



李川
四川美术学院实验艺术学院院长

人类表达思想的方法没有既定的模式:语言、文字、声音、图像、行为……艺术表达的媒介发展也一直在突破:从绘画、印刷术、摄影术、电影、电视、计算机到互联网……从史前岩壁的涂鸦到颜料画笔,从相机到装置材料,从0和1的排列组合到虚拟空间的营造,还有其他的可能吗?
今天以计算机为核心的交互或虚拟生存方式已渗透到人们生活的各个方面。互联网在今天扮演的角色已不像传统行业那样容易界定。互联网的核心是什么?我们可以说互联网是人脑的延伸,提高了人类处理数据的能力,一定程度上来说人类的进步体现在对数据的处理能力上。计算机是互联网的一部分,也是人脑的延伸。
面对快速发展的科技,新媒体艺术要保持其创新性和艺术价值,可以从以下几个方面进行探讨和实践:
1.技术与艺术的融合:艺术家通过数字技术构建新媒体艺术空间,不仅能够表达内在情感与美学观念,还能在技术手段的制约下遵循科学理论的原则,使作品具有交互、沉浸和多感知性的艺术审美特质。这种融合不仅扩展了人们对空间意识的理解,还对观众的艺术体验产生了重要影响。
2.创新理念与设计:在人工智能时代,数字媒体艺术的创新需要摆脱对技术的依赖,更多地关注创作理念和思想。增加艺术的独特性和设计性。因此,创作者应注重理念创新,利用智能技术提升作品的文化高度和艺术感知。
3. 互动性与观众体验:新媒体艺术通过互动装置或虚拟现实技术,使观众能够成为艺术作品的一部分,与作品产生实时交互,从而获得更加深刻的艺术体验。这种互动性不仅丰富了视觉效果,还增强了观众的沉浸感和参与感,推动了艺术的创新与发展。
4. 多元化发展与智能数据应用:在智能时代下,媒体艺术以创作理念和思想为出发点,实现多元化发展。智能科技的优势应被用于展现丰富多彩的艺术形式和内容,避免科技艺术形式的单一化。同时,借助智能数据开展艺术创作,可以为艺术发展提供更多的思想可能和创新路径。






丁为
创作关键词:动态都市、多感官沉浸、技术与意境、地域文化转译
灯光装置作品《都市变奏曲》由艺术家使用LED显示屏单元作为装置材料组合搭建而成,作者在LED的显示内容中运用音画互动技术,大胆的采用了高反差的颜色和线条平面化的组合,随着声音和画面的随机生成,作品在虚拟空间中抽象表达了作者对当代都市美好的视觉印象。

