藍騎士上海｜《ELLEMEN》专访 鲁普雷希特·冯·考夫曼：在荒诞的真相之下发现美

《ELLEMEN》

鲁普雷希特·冯·考夫曼:在荒诞的真相之下发现美

鲁普雷希特·冯·考夫曼：在荒诞的真相之下发现美

鲁普雷希特·冯·考夫曼(RUPRECHT VON KAUFMANN)相信具象艺术的魅力，他对如何讲述一个动人的故事感到痴迷。通过复杂的叙事结构和多重人物视角，观众在低饱和度的灰暗色调中，看到了故事碎片，似乎观赏了一部没有开头结尾的微电影。以经典的文艺作品为养料，考夫曼在作品中加入对历史的全新诠释，引领人们在画布的边界上，去探查那些难以言说的存在之谜。

《白鲸记》2024，油画与拼贴于油毡板 204x367cm

漂于海上的修行

驻足于本次展览的主视觉画作《白鲸记》前，一种沉寂、静默的力量向观众裹袭而来。在略低于海平面的视角中，一名穿着黄色裤子的水手倒在船下，看似正在沉没，但他手中紧握的捕鲸利器仍然在画面中无比显眼。半浸于水面的船只上，另一名水手失去了方向感，海里的鲸鱼正在下坠，巨大的鲸鱼尾巴从海面上腾空而起。棺材的残骸散落在海底，似乎正在预示着一场破灭。

美国作家赫尔曼·梅尔维尔(Herman Melville)的经典小说《白鲸》(Moby-Dick)，通过水手以实玛利的视角，讲述了经验老到的捕鲸船船长亚哈在一次出海过程中，被一 头白色的抹香鲸莫比·迪克咬断了一条腿，自此亚哈船长便决心要找到这头白鲸报仇雪恨的故事。

以此为灵感，考夫曼的画作本身并不是想要复刻小说中的任何一个场景，而是试图捕捉这种痴迷于狩猎的感觉。在绘画过程中，他不以书中的具体场景作为参考，而是将其转化为记忆，再由个人经历提炼。考夫曼解释道:“我的大脑就像一个过滤器，如果有东西停留在脑海中，它一定与我的感受有关，只是有时我会采取不同的视角去描绘它。”零碎的回忆与主题融为一体，这让他的画作充满了梦幻般的特质。

水手们在感到不安时，走上渔船，驶入大海。考夫曼对此有着强烈的情感共鸣，在真正开始创作之前的艺术并不存在，对他而言，每天去工作室创作同样像去海上航行，探索新的事物，并不断追寻一个目标。

考夫曼的艺术创作根植于具象传统，但又打破了古典或学术方法的束缚。自从2014年起，他开始探索在油毡板上绘画，而这一习惯一直延续至今，考夫曼认为这种材料可以重塑绘画过程。油毡板能让他赋予画面更多质感，材料抗压性高的特质允许艺术家在画板上简易雕刻、反复厚涂或拼贴。

历史的回响

每次在为主题展览创作画作时，考夫曼会在脑中构想一个故事，但这些故事并不是虚无的，它总是与当下的现实世界有着千丝万缕的联系。

考夫曼的作品常常被赋予多种诠释，然而，这位艺术家谦虚地提出了一种解读，他认为自己的作品几乎是“超写实”的。人们倾向通过自己创造的寓言故事来认知所处的世界，简化的图像能够帮助人们理解世界的复杂性。而考夫曼的作品正是试图剥去表象，揭示我们认为正常的事物之下的奇怪之处。

他有意识地扮演着画面中的旁观者，思考故事中的人因何而产生何种行为。“如何讲述一个故事”，成了考夫曼的绘画中非常重要且真实的部分，但他留给观众的问题多于答案。欣赏他的画作时，观众会有一种步入电影中场的感觉，无法看到开头和结尾。“就像一部没有结尾的小说，你会想知道亚哈船长为什么要与白鲸为敌?为什么他不肯放下执念？我希望我的画作也能唤起这种探究感。”

文学，尤其是萨尔曼·鲁西迪(Salman Rushdie)对考夫曼的创作历程产生了深远影响。他惊叹于鲁西迪从现实主义到超现实主义的无缝过渡，“最让我印象深刻的是，作家睿智地刻画了移民经历，它很严肃，但却总是被一句话概括般地讲述，而这正是我试图将人类悲剧的荒谬性带入我的作品中的东西”。

考夫曼也经历过作为“异乡人”的时刻。在初到美国时，他完全没有想象过自己会在美国居住十年之久。在具象绘画被欧洲画廊摒弃的时期，更广阔、更零散的美国艺术界提供了一个平台，使得他在美国的艺术界游刃有余。而他最终回到欧洲时，正值人们对具象艺术的兴趣复苏，尤其是艺术家尼奥·劳赫(Neo Rauch)及其代表的新莱比锡画派(New Leipzig School)的兴起，这个偶然的时机让他的作品在曾经被排斥的环境中产生了新的共鸣。

在即将于德国举办的展览中，考夫曼将重塑德国画家奥托·迪克斯(Otto Dix)所探索过的主题——魏玛共和国(Weimar Republic)时期德国的脆弱和颓废。在将近一个世纪后，考夫曼捕捉到了当代社会与历史令人不安的相似之处:不断扩大的贫富差距、日益被漠视的民主价值观以及欧洲地区重燃的战火。

