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学术会客厅 | 日常 · 状态——素 · 描交流展艺术家聚谈

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学术会客厅

学术会客厅 | 日常 · 状态——素 · 描交流展艺术家聚谈崇真艺客

2025年3月15日下午，上海油画雕塑院美术馆二楼展厅举办了“日常·状态——素·描交流展”艺术家聚谈的学术会客厅活动。上海油画雕塑院美术馆馆长傅军担任主持人，特邀嘉宾上海美术学院邱加、赵舒燕、参展艺术家李诗文、朱勇、石至莹、林森、鲁丹、杨牧石、李依祎、梁君儒，以及展览发起人韩子健、李淜参与了本次聚谈。整个活动在轻松愉快的氛围中进行，三个小时里，大家交流了自己对于素描的理解，并就展览形式、艺术创作等诸多方面分享了心得和体会。

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在讨论过程中，傅军谈到展览主题“素·描”和今天的聚谈主题“日常·状态”展览发起人在中间都加了一个“点”，使得这两个名词的含义变得复杂了。这样强调了素描不仅是艺术创作的基础，更是一种独立的艺术形式，能够直接表达艺术家的情感和想法。傅军回顾了上海早期画室例如哈定画室的素描教学历史，随后总结了大家对素描认识的多重维度。傅军认为随着时代的发展，素描的表现形式不断变化，其定义也在不断拓展。今天展出的作品展现了对于素描的多种理解，和而不同、各有面貌，呈现出我院艺术家真实鲜活的状态，这也是大家觉的这个展览特别有意思的原因。

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邱加认为这是个蛮有“腔调”的展览。从艺术家的角度再来诠释素描这个概念，通过将素描与“日常”结合，撬动了传统素描的固定概念，让艺术家们能够以更加自由和多元的方式去探索和表达。今天的座谈大家都分享了相当个人化的创作经验，谈到了彼此的日常状态，每件作品像是侧写，反映了作者另外的一个面向，这里有艺术家自我修炼的隐秘状态，也有对技术时代的回应。邱加还提出了一个关于展览展示方式的问题，他注意到此次展览中的作品都装了画框，这种方式给作品带来了一种“文献”感觉。

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赵舒燕觉得在轻松的氛围里，艺术家能聚在一起进行纯粹的讨论是很幸福的事情。展览中的每一张画很经得起看，而且也与自身的创作有所相连。素描在她看来不仅仅是一种造型训练，更是一种审美判断训练，它可以突破材料的限制，甚至在雪地上留下的一串脚印，如其形状和节奏足够吸引人，也可以被视为一种艺术形式。她认为此次素描展中的每一幅作品都凝聚着艺术家对艺术的执着热爱与不懈探索，即使在面临诸多困难与挑战时，他们依然坚守初心，以最认真的态度对待每一次创作。

赵舒燕以自己参加女性主题艺术活动的经历为例，提出了一个引人深思的现象，在图像泛滥、AI 技术日益发达的当今时代，人类依然在执着于艺术创作。因为它是人类与生俱来的一种基本需求，通过艺术创作，人们能够将内心的情感、思想与体验以独特的方式呈现出来，实现自我价值的肯定与精神世界的丰富。

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韩子健介绍了与李淜一同发起展览的初衷。通过“日常·状态”这个开放的交流话题，油画家和雕塑家可以不为专业所限，形成相互探讨的交汇点，新老同事聊聊彼此的经验、分享各自的心路历程、“温故”而后“知新”。同时，作为自发筹办的展览，得到了大家的响应，期待在院里和美术馆的支持下，这样活泼的形式有机会持续下去。

谈到这个有“点”不同的素描时韩子健认为：在不同语境中素描的功能会有所不同，学院教学相对侧重于造型训练，而艺术家们则将其视为一种放松和寻找个人语言的实验，甚至可以发展为独立创作，这个“点”在同仁们的作品中都得到了充分体现。随着图像时代的发展，人们的感知方式也正发生变化。素描可以不拘形式和媒介，直接反映艺术家的敏锐感应，其所积累的可能性和丰富状态都是其他艺术形式难以达到的。这些作品可能没有大型创作的完整性，但它们所保留的原初经验和思考痕迹，使其具有了独特的价值。

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李淜也表示素描作为一种艺术形式，随着社会和时代的变化而不断演变。每个时代对素描的理解、范围、广度和深度都有所不同，因此，素描的概念不应被固定化，而应随着时代的发展而动态变化。

李淜指出素描在艺术创作中具有多种功能，一是艺术家创作过程中的草图和准备，二也是一种独立的艺术形式，能够直接表达艺术家的情感和思想。素描的这种多样性和灵活性使其成为一种重要的艺术语言，能够突破材料和形式的限制，传达更深层次的审美和造型意图。对于这样方式的聚谈和展览，李淜希望将来大家能不断找到新的话题，新的讨论点。

李诗文在出版社曾策划编辑过素描方面的书籍，来院工作后对大家的油画和雕塑作品非常了解，对于大家的素描则相对陌生，因此也很好奇和感兴趣。他从展览中看到，素描对大家来说是一种纯粹的描绘快乐，工具和材料简单，能够在任何有绘画冲动的时刻迅速表达内心的想法和状态。

李诗文分享了自己的创作状态，那种在画室里“自娱自乐”的过程，让他深刻体会到绘画的纯粹和快乐。素描能够直接反映艺术家的心迹和状态，是一种非常个人化的表达方式。他喜欢使用与传统一脉相承的水性材料，如水墨，因为这些材料能够与自己的生活和记忆紧密相连。通过素描，艺术家表达自己、认识自己，而不是去接受deepseek给出的似是而非的答案。