《协奏曲》
320×250×300cm
不锈钢、LED等综合材料
2024

(以下Q为:采访者四川美术学院艺术人文学院本科生周子菲,A为:艺术家丁为)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:新媒体艺术作品在展览形式上更加注重多感官的互动和体验,而传统媒介艺术作品更多是以静态视觉为主的观赏方式。新媒体艺术通过技术手段,如LED屏幕、传感器和动态画面,将声音、光影、触觉等元素融为一体,为观众创造出沉浸式的环境。在我的作品《都市变奏曲》中,屏幕的动态变化和空间的设计结合,引导观众进入一个充满视觉深度和情感共鸣的小空间,这种直接触及观众内心的方式,是新媒体艺术的一大特点。而传统媒介更注重材质与艺术手法的表达,这两者在展览形式上体现了不同的体验维度。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:重庆的艺术生态给了我深刻的灵感,这是一座具有强烈地域特色和独特文化气质的城市。它的山地地形、夜晚的灯光、复杂的都市节奏,甚至是居民生活的烟火气息,都在我的创作中留下了痕迹。《都市变奏曲》正是对重庆这种“都市性”的回应——LED屏幕象征了当代城市中的科技与炫彩,背后却是硬件的无序与“隐藏”的另一面,这种多面性正是重庆城市文化的缩影。此外,川美的开放艺术生态也为我的创作提供了一个可以自由实验和探索的环境。
Q:“变奏曲”这个概念是如何与您对都市的理解联系起来的?它是否想传达一种动态感、能量的流动,或者其他的意境?
A:“变奏曲”作为音乐术语,本身就蕴含了变化与多样的可能性。我选择这个概念,是为了表现都市的动态特质:城市是一个永不静止的生命体,充满了能量的流动与节奏的变化。我的作品通过屏幕上动态延展的画面和空间的纵深感,模拟出一种节奏感和无限的可能性。这种意境旨在表达都市的复杂性和活力——正如变奏曲中的每一段旋律都有其独特的逻辑和美感,城市的每一面也都值得被探讨和呈现。
Q:您的作品是否融入了重庆的地域文化元素?这些元素是如何被转译成新媒体艺术语言的?
A:是的,重庆的地域文化元素深深融入了我的创作中。重庆的地形多变、灯光璀璨以及它特有的石窟文化都对我的作品有直接的影响。《都市变奏曲》通过有限空间内的画面延伸和视觉深度,呼应了中国佛教石窟艺术中“有限空间营造无限意境”的理念。这种空间感和意境被我转译为新媒体的动态画面——LED屏幕的变化不仅仅是视觉的炫目,更试图营造出类似石窟文化的神圣与沉思。作品整体呈现的形态和色彩的动态,也隐喻了重庆这座城市中白天和夜晚的两种截然不同的面貌。
Q: 如何处理不同感官刺激之间的关系,避免让观众混乱或是沉溺于虚拟,确保与观众互动时的良好体验呢?
A:在新媒体艺术中,平衡感官刺激非常关键。在《都市变奏曲》中,我通过空间的设计控制观众的体验节奏。一次只能进入一个人的小空间,限制了外界干扰,保证了观众在特定空间内的沉浸感。同时,我也注重视觉语言的节奏感,通过画面的深度与动态变化,引导观众的注意力集中于某一特定方向,避免信息的过载。此外,我在画面内容上设置了自然的流动性,比如蜕变与融化的意象,这些具有象征意义的内容能够激发观众的联想,而非单纯地被技术所吸引。作品还注重互动性,但不过度依赖复杂的装置,而是通过简单、自然的体验引发思考,最终实现良好的观众互动体验。
3D糖艺术小组
(李索&刘慧琛&孙嘉忆)
创作关键词:机械仿生、囚禁与规训、人类中心主义、主体性膨胀
作为一个多媒体艺术装置,《域外之园》探索了生命、野性以圈养的概念,揭示了动物园中动物的生存困境与刻板行为。作品内部是用各种机械加以红外感应装置,从而实现对仿生学的粗劣模仿,以机械化的动物模型比拟现实人类文明的方式展开对人类中心主义的分析与批判。被圈养者痛苦得挣扎在剧场化的空间中,为观者所取乐,缤纷趣味的外表下盛放着内部痛苦荒芜的真相。在动物园这个现代性面具背后的规训空间之中,人类对自然的干预威胁着动物的生存方式,压抑着自然的野性与活力。作为某种形式的“动物园”,这一剧场化空间也因此得以对传统白立方的神圣性展开消解,观众将作品视之为机械马戏表演的同时,也以随之膨胀的主体性不知不觉实现了对动物命运的冷眼旁观。作品旨在通过制造这样一个场域性的空间,实现对人类与自然关系的思考。

