佩斯画廊香港巴塞尔亮点作品｜展位 1D27

巴塞尔艺术展香港展会

Art Basel Hong Kong 2025

佩斯画廊

Pace Gallery

展位 1D27

日期

贵宾预展及开幕

3月26日至27日

公众开放日

3月28日至30日

地点

香港会议展览中心

佩斯画廊将再度亮相 2025 年巴塞尔艺术展香港展会（Art Basel Hong Kong），于展位 1D27 呈现一系列精选艺术作品，包括罗伯托·马塔（Roberto Matta）的?型绘画作品，以及阿丽佳·柯维德（Alicja Kwade）、李禹焕（Lee Ufan）、李?地、奇奇·史密斯（Kiki Smith）、阿琳·舍切特（Arlene Shechet）、洛伊·霍洛韦尔（Loie Hollowell）、冈崎乾?郎（Kenjiro Okazaki）等当代艺术家的重要作品。此外，展位亦将汇聚多位炙?可热的中国艺术家作品，包括洪浩、李松松、宋冬、尹秀珍和张晓刚，展现画廊对中国当代艺术的持续关注。

展会同期，佩斯艺术家亦将在香港及大陆呈现精彩纷呈的展览及艺术项目：阿丽佳·柯维德正于香港大馆当代美术馆举办个展「彼托邦」和户外项目「等候亭」；奇奇·史密斯将于杭州艺空间举办个展。此外，尹秀珍受瑞银集团艺术藏品委托创作的全新装置作品《旗门UBS》（2024-2025）将于本届香港巴塞尔的瑞银贵宾休息室揭幕。同期，佩斯画廊香港空间将呈现 1960 年代美国波普艺术运动中重要人物罗伯特·印第安纳（Robert Indiana）个展「万象之形」，展出其标志性的雕塑、绘画及版画作品。

展位亮点

Highlights on Booth

罗伯托·马塔

Roberto Matta

1911 年出生于智利圣地亚哥

2002 年逝世于意大利奇维塔韦基亚

《尾酒派对》（Tail-cock Party，1970）以超现实的生物形态和机械般的元素为特色，充斥着郁郁葱葱的日落色调和土绿色。马塔的超现实主义手法之美，与其作品中深藏的存在和哲学主题相矛盾。画面可见，五个人物在构图右侧两个半成形人物的注视下喝茶。艺术家的女儿费代丽卡·马塔（Federica Matta）解释说，这些是祖先的形象，是马塔作品中的常见主题，他以人类的处境为题作画，是为了「透过祖先诗意的力量来保护迷失的灵魂」。马塔总是用超现实主义的「自动绘画」（automatic painting）实践来处理画作，让直觉决定形式和动作，而非预设的结构。这种自发性有机地呈现作品形式，创造出流畅而脱俗的构图，就像《尾酒派对》中如鬼魅般模糊不清的人物。作品标题本身就是「鸡尾酒会」的俏皮反转，颠覆了精致社交聚会的概念。马塔引入了超现实主义幽默元素，挑起了新的诠释——暗示了一个不那么传统、更暧昧、甚至可能令人不安的场景。《尾酒派对》体现了马塔画作中复杂的政治、个人和哲学层面。

罗伯托·马塔

《尾酒派对》，1970

布面油画

未裱框：190 cm × 200 cm；裱框：193 cm × 204.3 cm × 6.4 cm

李禹焕

Lee Ufan

1936 年出生于韩国庆尚南道

《对话》（2008）是李禹焕（Lee Ufan）于 2006 年开始创作的同名系列中的早期代表作之一，展现了艺术家长期以来对绘画作为冥想与自我超越之媒介的深刻探索。此作由一道雕塑般的渐层灰色笔触构成——「对话」系列的最初阶段多以灰色调呈现。李禹焕的创作过程极为细腻，他反覆叠加单色矿物颜料，逐层构筑出单一而厚重的笔触，使画面蕴含深远的张力与重量感。李禹焕的创作方式极为严谨，呼应佛教修行的仪式感，在创作过程中调和笔触与呼吸，使气息与色彩同步流转。每一幅《对话》作品都需历时一个月乃至更长时间方能完成，并专注于空间、色彩、光线与张力之间的共鸣。画面中极简笔触的重复，不仅记录了艺术家创作时身体的体验，也映照出时间与空间的轨迹。对李禹焕而言，未经涂绘的留白与绘画本身同等重要。这一理念植根于「余白」（yohaku），或称「共鸣的空无」，他运用画布上的留白来营造中心与边缘、实体与虚空之间的动态对话，使作品的内在含义超越画布本身，延伸至更广阔的精神层面。李禹焕曾如此描述这种境界：「在这空间之中，可以感受到诗意、批判与超越。」

