展览现场｜群展「面孔」（Visages） @ 阿尔敏·莱希 - 瑞士格施塔德

为什么要在当下探讨面孔？因为只要我们每个人都有一张脸，只要生命延续下去，面孔就永远是人们关注的焦点。当然，这其中还有更深层的原因。去年，美国卫生总署曾警告称，孤独、隔离和社交断联正在严重危害个人与社会的健康，并将其定义为一种流行病。与此同时，我们与面孔之间的关系正经历着奇特的变迁，犹如穿越“恐怖谷”（uncanny valley，用以描述人类对与自己相似却略显异样的机器人所产生的排斥感），并伴随人工智能、深伪技术、虚拟现实、数字滤镜、激素疗法以及最新的整形手术一同展开。

当下，关于性别与外貌的概念从未像现在这样流动、多元甚至中性化。与此同时，科技也以前所未有的真实感与深度渗透到我们的日常生活中。在这样一个被身份政治裹挟、社会趋于部落化的时代，身份往往被简化为外貌与种族的标签，这使得探讨面孔的多样性以及面貌与视角之间的交织变得尤为重要。或许，一场关于肖像与人脸的展览，其真正目的是在发问：当我们所处的时代充满敌意、残酷、破坏性甚至非理性时，我们为什么还要选择直面它？我们真的能够做到吗？又或者，我们应该如何面对这样的现实？是否可以通过呈现这个时代的众多“面孔”来找到与它对话的方式？

正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 瑞士格施塔德

「面孔」

2025年2月12日 — 3月16日

在这场肖像展览中，每一幅作品都独具特色，出自不同艺术家之手，以各自独特的风格创作。这些作品汇聚一起，形成了一个松散群体，似乎隐约勾勒出一个了只可意会的社群，或是臆想触动跨国共合体，时而让人困惑，时而滑稽；有的冷静克制，有的含蓄调情；有的扭曲夸张，有的充满张力；还有优雅阴郁、幽灵般神秘，或是焕发着活力与荒诞不经。一张脸——无论是美丽的、痛苦的、喜悦的、疲惫的、退缩的，还是深思的——在它的轮廓中，往往蕴含着一个完整的世界。

而每张脸确实都是美丽的，就像每种动物也因其存在而美好一样：那独一无二的物质形态与存在感，伴随着所有细腻纹理与色彩细节，是真正血统与进化谱系的体现——真实的、肉身的、鲜活的。世上没有丑陋的动物，真的没有。存在本身，就是一种美。

此次展览是「面孔」群展的第二篇章，延续了2024年11月于阿尔敏·莱希- 纽约所举办的首场展览。此次汇集的多样肖像作品，以二十世纪艺术史上的两位巨匠——毕加索和沃霍尔——的作品为核心展开。他们各自以独特方式，将面孔分解为扁平的构成要素，借此突破对现实的狭隘理解，探索变形、扭曲、影像化、视角变化与形态转化。例如，安迪·沃霍尔1981年的黑白摄影作品《反串自画像》（Self-portrait in drag）以及毕加索1956年的《雅克琳肖像》（Portrait de Jacqueline）画中正是体现了这种手法。这些从毕加索延伸出的脉络，更可见于弗朗索瓦丝·吉洛（Fran?oise Gilot）创作于1949年的《艾瑞丝 I、II、III》（Iris I, II, II）三幅肖像画。理查德·普林斯（Richard Prince）于2011年的两件拼贴作品也可视为是向这位西班牙大师的致敬。而玛丽·罗兰珊（Marie Laurencin）这些虽然熟悉，但可谓被边缘化的历史人物，则成为了跨世代的重要桥梁，使「脸孔」所讲述的艺术故事更具时代的延续性。罗兰珊于1923年创作的作品《索尼亚》（Sonia），描绘了一位如梦似幻的年轻女性天使：长发间点缀着蝴蝶结，胸前抱着一束繁重的鲜花，手指修长优雅，面庞苍白，唯有一双硕大的杏仁状黑眼睛与一抹微闭的玫瑰粉唇，勾勒出她的神态。这种超然脱俗的美感，仿佛将她的气质牢牢系于上个世纪，唤起人们对一百年前那个时代的梦幻式遐想，展现出一种跨越时光的飘渺永恒感。

展中的人物阵容进一步扩展，更纳入了当代与近代艺术界的传奇大师，如乔治·巴塞利兹（Georg Baselitz）、君特·福尔格（Günther F?rg）、卡雷尔·阿佩尔（Karel Appel）、米里亚姆·卡恩（Miriam Cahn）以及肯尼·沙尔夫（Kenny Scharf）等艺术家。此外，还有近期崭露头角却是资深艺术能手的，像是日内瓦·费吉斯（Genieve Figgis）与法兰契斯柯·维佐利（Francesco Vezzoli）。

正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 瑞士格施塔德

「面孔」

2025年2月12日 — 3月16日

在《致威廉·德·库宁》（Willem de K）中，巴塞利兹延续了他标志性的倒置人物画风格，将强烈的感官冲击力与抽象质感注入一幅无头的荷兰现代大师肖像。米里亚姆·卡恩则以小说般的丰富叙事与情绪张力，描绘出令人不安、宛如幽魂般的角色。费吉斯笔下的人物仿佛诞生在「灰色花园」（Grey Gardens）与凡尔赛宫的诡魅交汇点，人物丰富的面部表情诡异地融化在色彩斑斓的漩涡之中。福尔格于1990年创作的青铜作品《无题（面具）》（Untitled (Mask)）呈现出被烈焰洗礼过的头颅，以原始厚重的质感铸造而成，凹陷的眼窝周围有着沉甸甸的痕迹，仿佛承载着时间的侵蚀与锻造。

法兰契斯柯·维佐利的《抽象的达·芬奇式圣母与圣婴》（ABSTRACT LEONARDESQUE MADONNA WITH CHILD）则延续了他近年来创作的系列，于古典大师的作品复制品上装饰泪滴状吊坠与饰物，为那些原本遥远而静默的历史面孔叠加上痛苦、受难与喜悦交错的情绪表达。克莱尔·特伯莱（Claire Tabouret）与妮娜·奇尔德雷斯（Nina Childress）则以松散而别具一格的时髦笔触，描绘出带着复古气息的年轻人物。在画中但人物总是俊美迷人，散发着浓郁的电影氛围，仿佛出自某本老旧手册里的插画，被刻意塑造成一种理想化的时代风尚。

而尽管这些艺术家的作品无疑各具力量、风格迥异且引人入胜，但或许比起这场展览的具体参展名单，更值得关注的是一件深刻而富有共鸣的事实——在当代仍不断涌现出众多独具个性、引人思考、富有启示的艺术实践致力于描绘人物与脸孔，给自以完整且鲜明的艺术视角，坚持以自身的方式被理解和接受。

文 / Sarah Lehrer-Graiwer，作家、策展人及出版人

阿尔敏·莱希（巴黎 | 布鲁塞尔 | 伦敦 | 纽约 | 上海 | 摩纳哥）

于1997年创立，现代理众多国际上重要的著名和新晋艺术家，并致力于探索现代与当代艺术之间的联系。同时，阿尔敏·莱希也是阿尔敏与伯纳德·毕加索基金会（FABA）的两位创始人之一。