展览现场｜艾莉·赫利尔（Aly Helyer）「爱的重量」@ 阿尔敏·莱希 - 布鲁塞尔

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阿尔敏·莱希 - 布鲁塞尔荣幸宣布艺术家艾莉·赫利尔（Aly Helyer）于画廊的首次个展「爱的重量」（Weight of Love）。展览已于2025年1月16日开幕，并将展至3月1日。

艾莉·赫利尔

「爱的重量」

@ 阿尔敏·莱希 - 布鲁塞尔

展期：2025年1月16日至3月1日

Abdijstraat 20 Rue de l’Abbaye
1050 Brussels BE                        

周二至周六：早11点至晚7点

正在展出｜阿尔敏·莱希 -   布鲁塞尔

「爱的重量」

2025年1月16日 — 3月1日

“爱的重量” 这一表述承载着宏大的意象，往往暗示着强烈而戏剧化的氛围，并与情感和爱密切相关。然而，艾莉·赫利尔并不热衷于戏剧化的表达，她更关注情感中最微妙的呈现方式，并借此探讨人类境况。从表情、互动到姿态，她?的绘画深入研究人与人之间的关系，以及“触摸”这一行为如何体现爱。她的作品并不试图构建宏大的叙事或提出明确的命题，而是呈现一个更为根本的问题——作为人类意味着什么？

爱情本身可以是一种负担，沉重得令人喘不过气；但它也可以带来轻盈与释放，提升我们的情绪状态。而在这两极之间，存在着日常的互动与关系——有些简单直白，有些复杂而难以捉摸。而任何关系最直接的体现，便是触碰。从轻轻伸手触及、擦肩而过，或小心翼翼的接触，到充满情感的拥抱、亲吻，甚至带有对抗性的身体接触，赫利尔将这些富有情感意图的行为提炼为的呈现人类复杂性的诗意片段。这种触觉上的情感表达，与绘画本身存在着某种隐喻性的共鸣——在画布上施加色彩的行为，同样源自意图与情感。“画家的任务是创造一种物理性的存在感，”塞尚（Cézanne）如是说。同样的，表达并感受某种具体的存在，也是人类最原始的冲动。在这个快速变化、一切都无法理所当然的，情感的模糊性与不确定性显得尤为贴切，而赫利尔对此深有体会。这种情感在其作品《微笑》（Smile，2024）中尤为体现，画中单一人物的表情似乎在羞涩微笑与带有几分审视意味的凝视之间微妙的变化着，不对称且略显不合逻辑的面部特征强化了这种模棱两可与双重性。赫利尔通常选择带有暗示性的标题，以增强作品的氛围与潜在叙事性，同时，艺术家的创作环境——所听的音乐、阅读的书籍，甚至是她亲身经历或无意中听到的对话——也渗透其中，为其艺术实践提供了一个契合且互补的维度。

正在展出｜阿尔敏·莱希 -   布鲁塞尔

「爱的重量」

2025年1月16日 — 3月1日

乍一看，这些画面明亮、色彩丰富、以线条为基础，内容上相对直接，但仔细观察并将其置于她更广阔的创作体系中时，色彩的相互作用、精致的笔触与画面质感、微妙的表情、交错的视角以及模棱两可的互动，使这些作品上升到对人类存在和关系的深刻描绘。这些画作源于无数的素描练习，每个特征和元素都经历不断调整，直至最终“合适”地组合在一起。赫利尔依赖直觉来构建画面，同时致力于传达某种情感。这一过程可能会在看似“完美”的脸庞上加入来自另一个角度的特征，让人联想到立体主义（Cubism）的手法，以更加全面的方式展现人物形象。她的目标是捕捉最难以捉摸的表情与情绪，描绘出富有真诚和深度的幻想缪斯，而非流于肤浅或刻意造作。一旦确定了画面结构，人物便通过色彩塑造，强调光影区域。层层叠加的哑光质地展现了绘画过程的物理性，而未加修饰的涂层让底层色彩若隐若现，营造出深度、体积、光晕，甚至某种内在的光芒。明亮而充满活力的橙色经常与低调的深灰色形成对比，不仅增强了人物的存在感，也使他们呈现出超越年龄、种族和性别界限的神秘特质。

在此基础上，赫利尔编排了画中人物之间的关系，以及他们所处的不具透视背景空间。这些背景元素包括壁纸、色块状的平面、建筑或自然元素，甚至偶尔的光影变化，它们增强了画面可信度，同时也完全按照绘画自身的规则运作。她的作品源自独特的个人视角，揭示了看不见的关系，并挑战人们对现实的固有假设。赫利尔所捕捉的并非客观世界，而是对现实的主观体验——即感知本身的行为。与“现实世界”并存的是她作品中的人物，他们通过形式上的表达被赋予了一种人性，使其更具敏感、忧郁，甚至略带瑕疵的特质。最终，这种元素、构图与画面结构的精妙平衡，提供了恰到好处的信息来吸引眼睛和思维，同时又保留了大量的留白和想象空间。正如大卫·萨尔（David Salle）在《如何观看》（How to See）一书中谈及皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）的生动绘画功力时所描述的：“少不仅仅是多，而是更真实。”这一点也体现在赫利尔的作品中——其画作在去除一切多余修饰的同时，仍富有表现力。

尽管画面整体上呈现出的静止沉静，因而显得稳定而紧凑，但作品中却渗透着某种轻盈感，甚至带着一丝俏皮，这种氛围通过人物最细微的表情与微动作传递出来。她略带风格主义（Mannerist）的处理手法——如夸张的脖颈长度、面部特征和比例——增添了一丝不对称或不自然的优雅，也反映了当代社会对外貌的痴迷。此外，某些作品的姿势或构图让人联想到时尚摄影，并且偶尔对服饰的强调也使得她的作品保持了鲜明的当代感，同时蕴含着丰富的历史艺术脉络。她对时尚行业的暗示以及对模特形象的塑造，也揭示了其虚假性和揉揉造作的成分，并映射出这种文化所带来的自卑感或不适感。画中人物的年轻形象涉及年龄魅力这一现象，并运用青春、活力、能量和美感来表达生命力和吸引力。然而，在这些似乎处于不确定境遇中的缪斯身上，他们的行为隐秘，与周围环境保持某种距离，既展现了当代青年文化带有距离感的酷与时尚氛围，又透露出其中的怪异与笨拙。偶尔出现的动物伙伴不仅增加了象征意义（如自由、爱、忠诚等），也进一步延伸了“爱”这一核心主题，强调它作为人类体验的基本组成部分，塑造了我们的行为、关系和身份。

文 / Sa?a Bogojev，作家、策展人

英国艺术家艾莉·赫利尔（出生于1965年）在创作中构建了一个个紧凑裁剪的世界，栖居其中的中性人物既陌生又熟悉。其绘画始于素描，这些素描通常由杂志片段、记忆与想象的碎片拼凑而成。其作品在形式语言与艺术史的框架支撑下，逐渐展现出人与人之间的关系，探索温柔与脆弱、爱与失落等主题。

“我的创作是有机生长的，它源于实践过程本身。讲述故事是我最不关心的事，而在创作的过程中，心理叙事会逐渐浮现。我的作品中的人物并不存在于现实世界，他们不是具体的个体，而是受到周围世界、个人经验、艺术史以及杂志中的形象影响而诞生的。如果我对自己的创作能全然掌控，那么其中的神秘感与探索的旅程便将不复存在。”

— 艾莉·赫利尔

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