常青画廊即将参加2025年巴塞尔艺术展香港展会 | 展位 1C25

▲ 胡安·阿劳约 (Juan Araujo)《玻璃屋10号》Casa do Vidro 10, 2023, 布面油画, 33 x 41 x 2 厘米, ??艺术家与常青画廊

胡安·阿劳约（Juan Araujo）精通画术，他的作品通常是对老照片、画册、书籍、杂志、报纸、科学报告或其他出版物的复制与再加工。阿劳约对图像的时间性提出质疑，热衷于通过展示图像的多层次性，暗示图像的符号性质和语言文字之间充满寓意的联系和对比。他的作品传达了不同时间相互碰撞下的图像，艺术家认为并不存在单一的、真实的、只属于现在的时间，只有一个流动的、不断延伸的当下，它裹挟着过去的痕迹，由记忆和遗忘、废墟和消磨组成。

“我经常通过擦除的方式进行创作，擦除图像，因此我的一些画作就像是图像的“废墟”。古代壁画不可避免地被时光渐渐擦除，而擦除对我来说是一种灵感素材。”

▲ 尤安·卡波特 (Yoan Capote)《岛 (致敬)》Isla (Omaggio), 2024, 油、安装在胶合板上的钉子和鱼钩、亚麻布, 110 x 110 x 11 厘米, ??艺术家与常青画廊

“岛屿”（Isla）系列的绘画源于冷战期间用来表示东欧和西欧国家之间领土和意识形态分离的术语——“铁幕”，亦即那些边界感厚重、带有刺铁的丝网和墙壁。尤安·卡波特（Yoan Capote）认为大海对古巴人来说也扮演着类似的角色，既是美丽、快乐甚至生命的源泉，但同时也是边界和障碍。卡波特的海景画是使用鱼钩和布面油画进行的大型创作，是一种渐进式的装置：同一水平线上连续排列的画板，其中每幅画都是一个片段，捕捉了光明或黑暗的不同时刻。

“我想用数千个钩子来创造一个随着观众越来越近而逐渐变得有形的表面；我想重现站在金属栅栏前的触觉体验。鱼钩是一种古老的工具，其设计几个世纪以来一直没有改变。它可以是诱惑的象征，也可以是陷阱的象征。创作这些作品的过程非常有趣，因为对我来说，绘画和笔触的运动体现了艺术家的个人自由感，而这种自由感完全被鱼钩区域所切断，限制了艺术家的个人自由感。正如政治冲突限制主观自由一样”。

▲ 劳瑞斯·切克尼 (Loris Cecchini)《风沙地貌 (Etep)》Aeolian landforms (Etep), 2024, 模塑聚酯树脂、丙烯酸树脂、尼龙纤维、铝框, 180 x 250 x 6 厘米, ??艺术家与常青画廊

纯色的表面之下涌动着无限活力，“风沙地貌”（Aeolian Landforms）系列作品展现了大气和水的侵蚀作用，以及这种侵蚀现象在一系列自然面上留下的痕迹。这些痕迹往往表现为荡漾于表面的“波纹”，让人联想到沙丘的形成过程。这是一种在风与温度变化的作用下自然发生的过程，并非地球独有。劳瑞斯·切克尼（Loris Cecchini）将这种科学的动力现象转化为诗意的画面，一种能够唤起催眠效果的动感低浮雕，是对内心和自然景观的双重隐喻。作品吸引观众短暂地驻足凝视，他们会立即意识到作品的层次感是由光线在表面投下的阴影营造的。观赏体验转变为一种光学现象，色彩也被纳入情感领域，作品表面的颗粒纹理与通过对光线的特殊吸收作用而造成的色彩深度之间产生互动。

▲ 卡洛斯·克鲁兹-迭斯 (Carlos Cruz-Diez)《物理色彩 1988》Physichromie 1988, 2015, 铝板印刷、塑料插片, 100 x 300 厘米, ??艺术家与常青画廊

早在1959年，卡洛斯·克鲁兹-迭斯（Carlos Cruz-Diez）就开启了广受赞誉的“物理色彩”（Physichromie）系列作品的创作，该系列贯穿艺术家的创作生涯，承载了大师对色彩自主性和物理性质的毕生研究成果。从乔治·修拉的点彩技术到约瑟夫·阿尔贝斯的色彩理论，艺术家在创作该系列作品时借鉴了大量的欧洲现代主义艺术表现形式和研究成果，探索了色彩之于观者的物理效果，并鼓励观者去切身体验色彩的转换。本次展览也将呈现其中一件作品《物理色彩1988》，该作品由一条条薄薄的色带构成，色带之间交替穿插着有机玻璃条。整件作品构成一个“光学陷阱”，其表面颜色会根据观者的不同站位而改变，色带仿佛在跟随观者的移步频率一同震颤变换。