《Zoo off Zone》
500×400×300cm
步进电机、木板、纺织物、单片机、视觉板块
2024

(以下Q为:采访者四川美术学院艺术人文学院本科生周子菲,A为:艺术家3D糖艺术小组:李索&刘慧琛&孙嘉忆)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:作为雕塑创作者,我认为新媒体艺术作品展出时往往要比传统媒介作品复杂的多,新媒体艺术作品通常都是跨媒介的综合体,展览牵扯方方面面,每一次新的展览空间形态的不同,作品每次都要有所不同的调整,尽管作品内容不会做大的调整,但每次展览都像是作品的一次新生。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:艺术创作往往来自于生活,当人生活在一个生态环境中,总会不自觉的受到你所处的生态环境的影响,这种影响总是会隐藏在作品之下。重庆这个城市带给我们的是野性、多元与生命力,这或许也是我们的作品关注生命,关注自由的影响因素,这种影响可能更多体现在作品关注的问题与面貌上,而对于我们艺术创作者个体来说,有活力的地区艺术生态能够让我们更有创作热情,以及更加持续性地创造,我想这对于艺术家个体的发展也是很重要的。
Q:机械化的动物是否隐喻了现代社会中被机械化的个体?这种机械化如何影响了人类的生存状态?
A:在生活中,总认为自己已经超越了动物,是更高一级的生物,我总是站在上帝视角看待动物,不知道是否还有更高级的文明像我看动物一样看我,每一个生态圈都会有惊人的相似程度。在现在快节奏的社会中,往往容易陷入机械生活状态,大脑停止思考,对于世界以及生活失去了某种感知力,使得生活变得麻木机械,但艺术作品持续的关注世界,反馈世界的一切,不论好与坏,某种意义上艺术作品可以让观者在一瞬间获得一种未曾尝试的感知力,在观者意识到感知力时,他就已经拥有了世界。
Q:作品利用“场域性空间”作为反思的平台是否指向更深层次的社会结构?
A:我们在展厅中构建的这一场域空间是有着其自身的规则与结构的,正如一个自我运行的社会系统,作为“动物园”的构建者与管理员,我们相对于场域中的动物个体其实处在一个统治者的地位,我们的创作恰恰构成了这些机械动物的生存困境,某种意义上我们的作品确实有着关于个体异化的社会隐喻,这取决于怎样解读。
Q:作品中“机械动物的痛苦挣扎”是为了引起观众的同情还是揭示人类的冷漠?这种“内部痛苦荒芜”与“缤纷趣味的外表”对比,意在表达什么?
A:我想这个情感是复杂的,我们往往对司空见惯的事情容易没有感知,但不代表我们不能再重新拾起感知力,我想我最初创作只是为了说出,最后的情感是观众自己根据自己的感情选择的,不论是同情还是冷漠,都是我们的感知。我们创作时,希望观者可以达到2次观看,第一次是沉浸式观看,第二次是脱离观看,只有脱离,才能完全进入作品的世界。在创作时,作品运用了反向的手法,当观者察觉反常时才能思考背后的原因。
王苡沫
创作关键词:人文关怀、记忆、空间与剧场
“ 原来到处都是美丽的花朵,就好像它们是毁坏的墙壁。”
我的父母祖辈都是电厂里的工人,我在电厂家属区里面长大,这样一个小地方就是我年少时的全世界。在2020年电厂成为了工业废墟,工人们同时失去工作和住所生活发生了巨变,一瞬间半岛成为了一座空城,废墟彰显了历史不朽的痕迹和不灭辉煌的永恒,也凸示了当下的易逝和所有现世荣耀的昙花一现。
《人间狂想曲》是对我童年在电厂成长经验的追溯与回忆,也是为父辈工人们离开电厂的“祭奠”,它们是一曲工业化时代的挽歌。这是一场以电厂作为背景的实验动画和以电厂的建筑废墟作为舞台的剧场性表演,我将用实验动画与公共剧场交互的形式来进行创作,
在此作品中电厂工人和动画角色成为出场的演员,这是一场集体经验与个人经验的相遇,是一次对未知的探索也是一场悲情的狂欢,
艺术让人免于流亡,废墟之中也要奏响乐章。废墟是世界的原貌,它反映了时间和自然的意志,我将在这片工业废墟之上搭起舞台,让工人们在这里留下最后的温存,被遗落的不仅是建筑,还有曾经的记忆,这将是一场不留余力的表演,是历史和现实给予的灵感和机遇,工厂成为公共剧场,我们为此在这片工业废墟之上缅怀。