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鲁丹把素描的“素”理解为朴素：朴素地去描绘，情感上也是比较朴素的情绪。他认为素描的意义和范围也可以更加大一些，不一定局限在单色里。传统学院派的创作流程往往是从素描小稿逐步放大至色彩稿，最终完成正稿。然而当代艺术家们的创作方式更加多样化与个性化，许多人不再遵循这一固定模式，素描已不再局限于传统意义上作为油画或雕塑创作草图的工具性存在。以他自己个人为例，现在的创作通常是直接上手，不再绘制小稿，展出的作品也不再是技巧训练，而是自己情绪的表达。这种变化反映了艺术家们对图像认知与创作理念的转变。正如在此次展览中，观众可以看到各种不同风格与形式的素描作品，它们不再仅仅是作为正式作品的前期准备，而是以一种完整且独立的艺术形态呈现出来。

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石至莹提到在整理送展作品时感到自己平时记录的点点滴滴都很真实。由此她认为私密性与日常性是素描最吸引人的特质之一，与正式的油画或雕塑作品不同，素描往往是在艺术家独自一人时创作的，它更像是一种个人的随笔或日记，记录着艺术家在日常生活中的所见所感、所思所想。这种私密性使得素描作品更加自然，不带有任何刻意的修饰和功利性。在此次展览中，观众可以看到各位艺术家们以素描形式呈现的日常生活片段，这些作品没有经过复杂的制作过程，也没有受到外界因素的干扰，只是纯粹地将艺术家们内心的想法与感受以最直接的方式表达出来。

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朱勇指出素描在艺术创作中具有多种功能与意义。作为雕塑家，朱勇的展出作品是一批小稿草图。他把素描作为记录灵感、构思的工具，是雕塑家在创作过程中不可或缺的重要环节，也是他自己工作的基本状态。无论是作为正式作品的前期草图，还是作为一种独立的艺术形式，素描都能够帮助艺术家们清晰地梳理创作思路，将内心的想法以可视化的形式呈现出来。通过随手的几笔勾勒，艺术家们可以自由地探索不同的表现手法与艺术风格，为正式作品的创作积累丰富的经验与灵感。

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同样作为雕塑家，与朱勇有所不同，素描对林森来说是一种补充和释放。雕塑具有实在性，因此有时会受到材料和技术的限制，繁琐的工序可能会磨灭艺术家最初鲜活的动力，而在进行平面绘画时，可以天马行空、无所顾忌。他以交响乐和民谣作对比，相较于前者，后者随意的哼唱更能打动人心。林森还引述了图伊曼斯的创作方法，提到其会在一天之内完成作品，相较于雕塑创作时所需的更多的时间和综合考虑。林森结合自己的绘画经验认为，素描是一种较为快速的创作方式，能够更加自由地表达自己的的想法和情感。随后，林森回忆了自己集中创作平面绘画作品的三个阶段，从研究生时期一直到现在，自己在更换“赛道”后，体会到了全新的创作活力。

作为我院新引进的三位年轻艺术家，他们的作品引起了大家的关注和兴趣。

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李依祎提到素描的“素”字在传统意义上常被理解为黑白、单色的描绘，但随着艺术观念的不断演变，素描的定义与内涵也在逐渐拓展。素描不仅仅是色彩的前置准备，更是一种充满意图的艺术表达。在她的学习与创作过程中，素描始终占据着重要的位置。学院时期的严格训练为她奠定了扎实的素描功底，而随着个人艺术风格的逐渐形成，她开始将素描视为一种独立的艺术创作形式，通过它来探索自我、表达内心。

李依祎的素描与油画在风格和手法上呈现出一定的差异性，她认为素描为她提供了一个自由表达的平台，使她能够在不受限于材料与技法的情况下，尽情释放自己的创作灵感与想象力。在素描中，她可以更加直接地捕捉瞬间的灵感与情感波动，这种创作状态更加自由、随性。因此，这种差异如同自我的一体两面，互为补充与映射。

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梁君儒认为对艺术家来说，素描的意义体现为一种对“痕迹”的迷恋。艺术家们通过创作保留自己的想法和痕迹，而素描正是这种保留痕迹的重要方式。梁君儒认为素描能够解放艺术家的思维，使其放下包袱，更加直观地表达内心的想法，而不必过于理性地对待这一过程。他以自己的作品为例，提到自己选择展出的两张素描草稿，虽然转化为大型创作会有一定的问题，但它们所蕴含的最初想法和感觉却非常珍贵。素描作品有时比最终的创作完成稿更加精彩，令人印象深刻，因为它们保留了创作过程中生动的痕迹和思考。

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杨牧石坦言考学式的素描对他来说是一个纠结的存在，这种纠结甚至使他在某个阶段完全放弃了素描。作为专注于雕塑装置的艺术家，尽管没有进行通常意义的素描创作，杨牧石选择以钢板作为材料，在快速切割的同时，立刻判断成形的工作方式，形成了一种草稿意味的特殊作品。他认为这种直接的语言与素描有着一脉相承的联系。朴素的选择既与他喜欢“捡垃圾”的创作习惯有关，也与他对材料的特殊偏好有关。钢板的锈迹和不均匀感为作品增添了一种时间感和历史感，这与他作品中对痕迹和时间的迷恋相呼应，反映了作者对“素·描”的独特理解。

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