▲ JR《JR在卢浮宫与大金字塔的秘密，2019年3月29日，18点08分，金字塔，建筑师贝聿铭，法国巴黎卢浮宫博物馆，2019年》JR au Louvre et le Secret de la Grande Pyramide, 29 Mars 2019, 18H08, Pyramide, Architecte I. M. Pei, Musée du Louvre, Paris, France, 2019, 2019, 四色印刷、棉纸、铝框、胶印印版、丝网印刷、浅橡木画框, 185 x 281 x 6.5 厘米, ??艺术家与常青画廊

JR将摄影作为一种记录工具，将他那些通常是在公共场所非法创作的、稍纵即逝的粘贴画和装置作品永久留存。JR创作的粘贴画是黑白的，这样既方便复印，又可以与彩色广告海报区分开来。然后，他用彩色照片拍摄他的装置作品，创造出独特的构图，使黑白粘贴画与周围彩色的环境形成鲜明对比。这些摄影作品皆为独版，拍摄了一天内不同时段的装置作品。根据项目的不同，照片的尺寸和相框的类型也各不相同，包括：木框、金属框或齐平框。

▲ 安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor)《紫色到异教金》Purple to Pagan Gold, 2017, 不锈钢、烤漆, 180 x 180 x 22 厘米, ??艺术家与常青画廊

这些从深到浅不同颜色的圆盘似乎包含着无尽的深邃，反光的表面能将周围所有空间纳入作品的景观之内，使作品展现出近乎无穷的虚空。置身作品前，观众将身处介入和参与的临界点上，主体和客体之间的界限变得模糊，连看似牢固的客观存在也变得岌岌可危。在镜子作品中，安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）经常选择圆形的凹面镜以表现连续性，从而探究个人如何形成完整的视野。他的镜子作品提出了一种与观众的全新互动关系，让我们的身体融入雕塑并获得完全解脱。仿佛深陷于无止境的虚空，自我感知消弭一空。

“对我来说，抛光表面的有趣之处在于，当它真的足够完美时，就会发生一些事情——它实际上不再是物理的；它悬浮； 它在做别的事情。在我看来，凹面所发生的事情完全令人着迷。它们不再是有形的，而我所追求的正是不再有形的”

▲ 朱利奥·勒·帕克 (Julio Le Parc)《13系列13-5号》Série 13 n°13-5, 1970, 布面丙烯, 171 x 171 厘米, ??艺术家与常青画廊

朱利奥·勒·帕克（Julio Le Parc）喜欢用对待造型的态度来处理颜色，他坚持只用14种颜色进行创作。同时他刻意避免使用任何特殊的处理手段，只使用最纯粹的色调，不用黑白制造渐变效果。虽然勒·帕克作品的“形体”失去了唯一性，取而代之的却是能够与观者建立动态视觉关联的外表，每件作品都蕴含着多种潜在的变化。每一幅画都是对一种颜色组合的全新尝试，每一次创作对艺术家来说都是一次特殊的探索体验。

▲ 朱利奥·勒·帕克 (Julio Le Parc)《扭转之形》Formes en contorsion, 1967, 木头、金属、马达, 203 x 53 x 20 厘米, ??艺术家与常青画廊

在“扭转之形”（Contorsions）系列中，部分作品使用醋酸纤维素（Rhodoid）制成的柔性带，在黑色背景上构成圆形图案。这些柔性带由两个手柄控制，分别以不同的速度（每分钟5转和4转）驱动其旋转。系列中的其他作品则采用抛光不锈钢带放置于条纹背景前，带子移动时会聚集并扭曲背景中的线条，从而产生多种视觉效果。当带子被放置于白色背景上时，强烈的光线照射进一步增强了形变效果，突显了光与色彩的内在物理特性。正是这一现象激发了朱利奥·勒·帕克对人工照明效果的探索，并指导了他的部分造型实验。

▲ 艾哈迈德·马塔尔 (Ahmed Mater)《磁性》Magnetism, 2011, 数码银盐印刷, 106 x 140 厘米, ??艺术家与常青画廊

在装置作品《磁性》（Magnetism）中，艾哈迈德?马塔尔（Ahmed Mater）利用两块磁铁，在其磁场中放置了成千上万的铁屑，只有上方那块磁体可见。对马塔尔而言，“磁性”传达了朝觐的一个关键要素：在真主眼中，所有穆斯林，无论贫富、老少，皆为平等。因此，这些铁屑象征着一群团结的朝圣者，他们都同样被卡巴天房吸引，将其视为世界的中心。这个创意简洁明了，如同作品的核心元素一样，具有强大的吸引力。

当马塔尔转动一块磁铁，从而让成千上万的铁屑动起来。这些微小的颗粒宛如众多卫星，形成一个旋转的光晕。即便我们未曾亲身参与朝觐，也都见过相关画面：穆斯林每年都会前往麦加进行这场盛大的朝圣活动。马塔尔创作的黑色长方体磁铁，是蒙着黑布的卡巴天房的微缩仿制品，而卡巴天房正是麦加仪式的核心元素。那些环绕旋转的金属屑，犹如朝圣者围绕卡巴天房进行七圈巡游（塔瓦夫）的微观呈现。

