不追求当下的热度，我在意作品能不能打开我的眼界，艺术家怎么从日常里被忽略的蛛丝马迹找到表达的语言，进而让我们发现自己与这个社会和世界的联系。

LARRY'S LIST：您如何看待唐永祥作品中的偶然性与潜在结构，对日常快照做图像化处理的方式，这与您的收藏理念有何共鸣？

藏家：唐永祥作品里的偶然性和潜在结构是为了不让绘画变成图像的附属，所以他反复覆盖图像其实是在等待属于绘画的偶然。特别的是，这样的偶然性是他长时间的等待之后的结果，不是一种为偶然而偶然的激情。

我并不会仅因偶然的邂逅就收藏作品，我更关注艺术家的长期状态和其思考与作品的一致性。我和唐永祥认识近十年了，他一直在他的工作领域里往深处走，每次的新作都让我非常惊艳，他在不断发现隐藏在这些日常快照下的东西。他的稳定和专注是我长期关注他的重要理由。

LARRY'S LIST：这件作品在您的收藏中是否带有某种特定的风格、时期或其他归属，您如何将其与其他作品进行对话？

藏家：唐永祥的作品不能被归类到某种风格或某个时间段，他的独特之处，在于他想从一切世俗的、不美的对象里找到深层的和谐美，他向我们展示了隐藏在片刻光景里的平衡与循环。我认为，好的艺术总能向我们揭示世界的某一种原理，在这个层面上，唐永祥的作品和最好的艺术品一样：能与所有人对话。

编辑：Edel

排版：Zoey

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