原色亚麻布面丝网印刷与乙烯基颜料

210 x 170 x 6 cm

何塞·达维拉

「半空、半满」

@ 阿尔敏·莱希 - 巴黎

展期：2025年3月15日至4月19日

64 Rue de Turenne

巴黎，75003

周二至周六：早11点至晚7点

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正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 巴黎

“我的身体是世界的支点。”法国哲学家莫里斯·梅洛-庞蒂（Maurice Merleau-Ponty）如是表达着人类思想的相对性，这其中思想与我们的经验更是密不可分。从这种主观性的灰色地带中，万物被赋予了无限可能性，一旦任何物件成为我们感知的镜像，便超越了单纯的物质存在。这正是何塞·达维拉作品的核心，其雕塑、绘画与装置并不只是为了被观看，而是通过揭示构成其作品的元素所处的语境，引导观者更深刻地体察“观看”这一行为本身。

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艺术家的作品标题往往耐人寻味，甚至带有些许幽默感。这些标题更暗示了现实本身不可分割的多重含义及其内在的矛盾。本次展览以「半空、半满」为题，传达了一种无法解决的悖论，使得对立面得以共存。这种模糊性贯穿了达维拉的所有作品，其艺术核心围绕着张力与不稳定性展开，并始终聚集“重力”这一概念建构。无论是他那摇摇欲坠的岩石图腾，还是以工业材料搭建看似纤弱的结构，观者的目光总是被材料之间形成的“负空间”所吸引，从而联想到坍塌与失衡。然而，艺术家的创作之中有着某些东西正尝试突破这种二元对立的辩证，正如艺术家所称，是一种“各式可能范围的扩展”。

单向镜、玻璃、金属与石头

189.7 x 120 x 204 cm

单向镜、玻璃、金属与石头

189.7 x 120 x 204 cm

动态源于摩擦——何塞·达维拉在作品中不断提醒我们这一点。他巧妙地将看似对立的力量与材料结合一起，如自然与工业、实体与空无，并使它们在不间断的对话中相互作用。按艺术家自己的话来说，这种碰撞就像是一种“情感的触发器”（an initiator of emotions），不受任何固定意义的束缚。作为一名受过建筑训练的艺术家，他从小便频繁出入建筑工地，细致观察建造过程。“工地是欣赏雕塑最好的地方，”他曾说道，他被其中持续的平衡追求深深吸引。因此，其作品经常运用建筑领域的材料（如金属、玻璃、混凝土），并将这些冷冽元素与有机天然材料（主要是石头）相结合对比。

原色亚麻布面丝网印刷与乙烯基颜料

210 x 170 x 6 cm

原色亚麻布面乙烯基颜料

234 x 190 x 6 cm

在这场艺术家对过往的重塑中，记忆也占据重要位置，无论是个人记忆还是历史记忆。达维拉热衷于阅读艺术家的回忆录，并在作品中直接或间接地融入艺术史的影像，有时甚至营造出“作品中的作品”之错觉。其中一系列以色彩条带定义出的圆形绘画，令人联想到希尔玛·阿夫·克林特（Hilma af Klint）的构图方式，同时其标题《不断回归同一地点或处境的事实》（The fact of constantly returning to the same point or situation）也隐含着尼采“永恒轮回”概念的痕迹。这一丰富的意象促使观者按照自己的理解逐层剖析作品的意义。同样地，其雕塑作品《隐秘的愿望》（A secret wish），通过一块薄金属板与数个阿卡普尔科（Acapulco）椅架相互组合，也暗示了关于原创性的讨论——这个标志性的设计自诞生以来，关于其真正发明者的争论从未停止过，因为它从来没被正式注册为商标。达维拉巧妙地挪用这些历史元素，从而模糊现实的不同层面——既是对他人作品的引用，也是在重新定义艺术的集体归属。

