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【北京画院精品艺术课】直播回顾｜买鸿钧：从山水画的书写性到具体创作

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北京画院是新中国成立最早、规模最大的专业画院，一直致力于艺术人才的培养。历经几代人薪火相传，依托雄厚的画家资源，以画家工作室为主，建立了独特的师徒相授的教学模式。多年来，北京画院研修班为全国各地培养了众多优秀的艺术人才。

2024年，为了进一步推动艺术教育的普及与发展、培养更多艺术人才，北京画院开始以直播的形式推出了《北京画院精品艺术课》。该课程吸引了众多艺术爱好者的广泛关注与积极参与，提升了艺术教育的普惠性和社会影响力。为了方便更多人学习与回顾课程内容，我们将陆续以直播回放和图文结合的方式推送精品课程回顾，进一步深化教学内容，让您对教学内容有更加直观深入的了解。

本期让我们一起回顾艺术家买鸿钧老师的课程内容。

艺术家买鸿钧

书写性是中国绘画重要特征之一，强调笔墨的自由流畅和情感的真挚表达。

黄宾虹曾言“线无半寸直”，线条应具有提按、顿挫、干湿、浓淡等变化，以及笔断意连的效果，这些都是书法用笔在绘画中的重要体现，更是艺术家内心情感和审美理念的传达。尤其是文人画特别强调笔墨的书写性，注重对书法线条的认识，看似仅有几根线条，却蕴含了丰富的变化，正是通过这些笔墨完成了作品的创作过程和艺术家的审美理念。

北京画院专职画家、山水创作室主任买鸿钧认为：“书法是中国画不可或缺的基础，学中国画需要深究笔墨和书法，如果书法不过关，画家的路子将不会走的太远。”通过书法的练习，学画者能够深刻体会到笔下线条所蕴含的力量和情感，这种内在的感知会在绘画中得到延伸和升华。

书法训练赋予了艺术家对笔墨的精准控制，使其能够在绘画中游刃有余地运用笔墨，创造出具有个性和时代感的艺术作品。线条的力度、节奏和变化，成为传递情感和构建意境的重要手段。每位艺术家根据不同的知识背景和审美取向，用笔墨展现出各自独特的艺术世界。

买鸿钧工作室的这堂艺术课程，深入探讨了书写性在山水画中的应用，并阐释其在中国画中的重要地位。

视频：直播回放链接

【师生对谈内容】

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学生：您在教学和个人创作中特别强调书法训练。书法的练习和国画的创作看似独立，却可以很好的融合在一起。书法的书写性是如何具体影响写意山水画创作的？

买鸿钧：书写性是当代中国画中非常重要的一个课题，不能简单的去理解书法与绘画之间的关系。中国画植根于中国文化之中，承载着鲜明的中国特色，蕴含着中国文化的基因、理念和审美追求，从而映射出东方人的宇宙观和世界观。这种文化基因在汉字中得到了体现，汉字不仅是语言的载体，也是情感和思想的传递者。

在中国画的创作过程中，笔墨训练至关重要。笔墨不仅是绘画技术的基础，更是艺术家情感和精神表达的媒介。"善书者不择笔"艺术家应该善于运用毛笔，将其视为表达自己内心世界的工具，而不被工具所束缚。通过书法的训练，艺术家能够感受到线条所蕴含的能量和情绪，进而引申到绘画上，帮助艺术家提炼和掌握线条的运用，在作品中展现出高质量的笔墨效果，使画面更加生动、富有表现力，传达出更多的能量和情绪。

【北京画院精品艺术课】直播回顾｜买鸿钧：从山水画的书写性到具体创作崇真艺客

买鸿钧《江山凝萃》

238×185cm 2024年

学生：书法中的用笔和线条技巧如何更好的应用到国画中？如何增强写意山水画的表现力和情感的传达？

买鸿钧：线条具有一种抽象美感，它所传递的不仅是视觉形态，更是一种力量、意境、韵味。要深刻理解和感受线条的这些特质，需要经过敏锐而专业的训练，才能培养出对线条美感的认知。

不同的个体因其性情的差异，对线条的理解和追求也会有所不同。一些人可能偏爱磅礴大气的线条，而另一些人则可能更倾向于宁静雅致的线条。至于如何将这些对线条的理解和追求具体应用到绘画创作中，这涉及到两个方面：首先，是个人的审美追求。艺术家根据自己的审美偏好和情感表达的需要，选择适合的线条风格。其次，还要考虑画作的具体需求。在书法训练的过程中，艺术家的风格往往已经形成，但具体的线条应用还需根据画作的主题、情感和氛围来决定。