《人间狂想曲》
尺寸可变
实验动画?摄影?影像?手稿?装置
2021

(以下Q为采访者四川美术学院艺术人文学院硕士研究生曾雨馨,A为艺术家王苡沫)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:新媒体艺术的展出形式,从传统绘画展览中的墙面展出到展厅空间的延伸,是从平面到立体的转化,空间的展出形式会让观众穿行在作品时间,与作品有更多的互动与交流。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:地区的生态的不同会使自己的观看角度有变化,身处不同的情境会发生不同的故事,这样的回忆会使作品与不同的地区产生关联。在《人间狂想曲》中是我在重庆创作的,这个作品与重庆这个地域密不可分,所以地域生态对艺术家的作品有很大的影响。
Q:您如何以技术媒介言说人文关怀?因为您的作品显示出对城市变革、女性身份等社会议题的关注。
A:在作品中是先有了人文关怀的出发点,在谈到技术,在整个创作过程中我会深入作品中工人的生活环境,工作环境,在他们曾经留下痕迹的地方去寻找创作灵感,例如在《人间狂想曲》中出现的机械动画人物,都是工厂里真实的机械拟人化而来的,所以技术只是一种转换方式。
Q:您的影像作品常常以具有空间性的装置形式呈现,在其中观看场域与观者动线是否会影响作品的叙述?换言之,作为装置的影像与作为观看对象的影像有着什么样的区别呢?
A:在影像装置空间的设计中,灯箱装置是起到一个贯穿始终的作用,观者会在看完一个影像后转身又看一下灯箱的图像,这是动态与静态的结合展出,影像中的图像内容会快速的以动态方式从观者的视线滚动,以至于观者没法停下来观看细节与思考,在这种情况下,静态的摄影装置,会留下观者,在观看影像时产生的问题会在摄影中找到答案。
Q:《人间狂想曲》中既有静态影像、也有动态影像、动画,您认为不同的影像形式间存在什么样的差异性与张力呢?
A:如同上一个问题中所答到,静态摄影与动态影像是一个相辅相成的关系,他们会弥补彼此在观者观看作品中的遗憾,影像使作品更加的生动更具故事感,而摄影使作品更有历史的记录感,所以在《人间狂想曲》中会运用到这两种媒介。
孙琳
创作关键词:幻想、虚拟空间、骨牌博戏
《乐园》以虚拟为空间,构建一个幻想的娱乐乐园。虚拟空间中有零件化的局部 3D 模型。在混乱的空间中,骨牌博戏是主体物,空间中物体的动态受其控制。脱离现实,体验虚拟乐园,获得短暂的愉悦。