李禹焕

《对话》，2008

布面油画

194 cm × 162 cm

李黑地

Li Hei Di

1997 年出生于中国沈阳

现工作生活于英国伦敦

佩斯画廊 2024 年最新代理艺术家李黑地带来全新绘画作品，并将于 5 月在香港空间举办加入佩斯后的首场个展。

《怪兽就在我们之间》（2025）借鉴了韩江 2007 年出版的获奖小说《素食者》中令人不安的肉身叙事。故事追溯了主人公英惠从女人变成植物的心理转变，当英惠通过戒断肉食、食物、性爱乃至语言逐步剥离人性时，她的身体成为一个抵抗与消融的双重场域。李黑地的创作灵感源于小说中极具张力的场景：姐夫在英惠裸身上绘制花纹，而英惠以他「不可触碰花朵」为条件同意发生关系。艺术家解释说：「我被性这种既原始又畸形的力量所吸引如同藤蔓攀附身体裂隙，既混乱压抑又无可规避。」这幅画构想了一个被身体包裹着的花园，野生而杂乱，宝石般的红色花朵在纠缠的常春藤和静脉般的卷须中绽放。画面核心的白色胎盘形如生命门阈，阴影中的人形在其下若隐若现，于显现与消融的临界点搏动着存在之韵律。鬼魅般的存在穿透整个构图，唤起创造与破坏。在《怪兽就在我们之间》中，李黑地直面欲望令人不安的本质──自身不羁的本能力量，就像根扎破大地一样不可避免。李黑地加入佩斯后的首个个展将于 2025 年 5 月底在香港开幕，也将展出受《素食者》启发而作的版画。

李黑地

《怪物就在我们之间》，2025

亚麻布面油画

120 cm × 150 cm

宋冬

Song Dong

1966 年出生于中国北京

宋冬的《无知……》（2023）隶属于《无知》系列中的 36 册玻璃书之一，这是一系列思考知识极限的发光作品。每本书都完全符合国际出版标准，书脊处蚀刻有 ISBN 编号等识别信息，却在翻开后显现出彻底的空白文本。

这件装置中，柔和的绿松石色集中在书脊上，并沿着书页的弧线向外延伸，在作品微妙透明的边缘几乎完全隐形。书脊和拱形页面的清晰边缘看起来就象是从空气中切割出来般，仿若悬浮空中，宛若实体书籍的负形空间铸模。磨砂玻璃表面模拟纸张纹理，在存在与虚无间维持微妙张力。

使用玻璃是一个微妙的过程，充满了偶然性，必须透过技巧和机缘将其结合成所需的最终形式。微小的气泡是偶然的产物，但也承载着不可言喻的意义，在书中深处闪烁着光芒。犹如幻影般，引发人们对「无字之书」的沉思，文字在书中消融，而富有表现力的色彩和玻璃脆弱的物质性赋予了形式超然的灵性。在《无知……》中，艺术家思考了完全知识的不可能性，而是温和地以无言的方式呈现这本书，作为一篇关于揭示固化知识与流动认知间的辩证。这本书不是事实和数据的来源，而是提供了不同的理解。宋冬的《无知……》系列首展于上海玻璃博物馆年度展览「退火」，在该展览中，博物馆邀请艺术家创作玻璃艺术品，探索材料的不可预测性。

宋冬

《【无知】作者 宋冬

5开 竖版 502 x 380 mm

ISBN2021-2023-Crystal-Light Sky Blue-color-78930g-005-V

宋冬艺术出版社（2023）》，2021–2023

水晶

50.2 cm × 59.2 cm × 23 cm

阿丽佳·柯维德

Alicja Kwade

1979 年出生于波兰卡托维兹

现工作生活于德国柏林

阿丽佳·柯维德（Alicja Kwade）的雕塑作品《小隐身》（Little Be-Hide，2024）——艺术家将于即将到来的 5 月在佩斯纽约空间迎来个展。

在《小隐身》中，柯维德探索了感知，以及现实与幻觉之间的界限。这件装置由两块外观相同的石头组成，一侧为未经雕琢的花岗岩原石，另一侧则是青铜铸造的镜像体，放置在一面双面镜的两侧。镜子既可作为反射面，也可作为看似透明的窗格，显露或隐藏物件的部分。这种错觉模糊了原物与对应物之间的界限，挑战了观者的现实感。

透过存在与隐蔽（Be-Hide）的双重辩证，柯维德质疑感知如何塑造我们对世界的理解。作品在可见与不可见之间转换，邀请我们重新思考，不只是我们看到什么，而是我们如何看到它。