书法用笔在绘画中的体现，并非指具体地描绘某棵树或用特定的笔法表现叶子，而是在塑造过程中自然流露的结果。这种流露源于艺术家平日里的书法训练和对线条的深入把握与认知。在绘画时，艺术家通过笔墨的运用，将这种训练和认知融入作品中。

例如，在画一棵树时，线条所展现的力度和质感，可能源自篆书或行书的笔法，但这种具体的笔法并不容易被明确区分。观者所能感受到的，是艺术家通过笔墨所传达的视觉和情感体验，以及可能蕴含的金石意味等。艺术家的笔墨训练，其内涵的丰富性和表现手法的多样性，都在画作中得到了呈现。

以八大山人的画为例，他的作品中常使用大面积的留白，仅用几根线条便勾勒出主体。这些线条在行走的过程中，并非单一的直线，而是包含了丰富的动作和变化，以及具有指向性的细节。尽管画面看似具象，但实际上是通过物象来表现艺术家的审美理念。通过这样的笔墨运用，艺术家展现了自己的艺术造诣和审美追求。

黄宾虹曾言“线无半寸直”，这实际上是在强调线条的变化。线条应具有提按、顿挫、干湿、浓淡等变化，以及笔断意连的效果，这些都是书法用笔在绘画中的重要体现。如画一棵树，艺术家通过落墨的过程，利用笔中所含墨的多少，来完美地呈现树的形象。这种表现不仅是对自然形态的表现，更是艺术家内心情感和审美理念的传达。

【北京画院精品艺术课】直播回顾｜买鸿钧：从山水画的书写性到具体创作崇真艺客

买鸿钧《云根》

240×123cm 2019年

学生：笔墨作为中国画的核心元素，尤其在文人画中占据着重要地位。在文人画中，我们应该如何理解和运用笔墨来表达作品的意境和情感？

买鸿钧：文人画特别强调笔墨的书写性，注重对书法线条的认识，通过笔墨直接表达内心情感，注重笔墨的单纯性，力求落笔即能成章，不进行过多的描摹。意境的捕捉和塑造，实际上在落笔的那一刻就已经存在。

意境的体现，是通过画家对笔墨的深刻认知和直观感受，一次性地表达，是通过画家的笔墨逐渐流露出来的，而不是被刻意塑造出来的。每个人的知识结构、审美角度和性格不同，因此他们在画作中所表达的意境也不同。中国绘画的魅力在于其个性化的风格。历代绘画大师作品的风格与他们的线条运用是一致的，这表明对线条的认知尤为重要。这种认知不应仅从绘画的造型角度出发，而应从线条本身的特性来理解。

每个人使用毛笔画出的线条都是不一样的，毛笔不一样、形态不一样，还有画家的年龄、精神状态、气候、光线等因素，都会影响线条的最终呈现，这就是中国绘画笔墨的魅力和感染力所在。对线条的认知，必须从书法中汲取，因为书法所体现的是一种抽象的有意味的美。能够代表中国艺术的就是书法，当我们缺失书法训练的时候，中国画的根就不存在了。

买鸿钧《九华烟雨》

200×500cm 2013年

学生：目前写意画或者说写意精神在国家级的大展中也有式微的现象，好的写意作品偏少，就此您如何看待？

买鸿钧：当书法不再被纳入艺术创作的日程时，中国画的精神，以及其独有的特点也随之消逝，更不必提所谓的写意精神。在当今，新型的人工智能技术替代了部分绘画工作，它能够进行塑造、反复修改，并运用多种手段完成画作。然而，这种技术所缺乏的正是艺术家所特有的情感和情绪。一旦书法不复存在，中国画的写意精神便难以为继。

我们作为从事中国绘画的艺术家和爱好者，有责任去维护和保留中国绘画的传统面貌。中国绘画是一种独立于西方绘画的表达形式，它蕴含着独特的东方美学和哲学精神。我们应当致力于保留、挖掘并完善和发展中国绘画的传统。

书写性是中国绘画的一大特色。随着时代的变迁，我们的知识结构、审美追求都与古人有所不同，因此，我们笔下的笔墨所流露出的自然韵味也必然与古人有所区别。

我们完全有信心，也有责任去追求、完善并发扬中国绘画特有的模式，尤其是中国的写意绘画。我们应乐观、勇敢地面对这一挑战，不断探索和创新，以期将中国绘画的传统艺术发扬光大。这不仅是我们的责任，也是我们对传统文化的尊重和传承。