《乐园》
8分钟
VR交互
2021

(以下Q为采访者四川美术学院艺术人文学院硕士研究生李思雨,A为艺术家孙琳)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:我个人认为新媒体艺术作品在展览形式上会更加强调沉浸感、互动性和动态变化。传统媒介艺术往往是固定的、静态的,而新媒体艺术依托于技术的支持(像虚拟现实、增强现实等技术手段),能够创建动态的、实时变化的虚拟环境。像《乐园》利用虚拟现实技术为观众创造了一个沉浸式的娱乐空间,观众不仅是“观看者”,更是“体验者”,甚至可以通过与空间中的物体互动,影响作品的表现形式。展出形式更具有流动性、科技性和参与性。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:地区艺术生态会为创作者提供了文化背景和灵感来源。艺术生态的开放性和技术资源的支持会促使艺术家探索新媒介,而在传统文化氛围浓厚的地方,创作可能更倾向于反思本土文化。我作为一名重庆青年艺术家,创作也会受到重庆地区多元文化和地理特质的影响。作品中以川渝地区特有的娱乐游戏——四人骨牌博戏为主体物,它具有广泛的群众基础,几乎每条街上都出现它。重庆独特的山城地貌和充满活力的都市氛围启发了我对复杂空间关系的思考。重庆的艺术生态也在向新媒体方向发展,川美会邀请沿海地区(上海、深圳)或国外的公司和艺术家们来校内举办的新媒体艺术的工作坊,数字艺术展览与交流活动让我能接触到更多技术资源。
Q:您的作品通过虚拟空间传递愉悦的体验,您如何看待技术手段在艺术表达中的局限性与可能性?
A:技术在艺术表达中既提供了前所未有的可能性,也面临一定的局限性。在可能性上:虚拟现实技术让艺术作品创作突破了物理和时间的限制。虚拟现实能模拟无限的空间,将抽象的情感和概念转化为可感知的沉浸式体验。在作品中,借助VR技术构建了一个动态变化的幻想空间,使观众能以全新的方式去感受“愉悦”的主题。观看者已经融入在作品空间中,不是站在作品以外的空间视角去感受。在局限性上,技术可能造成作品过度依赖设备,而削弱艺术本身的情感内核。技术的普及性和可达性也影响了观众的参与广度。为此,我在创作中尝试通过骨牌博戏这样的符号去连接技术与人类的情感体验,通过技术去展现艺术,在艺术中去体验情感传达。平衡技术和艺术表达之间的关系。
Q:骨牌博戏作为主体物控制整个虚拟空间的动态,请问您为什么选择骨牌作为核心元素?它象征了什么?
A:乐园是一个能让人放松的场所。在川渝地区,四人骨牌博戏它不仅承载了娱乐性,也暗示了操控与支配关系。就像,你利用它作为娱乐放松的工具,但长期处于这种状态下,很有可能会反过来被它操控。作品中被囚禁的人骨架,暗喻在娱乐放松的同时,面对娱乐欲望的“度”一旦没有把握,将会被欲望吞噬。骨牌在《乐园》中成为联结虚拟世界动态逻辑的“核心装置”,不仅是视觉符号,更是情感隐喻。作品中的骨牌都具有触发性,利用它去触发场景变化,使得虚拟空间中物体的互动关系以及微小变化引发的整体动态。骨牌博戏其实是象征着每个人心中的他自己娱乐化的一个具象物。
Q:您的作品关注“脱离现实”带来的短暂愉悦。您如何看待这种虚拟愉悦与现实情感之间的关系?
A:虚拟愉悦是一种短暂的、脱离现实的体验,它能为人们提供放松和释放的机会。然而,这种愉悦的短暂性也提示我们不能忽视现实情感的重要性。“乐园”是否是人的精神追求,还是对现实的片刻逃离?我认为虚拟愉悦与现实情感是互补的关系:虚拟世界让人得以短暂逃离压力,同时也提醒我们重新审视现实中的情感价值。我通过构建虚拟乐园让观众暂时摆脱现实的束缚,但又通过骨牌游戏的规则暗示虚拟的有限性,呼吁人们在虚拟与现实间找到平衡点。虚拟空间可以是情感的实验场,但最根本的情感体验依然源于现实生活。这种张力是《乐园》希望传递的核心理念。
张恺麟
创作关键词:儒家、秩序、渐变
《E- Community》该项目探讨了数字工业背景下技术与人类之间的关系,重点是对人类使用电子产品的反思。人类与技术之间的关系是一种“控制"与"失控"的矛盾关系。该项目根据一系列访谈和调查、构建了六个人们使用电子产品的故事,并将"控制"和“失控”的概念融入整个装置、动态图像/声音和互动模式中。
《Tian Di Xuan Huang》以儒家家化的核心之一——礼 (秩序)在社会发展进程中的嬗变为基础,旨在引发人们对于“秩序” 与“改变”的思考,从而探讨人在现存环境下的状态以及对既有秩序的突破。

