
收录于话题
艺术家们有自己诠释生活的语言,以不同于书写的方式讲述着别样引人入胜的故事。
Klara Kristalova独特的陶瓷雕塑展现出一种神秘而奇幻的现实主义风格,Ruth Asawa充满韧性的金属丝创造出轻盈、流动的空间美感,Haegue Yang的艺术装置赋予了日常生活用品独一无二的个性与灵魂,Rachel Whiteread承载着时光记忆的逆向铸模令世人看见了沉睡在阴影中的安静角落。
本期ASE“命名的时刻”特选书单,跟随我们的脚步,在四位艺术家奇异广袤的精神世界中感受她们富有生命力的艺术语言。
01
《Klara Kristalova》
艺术家克拉拉·克里斯塔洛娃的创作构建出了一个奇异而又使人感到熟悉的世界,其中散布着怪异的、孤独的、安静的,或许还有迷失的人物——仿佛他们刚刚从某个残酷的故事中逃脱,等待路人给他们指引道路。她的绘画和雕塑作品试图传达人类的基本情感,如:恐惧、爱、悲伤和内疚。
《Klara Kristalova》一书是对艺术家作品的一次致敬。曾就读于斯德哥尔摩皇家美术学院,克拉拉用了五年时间钻研绘画,却在陶瓷雕塑中找到了真正的自我。陶瓷本身在瑞典的艺术教育里并不常见,所以在克拉拉刚开始接触它时,一切都充满了未知,这也令她拥有了更自由更广阔的发挥空间。很快她便以一种“邪气”的画风一举成为国际当代艺术家中的先锋。
上世纪80年代末和90年代初,现代主义遭遇了严重的挑战。作为这一时期接受高等艺术教育的一代艺术家,克拉拉的作品从未表现出任何程式化的反叛精神。这一方面是由于她的艺术家母亲欧根·克莱奇克(Eugen Krajcik)一贯对现代艺术的传统持非教条主义态度;但更重要的是,克拉拉·克里斯塔洛娃始终致力于弱化大多数艺术表达中固有的高雅语调。
Klara Kristalova这一名字在瑞典语解释为“应付”,而她创造的人物也确实要应付各种生存问题,如艺术家自己一样,她塑造的大多是难民、移民形象。
克拉拉捏陶泥的速度可以媲美即兴速写,却比速写来得更立体。泥土经过第一次烧制,既粗糙又无色,需上底釉并以软刷加工。在给塑像上色的过程中,克拉拉加入了表情和其他内容,这种全凭当下直觉的再次创作,让烧制后的作品有了独特的生命力。于克拉拉而言,问题不在于呈现出某种预设的生命概念,而在于创造出一种方式,能够使人们在凝视事物时,所捕捉到的模糊天性成为某种意义。
“很多时候我的作品并没有特定的讯息,只是一种力量,一种启发我去做出来的力量。或许它们能够表现出我作为人类的那种强烈的、不需解释的存在感。”
在常人看来她的作品也许有些“丑”,这与我们习惯于在社交媒体上美化自我的做法十分不同。克拉拉的作品常给人一种深层次的失落感,似乎在提醒我们,那些光鲜亮丽的背后总有彷徨、无奈与恐惧的时刻,但这些被我们隐藏起来的东西真的毫无价值吗?至少在看过克拉拉的作品后,人们总会找到直指人心的共鸣。
02
《Ruth Asawa: Life’s Work》
日裔美国艺术家露丝·阿萨瓦以波纹状,鸟巢状的大型悬挂丝网雕塑而闻名。她的雕塑作品采用的是镀锌的金属丝,它们由线而来,却构成了空间性的装置;它们取材于工业化的产物,却编织成犹如生命器官的有机组织;它们名为雕塑,却轻盈悬浮于空中。
《Ruth Asawa: Life’s Work》一书汇集了阿萨瓦非凡职业生涯中的诸多优秀案例,不仅追溯了艺术家作品形式的动态演变,还反映了阿萨瓦对公立学校艺术教育的倡导,同时关注她对雕塑领域的重要贡献。
青年时两次被关入禁闭营,屡因身份被学校拒绝毕业和入职,求学于传奇的黑山学院,坚持用普通材料编织,作品一度被视为拥有“远东耐心”的“家庭主妇的手作”。尽管阿萨瓦尽量避免过多提及自己曾被禁闭的苦难或日裔美国艺术家的身份,自视为“宇宙公民”,但她的过往经历、家庭与艺术实践还是牢牢地编织在了一起。