然而，考夫曼的绘画不仅仅是对历史的回顾，他想知道，这些历史在如今的时代会有何种不同的解构。他试图反映这个时代独特的焦虑和矛盾，同时承认历史的周期性。他的绘画挑战观众去面对令人不安的真相，同时在质疑中发现美。

孤独的回声

作为一个天生内向的人，考夫曼发现自己并不能很自然地与其他人建立连接，尽管人类总是习惯与人分享生活，但每个人又注定是孤独的。“你可以和朋友探讨各种问题，但最终只有你自己的动机或灵感才能引领你走出困境。”

他时常对人类行为的矛盾感到着迷——既有深厚的仁慈，也有深不可测的残忍，这种矛盾是他作品中一个永恒的谜。“有时这两种完全相反的特性甚至会体现在同一个人身上。”他的作品并不试图解决这种二元对立，而是邀请观众坐在这种不适中，思考自己人性的复杂。

在反思现代社会时，考夫曼谈到了当代科技的讽刺性，“这些科技设备给了人们一种被连接的错觉，但这并不是一对一的连接，而是一种你与万物的连接，在某种程度上，它是虚无的”。这种情绪贯穿于他的作品中，作品中的人物经常陷入迷惘，或被环境分割得支离破碎。

每一种新技术都会成为新灵感的跳板，这是一个自我喂养的循环，拓展了考夫曼视觉语言的边界。在不断探索人类社会的细微差别中，他的艺术作品就像一面镜子，创造出一种既亲密又广阔的对话，反映了人类共同的挣扎与胜利、孤立与联系、问题与矛盾。

用考夫曼的话说，他对人类的理解与观察是一个“永无止境的问题”，而我们作为观众，被邀请与他一起寻找答案，即使永远无法得出一个结论。在一个越来越被短暂和虚拟所主宰的世界里，考夫曼的画作提醒我们，有形的东西——笔触、表 面的质感、记忆的重量，仍具有深远的力量。

Q&A

Q：小说《白鲸》中哪一个场景或情节最触动你?在梅尔维尔的叙述风格中，是否有你特别想用视觉呈现的？

A：这是一部史诗般的小说。我印象最深刻的是，以实玛利的舍友，“野人”魁魁格曾患下重病，木匠为他做了一口黑色的棺材，魁魁格痊愈了，而这口棺材最后却成了以实玛利的救生船。这是一个非常棒的情节设定，像一个美丽的轮回。

Q：作为艺术家，你是否也会在某一时刻对《白鲸》的故事产生共鸣？在小说中，亚哈对白鲸的痴迷、以实玛利对意义的追求，或其他角色是否有与你自己的创作历程产生共鸣的元素？

A：一方面，对我来说，每天去工作室画画就像去海上航行，试图探索、发现新事物。我认为这也是关于生活的普遍真理，你要敢于走出去到不同的环境中，做新的事情来发展自己，过上富足的生活。另一方面，我一直在寻找这个故事与人类今天的行为有什么关系，它对我们还有什么影响?亚哈船长完全着迷于鲸鱼的狩猎，他愿意为此牺牲一切，包括他的生活，他的船，他的船员。对我来说最大的相似之处是:人类长期以来一直痴迷于积累财富，我们冒着在星球上的一切风险，以求达到科技的进步。这对我来说就像一则寓言一样。

Q：这次展览的主视觉画作《白鲸记》是一幅长约3.7米、宽2米的大尺幅作品。你的画作不是大尺幅就是非常小的尺幅，几乎没有中尺幅，这是为什么？

A：大尺幅画作能够创造更加身临奇景的体验，你几乎无法忽视它们，只要它摆在面前，就会强迫你成为观众。而对于那些小尺幅画作来说，一旦有些距离你就无法看清，这就使得观众必须要再走近一点才能看到画的内容。我希望观众可以在画廊有限的空间中移动起来并与画作互动。如果你愿意走到不同的画作前驻足观赏，那么你会更容易被作品打动。

Q：你创作的一天是如何度过的？

A：我试着保持一个相当规律的日常作息，创造一个宁静和平静的环境。在清晨我会听有声书或播客，在动感单车上做做运动。在完成办公内容后，我会尝试找一段可以创作的时间，只要灵感存在，我就可以立刻进入到创作状态，准备好所需的颜料，并在脑海中构想这一幅作品。

Q：艺术家创作时都会遇到瓶颈，你如何应对创作灵感枯竭的时期？

A：对我来说，灵感似乎往往不是问题，我真正遇到的是时间问题，因为我有太多的想法，却有太少的时间去实现它们。我逐渐学会要对自己有耐心。通常最糟糕的情况是，一幅画的最初我会有一些非常明确的落笔，但它们有时会阻碍我整个绘画过程，那么我必须涂抹掉它，让其余的部分栩栩如生。

Q：在几年前的采访中你提到自己作品提出的一个核心问题是，“作为人类，我们究竟是谁？”你找到答案了吗？

A：没有，这对我来说仍然是一个谜。因为人类的本质一直在变化，只要一个人的身份在变，他的行为就会发生改变。就我所能回顾的历史而言，真正让我困惑的是，人类其实一点也没有改变：能够如此温柔友善，但同时也可以对其他年轻人表现出难以置信的残忍和冷静。这怎么可能？我们怎么能如此矛盾？我没有答案，也不期待会找到答案。

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