《E—Community》
30×30×60cm
交互影像装置
2023

《Tian Di Xuan Huang》
尺寸可变
交互影像装置
2021

(以下Q为:采访者四川美术学院艺术人文学院硕士研究生李思雨,A为:艺术家张恺麟)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:与传统媒介艺术作品多以静态展示为主相比,新媒体艺术作品往往将动态影像、声音和实时互动结合,营造出一个多感官体验的空间,在展览形式上具有更强的互动性和沉浸感。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:地区的文化背景会直接影响我的创作灵感与主题选择。例如本项目《天地玄黄》,深受儒家文化中“礼”(秩序)思想的启发,并借助五行元素进行视觉表达。这种创作方向是根植于中华文化的土壤中形成的。而地区观众对新媒体艺术的理解与接受度,也会影响作品的互动设计和信息传达方式。例如,在对传统文化有深厚情感的地区,作品可以更大胆地融入传统符号;而在现代化程度较高的地区,可能需要在互动形式和科技手段上加强创新,以吸引观众参与。
Q:“秩序”与“改变”在您的作品中是一种对立还是一种相辅相成的关系?观众应该如何理解这两者的互动?
A:“秩序”与“改变”在作品中是相辅相成的关系。项目通过儒家文化中“礼”(秩序)的核心概念,探讨人在社会发展中对“秩序”的适应、改变和突破。在互动体验中,五行几何图形的动画设计体现了“打破与重组”的理念,观众的行为改变了空间中的动画形态,形成对秩序的挑战与重塑。这种互动过程正是“秩序”与“改变”动态平衡的体现,观众可以通过自身行为直观地感受到两者的关系。
Q:您在作品中如何平衡传统文化的传承与现代社会对“秩序”重新定义的需求?
A:作品通过抽象化的五行几何图形将传统文化符号现代化,传承了儒家文化的精神内核(秩序),又通过观众互动赋予其新的解读方式。这种设计不仅保留了传统文化的象征意义,还引导观众在现代语境下思考秩序与变革的关系,实现了传统文化与现代社会需求的平衡。
Q:了解到您曾在川美以及国外的学习经历,这些经历对您的创作风格与艺术理念有何影响与演变?
A:本科四年在川美的学习为我打下了扎实的艺术基础,这为我后续的创作提供了坚实的支撑。在英国皇家艺术学院的学习经历进一步拓宽了我的创作视野。学院强调以研究为基础的艺术创作方法,这使我在创作过程中更加注重理论支撑与实践的结合。同时,身处多元文化环境中,我的关注议题也逐渐从地域性话题拓展到具有全球视野的社会议题,这种跨文化的学习经历促使我的创作风格更加开放、多元,也更注重作品与社会背景的关联性与思辨性。
张海超
创作关键词:接口、边界、虚拟空间
《空间接口—离线景观》由增强现实将数字虚拟物叠加于现实空间之上这一特殊视觉呈现方式,探索数字时代背景下虚拟线上与实体线下相互延展的可能性以及二者的边界所在。“接口”一词在计算机领域意为软件不同功能层之间进行通信的通用规则,或用户与软件之间的交互界面。作品基于原有定义,将其扩展至三维空间层面,形成真实与虚拟空间进行桥接的“空间接口”。