1946年至1949年在黑山学院的学习经历让阿萨瓦意识到,人们可以选择超越种族、阶级与民族主义的界限。在黑山,阿萨瓦认为“执行日常琐事与许多艺术形式之间没有区别”,由于幼年在农场的成长经历,阿萨瓦对重复性、体力劳动很熟悉。她学习着如何观看普通材料,如何创造性地劳动,如何充满信心地将自己真正视为一名艺术家。
1947年,阿萨瓦在访问墨西哥时,托卢卡的一位工匠向她展示了如何用环形金属丝制作鸡蛋篮。通过实验,她将这种绕线技术从篮子转为最初的绕线雕塑。她的雕塑封闭却不遮蔽空间,并将阴影融入作品本身。
阿萨瓦的网状椭圆形金属丝层层叠叠,通常将一种形状嵌套在另一种形状中,形成内外贯通,封闭又开放的空间。这些悬挂在空中的球体、圆锥体或细长的结构,来自于她从自然界中捕捉到的灵感——沙漠植物的内部结构、蜗牛、昆虫的翅膀与蜘蛛网等。模块化的单元格与轻盈的气泡形成了细密的金属丝森林,投射在墙壁上的影子证明着它们由坚固的材料制成,垂在空中随着观者身体摇摆的形态却又空若无物。
不同的材料:镀锌金属丝、青铜、石材、纸和石膏;重复的元素:环绕的金属丝、排列的笔触,折叠的纸板或者脱模的面具,它们形成了实的物,也塑造了空的关系,在不辨起终的轻盈里,层层叠叠的海水涌入又流逝,留下被拉扯后摇摇晃晃的空气。“我对线条的经济性很感兴趣,它封闭了三维空间……我意识到我仅用一股金属丝就制造互锁、膨胀与收缩,因为一条线可以去任何地方。”
03
《Haegue Yang:Emergence》
“我觉得艺术家曾经就像哲学家一样,理解并洞察世界,但到了我们这个时代却有点变味了,艺术家某种程度上成为了社会名流。我觉得不应该止步于此,我需要成长,去理解这个世界,去遇见有趣的人,心怀谦卑。”
韩国艺术家梁慧圭通常以日常生活中普通的物件相结合进行创作,使用多元化的艺术装置,营造多重感官体验的艺术感和氛围感。这些物件以一种具象而又复杂的方式组成,它们日常的功能通常被闲置。百叶窗、暖炉、工业扇叶、聚光灯等都是梁慧圭在创作中所用到的材料,她赋予了生活中普通物件的不同意义。
《Haegue Yang:Emergence》一书追溯了梁慧圭过去20多年里的艺术生涯,展示了梁对当代艺术领域的变革性贡献。1971年,梁慧圭出生在韩国仁川一个大家庭。1994年,她从国立首尔大学雕塑专业本科毕业,因为经济原因未能继续读研。从此,梁慧圭背起行囊开启了她的四处奔走之路,家庭是她创作的重要灵感来源。
百叶窗装置是梁慧圭最著名的代表作,百叶窗的元素,本身兼具“遮蔽”和“半开”效果与印象,因此这个系列的作品往往也可以根据不同需要进行改动,如半开、全开、半卷或掀开等。
从梁慧圭的百叶窗或其他系列均不难发现,她始终属意于探究和表现一种不停变化的“中间状态”,这种状态下的符号与材料也非常自然地流露出封闭隔绝、对抗共生以及难以言明的各种抽象主题。
而百叶窗本身也正是日常的、家居的、有温度的物件。对于想见之物的期待和躲避之景的隔离,“窗帘”是最具情景功能的代表元素。它不再是普通寻常的家中物件,而是一行行文字和更多寄托的可能。
以日常物件为创作材料的另一个系列是梁慧圭的“移动的灯泡支架”。从这个系列的尝试开始,梁的作品逐渐趋向拟人化——人形渐显,作品与人的声音、移动路径、沟通方式等有机互动了起来。
灯泡支架组成的“机器人”在近十年间也得到了众多公共机构和收藏的认可,它们既是人类物质文明的见证者,也是未来在“过度消费”、“情感降级”甚至低保真度的“赛博朋克”等影响作用下的可能性象征。
梁慧圭擅长将工业制造的物品与商店购买的日常用品相结合,从衣架到铃铛,再从空间加热器到人造稻草。针织和编织等手工技术为她的作品增添了人情味,并模糊了家庭生活和美学之间的界限。她试图唤起观众的感官体验,即无法用语言理解的感受,并将这个过程称为“赋权”:首先将观众吸引到她的作品中,然后赋予观众自由导航和实现空间全部潜力的自主权。
04