阿丽佳·柯维德

《小隐身》，2024

花岗岩、着色青铜、镜子

110 cm × 75 cm × 142.5 cm

阿丽佳·柯维德

《光的课题（二月/柏林）》，2025

纸板上黄铜钟表指针

裱框: 89.5 × 78.5 × 4.8 cm

洛伊·霍洛韦尔

Loie Hollowell

1983 年出生于美国加利福尼亚州伍德兰

现居住于美国纽约

洛伊·霍洛韦尔（Loie Hollowell）于 2025 年完成的「大脑」系列新作《深红与橘红交织的白色大脑》（Alizarin crimson and cadmium orange/red and white brain），以标志性的变色椭圆形构建出脑神经空间的视觉隐喻。作品通过红橙暖色调的无缝渐变，形成具有视觉震颤感的色彩场域——这种饱和度极高的色频振动，正是该系列唤醒观者心理共鸣的核心语法。

作为脑科学的美学转译，艺术家通过密集的手工劳作实现概念转化：每层半透明油彩需经 24 小时固化，反覆叠加直至形成类脑髓质的光滑釉面。这种工业级精度的手工质感，与粗犷的雕塑基杆构成张力——后者以厚重肌理颜料构筑三维地平线，将虚幻的脑内图景锚定于物理空间。

椭圆形态在霍洛韦尔创作谱系中始终承载头部意象的抽象指涉，从早期几何自画像到「站立人物」（Standing Figures）系列皆可见其演变轨迹。本次她将该元素进行颅腔尺度的极限放大，通过色彩比例的重构，使观者的视觉神经与作品色彩矩阵产生生物性共振。当直径扩张至临界点的椭圆形占据整个视域，那些被解剖的认知过程，终在虹膜与画布的光化学反应中完成具象化。

洛伊·霍洛韦尔

《深红与橘红交织的白色大脑》，2025

亚麻布面板上油彩、丙烯媒介、环氧树脂和水性树脂

121.9 cm × 91.4 cm × 8.9 cm

肯尼思·诺兰

Kenneth Noland

1924 年出生于美国北卡罗来纳州阿什维尔

2010 年逝世于美国缅因州克莱德港

肯尼思·诺兰（Kenneth Noland，1924–2010）的《无题》（Untittled，1978）既体现了他 1960 年代绘画作品中标志性条纹，也是艺术家实验性转向异形画布的例子。这件作品的特点在于不规则的四边形框架和色带——三个冷色调（蓝色、灰色和绿色）沿着左边延伸，另外三个色调（橙色、粉红色和黑色）在右边——隐晦地暗示了一种超越画布物理边界的动态张力。在他的整个职业生涯中，诺兰对色彩表现潜力的持久兴趣从未消退，不断地以各种形式表达进行更多发问和提出解决方案。1940 年代，学习了一段时间后，创立了华盛顿色彩学派（Washington Color School），成员包括联合创始人路易斯·莫里斯（Louis Morris）、山姆·吉利安（Sam Gilliam）和阿尔玛·托马斯（Alma Thomas）等人。他们的作品有助于形成美国战后抽象艺术的视觉语言，并最终奠定了极简主义的基础。

诺兰作品中壮丽而饱和的色彩受到了同属色域画家海伦·弗兰肯塔勒（Helen Frankenthaler）的启发，透过将丙烯酸颜料浸泡在未涂漆的原始画布上而达成的。到了 70 年代中期，他早期绘画的「简单」秩序被新的复杂性所取代。转向画布结构本身，诺兰开始建构不对称的、有角度的框架，这些框架既坚持绘画的客观性，也作为空间和维度的幻觉表现。1977年，诺兰在与古根汉回顾展策展人黛安·沃尔德曼（Diane Waldman）的对谈中解释：「我一直在想——如果东西不平衡的话会是什么样子？……我花了很长的时间去研究各种对称，不仅是矩形，还有菱形，以及各种形状的极端延伸，最后我终于想到一切都不平衡，没有垂直的，没有水平的，没有平行的。我发现不平衡也有它自己的秩序。[1]《无题》将现代主义时期的条纹语言与画布结构的后现代重新配置相结合，成为托马斯·麦克埃维利（Thomas McEvilly）所说的「自我参照的形式主义演变」。[2]

1  Barbaralee Diamonstein-Spielvogel，Kenneth Noland 与Diane Waldman 的访谈，「关于艺术」，1977 年，录像带，29:25。

2  Thomas McEvilley，「Kenneth Noland 在 André Emmerich 画廊」，Artforum 23，第 7 期，1985 年 3月，91-92 页。

肯尼思·诺兰

《无题》，1978

布面丙烯

裱框：25.8 × 95.3 cm