金属、环氧漆与金属线

225 x 160 x 80.5 cm

实际上，在达维拉的作品中，“关系性”（relational aspect）是核心概念。艺术家通过无数种视角，揭示现实中那些不可见的框架，以及物质世界与其呈现方式之间微妙的关联。这种观念甚至延伸至他的雕塑材料本身——当这些材料被组合在一起时，便获得了一种崭新的存在方式。艺术家深知这些雕塑元素最终会被重新融入日常生活，并且仅在某种关系网络中，它们才得以作为艺术品存在。“正因如此，我对材料的干预始终保持最低限度，”艺术家解释道。这一手法恰恰揭示了世界万物之间分解与再生的紧密联系，正如赫拉克利特（Heraclitus）的名言：“万物流转”。

混凝土、金属、石头、火山岩、单向镜与束带

185 x 340 x 376 cm

在这个全球化、不断变化的世界中，这些理念显得尤为重要。达维拉试图捕捉那些难以察觉的系统性关系以及潜在的动力学机制。在某些作品中，他更为隐晦地呈现这种概念，比如在《共同努力》（Joint Effort）中，不同的物体被放置在一个基座上，并由一条黑色束带连接。这些物件是相互依赖的吗？是在相互支撑，还是在彼此合作？它们是否象征着集体的力量？艺术家没有给出明确答案，也正是这种开放性的多重诠释方式吸引着达维拉，其作品是自愿地游离于“界限”之间——坚固与轻盈、内在与外在、几何秩序与自然有机形态，在这些对立中不断游移着。正因如此，达维拉可以说是受到约瑟夫·阿尔伯斯（Josef Albers）的影响，后者的色彩理论强调观者的主导作用，使他们成为审美体验的核心。“对色彩的感知本质上是一种错觉：我们并不能以真实的方式看到颜色。”这位德国画家曾如此断言，从而重申了艺术作品作为唤醒意识的工具这一概念。这也引出了一个关键问题：我们如何“观看”？

混凝土、金属、石头、火山岩、单向镜与束带

185 x 340 x 376 cm

何塞·达维拉围绕色彩与构图提出这一问题，但更重要的是他对于空间维度上进行的探索。其雕塑作品通过展现难以捉摸的力场，重新定义了我们与物质及虚空的关系。观者的身体本能地感知到这些不稳定的力量，在凝视这些可能的坍塌时，甚至因感到紧张而身体微微僵硬。通过这种方式，作品与观者之间的距离被打破，观者被引导去感受自己的主观体验。这是一种充满内省冥想式的邀约，引导我们重新思考如何“观看”——不再将空间、色彩与形态视为现实的窗口，而是作为触发深层体验的媒介，协助我们更深刻地理解内在人性的本质。

文 / Alison Moss, Le Quotidien de l'Art 主编

何塞·达维拉1974年出生于墨西哥瓜达拉哈拉，现也于此地工作和生活。1993至1998年，他曾在墨西哥瓜达拉哈拉的西部高等技术与研究学院（Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente）学习建筑学。他是一位自学成才的艺术家，依靠直觉进行创作。其作品旨在使重力、阻力和平衡等物理现象具象化。这些关系及其影响体现在他所使用材料的行为中，并通过力量之间的相互作用和对话实现象征性和物理上的平衡，这种平衡以不稳定的支撑状态和暂时的制约瞬间展现出来。

何塞·达维拉的作品被多个国际公立及私人收藏机构收藏，包括：美国纽约古根海姆博物馆、法国巴黎蓬皮杜艺术中心、西班牙马德里索菲娅王后国家艺术中心博物馆、澳大利亚悉尼新南威尔士美术馆、巴西布鲁马迪纽 Inhotim 收藏馆与德国汉堡美术馆。他曾荣获 2017 年英国波罗的海艺术家奖（Baltic Artists’ Award）。他还曾获得安迪·沃霍尔基金会（Andy Warhol Foundation）及墨西哥国家文化艺术基金会创作资助体系（Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes）的奖金与资助。

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