《Rachel Whiteread》
瑞秋·怀特里德是一位英国当代艺术家,以独特的材料和创新的雕塑创作方式闻名,探索了空间、记忆以及人类体验等复杂主题。她对日常物体和空间的重新诠释引起了社会的广泛关注。她是第一位获得透纳奖(Turner Prize)的女性艺术家,也是在1997年伦敦皇家学院举办的“Sensation”展览中参展的年轻英国艺术家之一。
在伦敦的童年时期,怀特里德的父母对艺术和建筑的兴趣令她对形式和材料产生了浓厚兴趣。她父亲对城市建筑的迷恋“使她能够抬头”,而她母亲的艺术实践让她看到了家庭与工作室、生活与艺术的交集。怀特里德一直都记得自己和父亲在地下室铺设混凝土地板,将其改造成工作室的那段时光。观看、清空和填满的过程贯穿于她的作品中,揭示了日常事物如何带着它们前世的痕迹消失和再现。
在怀特里德的雕塑和绘画中,日常环境、物体和表面都被转化为令人毛骨悚然的幽灵复制品。通过铸造,她将她的创作元素——床、桌子、盒子以及水塔和整个房屋——从实际使用中解放出来,暗示了一种新的永恒,充满了记忆。
《房子》也许是瑞秋·怀特里德最著名的作品。1991年,她开始考虑铸造一整栋房子,1993年,她将东伦敦一座即将被拆毁的建筑整个上模、灌入水泥铸造。那是一栋三层楼的维多利亚住宅,原建筑物被拆毁后,她在此重建了“看不见的房屋”。在已消失主体的位置上,矗立着内部空间的内容物。这件作品让怀特里德获得了1993年的透纳奖。
不论是床垫、箱子,还是一整个屋子,瑞秋·怀特里德的作品中的对象总是“二手的”,它们在变成作品之前已经有了自己与人类的故事。而艺术家正是让“看不见”的故事变得“被看见”,让已逝去的痕迹和记忆永存。她作品中细腻且温情的表达只有在现场才能被感知。
瑞秋·怀特里德在公共艺术领域中展现出对材料与技术的创新精神。她开创了名为“怀特里德主义”式的极简艺术,这种艺术风格看似简洁,却常常蕴含着深刻的情感和思考。这与公共艺术的理念形态相契合,为该领域未来的创作带来了更多的可能性。
与此同时,她也是一位深具内省和细腻情感的艺术家。怀特里德敢于将自己从家庭空间中所感受到的静谧、孤独的影子融入作品之中,她通过塑造隐蔽的间隙完成自身的童年独白,这种对私人空间的解构与重塑引发了大量观众与之共鸣。她的艺术是一个修心的过程,带人们远离喧嚣,回归宁静。
当前展览
往期精彩内容
汪建伟新书发布
总是被拥有的所拥有
董道兹探讨抉择艺术
抉择之艺:全球视野下的画廊决策
沈清揭秘拍卖与收藏
一举之间:如何通过拍卖成就收
朱永磊梳理西方艺术史脉络
90分钟全接触·极简西方艺术史
王一讲述抽象艺术哲学
ein不能单独存在——艺术家的自我研究路径
ASE艺术图书馆内景
关于ASE基金会
ASE基金会是一家立足于中国,拥有全球视野的非营利性基金会,致力于支持当代艺术在中国的普及、发展和学术层面的研究整理。基金会共有四个功能:永久性的艺术收藏、ASE·空间、ASE艺术图书馆和艺术赞助项目。
ASE Foundation is a non-profit foundation based in China with a global perspective, dedicated to supporting the popularization, development and academic research and organization of contemporary art in China. It features four functions: permanent art collection, the ASE·Space, the ASE Art Library, and art sponsorship.

www.ase-foundation.com
??
欢迎扫码预约参观!







已展示全部
更多功能等你开启...