《空间接口—离线景观》
尺寸可变
AR交互装置
2022

(以下Q为采访者四川美术学院艺术人文学院硕士研究生李思雨,A为艺术家张海超)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:单从展出形式上来说,我觉得新媒体艺术的标志性特征应该是其跨学科属性。不同于传统创作形式深耕于艺术本体范畴内的媒介可能性,新媒体艺术作品极大程度地受到了其跨学科媒介的制约与影响。如人工智能、数据交互、扩展现实、机械传动等各种形式的新媒体艺术作品都有明确的媒介技术标准,为艺术创作过程带来无法回避的制约。当然从另一个角度来看这也为新媒体艺术家提供了更新的视角与更具挑战的跨学科创作方法。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:地域特征或多或少都会对自身创作有一定的影响。我个人化的创作更多表现出去地域符号的抽象数字化特征,可能很难跟地区生态联系起来。但是当我在进行集体创作项目与艺术策划项目时则会有意识地更多融入地方文化符号,探索通过数字科技媒介再现、传播以及转化地域文化视觉图像的方法。比如去年我们基于重庆大足石刻圆觉洞三维采集数据完成了一件沉浸式光影叙事作品《数字圆觉》,就是关于地方文化符号的直接运用。
Q:您的作品通过增强现实叠加虚拟物于现实空间中。请问这种视觉呈现方式在表达虚拟与现实边界时有何特别意义?
A:增强现实本身就是一种用于模糊虚实边界的技术,可以让我们以移动端设备作为载体,让我们产生将数字虚拟内容并置于现实空间中的欺骗性视觉。所以在媒介语言层面增强现实技术天然具有虚实融合的属性。
Q:“接口”一词具有技术性含义,您为何将其拓展至三维空间并用以描述真实与虚拟的桥接?
A:“接口“一词的英文interface其实有两个层面的意思。一层技术性的计算机术语,指代不同功能层之间进行通信交流的通用规范。另一层意思则更偏生活化,指代用户与数字设备进行直接交互的信息界面,例如我们的手机屏幕。在日常生活中接口以及其他数字技术内核的运行法则隐藏于“友好”的视觉界面这一表象之下,将广阔的算法世界转译成视觉图像信息通过界面传递给用户。而我希望通过生产手机界面中的三维空间视觉将这一隐藏于日常表象下的技术内核显现出来。
李怡君
创作关键词:博物馆、不可能、对抗
《奶牛梦工厂》是“不可能博物馆”计划的一部分。现今博物馆的叙事结构、文化解释权、传播方式以及自身边界问题是值得探讨的问题。该系列作品试图在虚拟世界中建造“不可能”的博物馆,将视觉的真实与内容的荒诞并置以对抗现实世界的制约。

《奶牛梦工厂》
尺寸可变
动画 、艺术喷绘
2020

(以下Q为采访者四川美术学院艺术人文学院硕士研究生李思雨,A为艺术家李怡君)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:新媒体艺术改变了观众与展品的关系,传统媒介的艺术作品与观众是一种对立的关系,观众对其往往有圣物膜拜的心理,新媒体艺术作品则更强调作品与观众的互动,而在这种交互中产生了新的可能。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:可能会对关注的问题会产生一定影响,在技术层面不会产生什么影响。
Q:您提到作品是“不可能博物馆”计划的一部分。为什么选择虚拟世界来构建这样一个“博物馆”?
A:我从事博物馆展览行业多年,在这个过程中,我发现传统博物馆的叙事结构、文化解释权以及自身边界等都是值得探讨的问题。该系列作品首先是一种游戏的心态,想创造一些实际项目中不可能实现的博物馆,因为要在现实中去实现设计理想是很难的。此外,这是一个很早期的作品,16年的时候数字技术还不像今天这样普及,这个作品也是一个技术实验。
Q:您的作品通过视觉真实与内容荒诞的对比对抗现实限制。请问这种矛盾关系在您看来会如何影响观众对“博物馆”这一概念的重新理解?
A:博物馆往往以真理自居,当知识的绝对标准化和博物馆的绝对解释权力结合到一块的时候,就会造成话语的独裁。这种现象也在大量的博物馆设计工作中主导着最终呈现的结果,我在这个过程中感到疲乏,该系列作品首先是我自身的一个反抗,为什么不做一些不那么严肃,说教式的内容?我希望通过这种矛盾来获得一种解放感,无论是对我还是观众。
Q:您选择以“奶牛”这样一个具体形象为主题,这是否有特别的象征意义,或者是对工业化文化的隐喻?
A:最早没有特别的预设,在制作过程中我才发现好像挺关注这个话题,另外的一个作品《真实加工厂》可能更符合对工业文化的隐喻。
陈俊亦
创作关键词:信息获取、数字艺术、传统象征
在信息爆炸的时代,信息获取的渠道自然是更多更广了;但是随着流量至上的风潮出现,以及总体信息源头权威性的下降,我们所能接触的信息的真实性也大大下降了。中国传说中招财进宝的金蟾曾为丑陋妖怪,后在被仙师周游时降服,然后削去一脚后成为造福百姓的仙兽。现代人吸取信息的方式也应如此:不仅要会学会如何寻找信息,也要会如何扬弃信息中的优与劣,最终为己所用。