买鸿钧《幽趣》

55×40cm 2021年

买鸿钧《雪窦寺》

40×55cm 2019年

学生：中国画不管是工笔还是没骨、小写意、大写意等，都是“写意”的。那写意精神在写意山水画中扮演着怎样的角色？它如何激发画家的内在冲动，促进绘画艺术的自由表现和情感抒发呢？

买鸿钧：在理解中国画的写意精神时，我们往往容易将其与笔触的大小或画作的工整程度等技法层面联系起来。其实，写意精神实际上是一个抽象的概念，它超越了技法的范畴。例如，中国画中的留白，看似空无一物，却能引发观者对天空、云海等意象的联想。这种留白并非无意义，而是通过周围元素的指向性，赋予了空白意义，体现了中国画中的“既白当黑”。

中国画的写意性还体现在对色彩和空间的巧妙运用上。在画面中特意留下的白色、黑色、红色或黄色等色块，并非代表具体的事物，而是基于画面整体的需要。这种处理方式以最简约的笔墨，激发观者无限的想象力，这正是写意精神的体现——通过物象传达情感和意境。

即使是工笔画，也蕴含着写意的成分。写意不仅是一种技法，更是一种画家心态和情感的流露，是通过有限的物象寄托无限的情思。“一切景语皆情语”，画作中的每一个元素，都是画家想要传递出的情绪。在中国画的创作中，无论采用何种表现手法，最终都要回归到情感的充分表达上。

【北京画院精品艺术课】直播回顾｜买鸿钧：从山水画的书写性到具体创作崇真艺客

买鸿钧《萨尔兹堡远眺》

85×190cm 2015年

学生：在创作一幅山水画作品时，我们经常要处理空间结构以及疏密、黑白、浓淡等对比关系，有更好的平衡和协调的方法吗？

买鸿钧：在完成绘画作品后，最后的调整阶段至关重要。艺术家需要根据画面的实际情况进行调整。如果画面过于湿润，可能需要在其中加入一些渴墨来充实和完善画面；反之，如果画面显得干燥或构图不够和谐，那么可能需要加入一些湿润的墨色来辅助，增加画面元素，使整体看起来更加协调。

在行笔过程中，艺术家需保持对笔墨的精准控制，无论笔速快慢，都要确保线条的动态能够安静下来，保持稳定。线条可以有抑扬顿挫的变化，但整体的气息必须保持流畅，不能出现停滞。宣纸的独特性质使得笔墨在其上呈现出不同的干湿和浓淡效果，每一根线条都有其独特的质感和表现力。

买鸿钧《铁烟撼山河》

198×292cm 2014年

学生：山水画在上色的过程中应该注意哪些方面？

买鸿钧：中国画在上色过程中，我们应避免将颜色调配得过于熟。颜色应保留一些自然的变化，稍微深一些。在染色时，不必追求面面俱到，而是要有所选择，要避开线条。我们常说“墨不碍色，色不碍墨”，墨色和颜色应相互衬托，而不是相互干扰，这样画面才会显得干净。

在淡墨的地方，颜色的使用要格外小心，颜色的浓度不应超过墨色，墨越淡，颜色越淡，以免破坏了墨线所勾勒出的轮廓和结构，要保住漂亮的笔墨。上色的目的不是为了上色本身，而是为了完善和升华整幅画作。

中国画上色讲“随类赋彩”，即根据画面的主题和意境来选择和搭配颜色，而不是追求现实中的色彩真实性。颜色的使用更多是为了传达画面的意境和情感，这也是写意精神的一种体现。

买鸿钧《江山溢彩》

200×400cm 2019年

学生：一件好的绘画作品应该具备哪些特质？

买鸿钧：好的艺术作品能够经受住时间的考验和观者的深入审视，通常具备“高大深”的特点。“高”意境高拔，不落俗套，达到了一种普通人难以企及的艺术境界。历代大师们的作品无一不体现了这些特质。“大”是指气象大，并不是单纯指其尺寸的庞大或笔触的粗犷。“深”则是指其意境的深邃，需要观者反复品味和思考，有文化含量和精神含量。优秀的艺术作品往往能够跨越时间和空间的限制，与不同背景的观者产生情感上的连接，提供持久的审美体验和精神启迪。