“在我小时候祖父们跟我讲起他们朝觐的经历，他们对卡巴天房有种本能的亲近感，仿佛被一股近乎磁性的力量牵引着。”

▲ 艾哈迈德·马塔尔 (Ahmed Mater)《加百列》Jibreel (Gabriel), 2012, 柯达乳胶喷墨打印, 140 x 200 厘米, ??艺术家与常青画廊

“法兰沙漠”（Desert of Pharan）系列记录了伊斯兰教最神圣的城市麦加迅速发展的过程。作品名取自麦加和其周围荒野与山脉的古称“法兰”。该作描绘了伊斯兰城市中公共空间与私人空间之间的紧张关系。作为超过一百万居民生活家园的麦加，正在为进一步满足全球数百万朝圣者和游客的需求进行改造。现有的城市发展模式被大规模套用于此，通过引进金融服务和专业知识，麦加正在上演一场轰轰烈烈的转型，以适应其所处的地缘政治、技术、环境、地貌和宗教背景。但同时，用于传统宗教活动的公共空间和随着城市发展，资本大量涌入而产生的私人空间之间的冲突也愈演愈烈。

“购置必要的摄影设备对我的项目至关重要。当我在组装设备并思考如何选择拍摄的范围、角度和环境才能传达这座城市的多元性时，麦加所有的色调和层次浮现在我的脑海。这就像一场寻宝游戏，要从世界各地获得设备的组成部件。经过全球范围的搜索，我找到了我理想中的最佳相机：一台沙特本拉登（Saudi Binladin）集团在二十世纪七十年代购买，用于拍摄其在麦加建设项目的相机。这台相机从未被使用过，我觉得唤醒这件几乎沉睡了四十年的设备去执行这个任务，拍摄它本应拍摄的城市再合适不过。但与之不同的是，沙特本拉登集团使用这台设备是为了记录麦加的实际情况，而我拍摄的目的是为了描绘、追踪和记录这里的故事”

▲ 汉斯·欧普·德·贝克 (Hans Op de Beeck)《Zhai-Liza (母亲的鞋)》Zhai-Liza (mother’s Shoes), 2024, 聚酯、聚酰胺、涂层, 114 x 72 x 72 厘米, ??艺术家与常青画廊

汉斯·欧普·德·贝克（Hans Op de Beeck）的作品总有着一种独特的气质，散发着古典之美和悲剧气息，可能与他关心的人类终极问题相关，他总是探索着静默深处的秘密，比如虚构中的真实，比如文明的坍塌，比如死亡。他的作品总能激发观众的感官，获得一种不同寻常的体验，仿佛一份充满秘密的“视觉小说”，让人一次次体验到奇迹和沉默的时刻。他的雕塑作品常常具有一种临界状态，每个雕塑的人物都沉浸在了属于自己的世界中，他们常常闭着眼睛，或完全沉浸在自己的时间和世界之中。那种无法打搅的静谧状态形成了一种严丝合缝的沉默。

▲ 米开朗基罗·皮斯特莱托 (Michelangelo Pistoletto)《色与光》Color and Light, 2021, 黄麻织物、镜子、镀金木材, 250 x 180 厘米, ??艺术家与常青画廊

“色与光”系列始于2014年，其主题融会了皮斯托莱托多年创作中的“感知”、“时间”、“历史”和“传统”等主题。在一个个镀金镜框中，银色或黑色的镜子碎片与大胆的纯色背景相映成趣，背景色调五彩缤纷。从米开朗基罗·皮斯托莱托（Michelangelo Pistoletto）早期画家生涯中对黄麻的使用，到他在1962年首次创作“镜画”时发表的宣言，“色与光”系列唤起了皮斯托莱托的艺术初心：

“一方面是画布，另一方面是镜子，中间夹着我自己。一只眼睛盯着画布，另一只眼睛盯着镜子。如果你足够专注地注视它们，物体会逐渐叠加：我的镜中肖像会转移到画布上，同时留在镜中，而画布也会转移到镜子上，与镜子融为一体”。

▲ 托比亚斯·雷贝格 (Tobias Rehberger)《献给卡斯滕·霍勒的礼物》Present for Carsten H?ller, 2016, 打印纸、石灰石, 33 x 37.5 x 37.5 厘米, ??艺术家与常青画廊

该作是托比亚斯·雷贝格（Tobias Rehberger）送给卡斯滕·霍勒的生日礼物外包装的雕塑，由艺术家专门设计。托比亚斯的作品往往因其缤纷的?彩、流?且引?注?的表?以及它们可触及的物质性，而变得似乎很容易让?接受并被理解。但只有仔细观察后，才能意识到它们的深度和复杂性。他的作品围绕?常?活现象和?化差异展开，常常被用来质疑那些熟悉的事物；他致?于那些未完成的、不完美的??制作，微妙调整作品的??、?例、材料和表?。这些想法常常会导致他的雕塑“?弯路”或是“失灵”。通过这种?式，雷?格也提出了关于艺术的实?性和?的性的问题。

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