《蟾宫折桂plus》
尺寸可变
多媒体
2024

(以下Q为:采访者四川美术学院艺术人文学院本科生周子菲,A为:艺术家陈俊亦)
Q:您认为新媒体艺术作品在展览方面展出的形式、特点与传统媒介艺术作品有什么区别?
A:提升观众兴趣、增加观众的互动性、并且打破观众对于艺术的传统观念以提升观众对于不同作品的期待。
Q:您认为地区艺术生态会对您的创作产生什么样的影响?
A:从实际上出发的话,作为普通的艺术创作者,创作对于当地政府、机构的支持还是有很大的需求的。一个良好友善的环境无疑会给艺术创作带来很大的影响。
Q:为什么选择“蟾宫折桂”这个带有科举功名色彩的词语来象征现代的信息获取?蟾宫折桂的传统意义与现代信息获取的挑战有什么关联?
A:一是作为取得自己想要的(信息)的美好寓意;二是这个词的表面意思与金蟾传说的一种行为上的映射:三是蟾妖被削去一脚而成为金蟾的过程就如同信息扬弃的过程。而其中关联也与如上面所说三点一样。
Q:您是如何看待“信息茧房”的现象呢?“扬弃”信息能够有效打破“信息茧房”吗?
A:信息茧房是大数据时代无法避免的现象,我们知道当您选择“登陆账号”的一刻起,平台就已经开始为我们搭建“信息茧房”了,但是不登陆所获得的服务体验又往往很有限。至于“信息茧房”,我认为存在的时间其实远比大家认为的要久远,纸质媒体时代,不同报社难道就没有为他们的受众提供不同的“信息茧房”吗?而打破茧房的方法从古至今都一样,就是去多走走多看看,亲眼见识的多了才能懂得,判断了才能学会“扬弃”打破茧房。金蟾故事里的道士在斩蟾妖之前也是需要下山入世的。
Q:新媒体时代下,您认为“技术”是工具还是表达的一部分?如何平衡技术与艺术的表达?
A:认为技术既是工具也是表达的一部分。特别是我们新媒体艺术创作者创作肯定是离不开技术作为工具的。同时,也需要把技术融入表达才能体现出我们使用这个媒介的独特性与必要性。至于它们之间的平衡就需要在创作时多问问自己为什么了,只要是作品所需要的,对自己而言就是平衡的。当然如果观众或者甲方不认可,那需要虚心听取意见,毕竟创作与成长的过程也是一种“扬弃”。
终 审:何桂彦
复 审:李 芳
初 审:李呢喃、李新颖
三 校:李 芳
二 校:李新颖
一 校:李呢喃
文字内容整理:周子菲、李思雨
排 版:曾雨馨

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入 馆 指 南
友情提醒:
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四川美术学院美术馆
参观入口:美术馆东门(四川美术学院东2门旁)
参观费用:免 费
地 址:重庆市高新区大学城南路56号
官方网站:https://www.scfai.edu.cn/museum/
服务热线:17784080200






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