新氧艺O2art | 展览回顾 | 黄一山首个大型美术馆个展「室内的标点」
Huang Yishan, represented by O2art, His solo exhibition "Interior Punctuation" at Song Art Museum in Beijing. The exhibition is curated by Cui Cancan. Displays nearly a hundred works in various media, including paintings, manuscripts, and documentaries.
Huang Yishan’s solo exhibition, "Interior Punctuation", held from March 22 to June 1, 2025, attracted widespread attention. We would like to express our deepest gratitude and respect to all visitors, supporters, and participants from various fields for their interest and engagement.
「实验的图表」
和以往展览不同，我们以黄一山的创作步骤和实验性工作开篇。
相比轻易获得的“图像”，黄一山的工作方式在这个加速度的时代显得有些缓慢。无论作品的大小，都需要一个漫长的制作周期。时间和耐心的累积、缜密的计划、繁琐的工序、反复的试验在黄一山作品中有着重要的意义。
进门右手边的一排作品推进表，详细的介绍了这个繁琐的步骤，以及每一道工序的遍数与节点：从最初的念头进化成概念，再赋予视觉的形式，只能算起步的定稿；之后的制图方式，才轮番推演，在草图上标明尺寸、比例，细化每一处的数据，再用等大的硫酸纸过稿，多次修改后，才能确认人物的形态和线条走向；然后，才能调制各种需要的色谱，以试色卡的方式确定颜色，同时，要对涉及的材料，进行广泛的实验，进行大量的分组对比，确认体积、质感、密度与遍数，像是药理中的临床试验与盲选，几轮之后，才能得出一个接近的感受。
这个过程，类似于潘通色卡的原理、水泥标号的分类与板材工艺的拓扑。但这个最工业化、标准化的方式，却总以单纯、朴素、原始的手工劳作完成。我们不妨借此想象一下极简主义和工业化的关系，雷曼数十年重复着同一种工作，寻找白色的多样性；阿尔伯斯以大小色块为线索，找寻排列带来的无限变量。某些方面，黄一山的工作具有一致性，他们在目标上都尤为的肯定，总在极简的重复、繁琐的劳作中寻找意义。
这个像是实验室或是工坊的空间，成为黄一山绘画研发的一个平台。但和科研室不同，它并非只是为了获得一个的结果，而是不断的反复试错，例如一个画架的各种组合和拆解方式，白色色块组合的不同类型，来寻找更多意想不到的可能。这个试错的过程中会产生大量的偏差与废料，我们可以将其理解为“歧路”。但这些歧路并不会作为杂质被清除，而是等待着一个机缘，进入一个全新的结构关系。
于是，在这个意义上，这个展厅所展示是整场展览的基础构件与根本性元素，它先于形式与图像，成为理解和进入黄一山作品的必经之路。
板上综合材料,油彩
Mixed media, oil on board
90×65cm 2015
「南方楼宇」
为什么黄一山总是偏爱瓷砖与复合空间？这个展厅是关于黄一山作品中现实主义部分的描述，它在艺术史之外，为我们呈现了作品中材料、质地、结构与空间的来源，潜移默化的现实感受。
黄一山的很多灵感来自于他生活的周边，如果你去过黄一山工作室，你一定会被附近的建筑所吸引，也会一路看到各种材料：瓷砖、水泥，水磨石和各式临时结构。在拥挤的广州城中村，那些开窗即可握手的楼间距，曲折狭窄如迷宫的深巷小道，有着极为特殊的空间感受。《握手楼》便是来源于这种现实，它们遵守着城中村的空间生存法则，如何在有限的空间里，搭建出更多的空间、功能与实用价值。
但在这里，即便是最野生的结构，也总是用各色瓷砖装饰。某种意义上，它和南美七彩的房子一样，寄托了人们对于整洁、崭新与美学的理解。瓷砖与广东的地理还有着特殊的联系，多雨和潮湿的天气，城市化和制造业的普及，使得广东既是瓷砖加工的产地，又是瓷砖最广泛应用的地区。
夜晚，你从工作室走出，驻足一个阳台（这里只是另一个没加盖房子的屋顶），你能看到郊外与城市叠合的风景，那些标准化、网格化的小区，我们暂且用建筑学的概念来称呼它们：塔楼、板楼、公寓、商住两用。在这些冷漠、硬边的空间变量之中，上演着千差万别的故事。
《楼宇》中不同的窗口，成为一个个舞台，仿佛希区柯克的悬疑电影《后窗》，显露出的一个个惊奇的心理片段，它勾起人们的好奇，暗合了窥视作为每个人都有的一种心理本能和内心潜意识的需要。而这种心理本质上来自于现代城市，它不是万家灯火和七十二房客的温情与亲近，而是城市中的即逝的时间与陌生的距离，一种属于城市的特有的谬误：那些40年间崛起的现代城市、城中村、郊野的夜晚，不断地定义着人们的生活和对空间的感受。
楼宇-2 Building-2
220×126cm 2022
「绘画中的镜子」
在这个展览中我们展出了黄一山近期与镜子有关的作品，以接近艺术家创作中多层空间、多种视点和多重叙事的奥秘。
在展览的进门处，我们借用两张有着互文关系的小尺寸画作，来提示接下来发生的叙事。一张名为《双橘》的作品，忠实的折射了橘子的存在。而另一边，三颗橘子却折射出诸多镜像，情节变得有些悬疑，也因此有了故事的意味，画家命名它为《三生万物》。
故事的转折，不仅在镜子中发生，也在空间中变化。《盘切》呈现了故事如何在空间的距离和遮蔽中流转。这张画让我想起另一则故事，据说马格里特总是在两个空间之间作画，例如厨房和客厅门框下，这也造就了他空间中的错置感和超现实的色彩。错置感同样存在于另一幅名为《苦恼者》的作品中，它和黄一山早期《绕圈的人》有着另一种呼应：苦恼的形象反复地叠加，仿佛镜子里各个时期的自己，那个主人公永远走不出苦恼的围城。这一刻镜子提供不了答案，映衬了不可解的迷思。
走进现实和走进镜子，成为这个展厅中截然不同的两种方向，也因此这个展厅中作品具有了某种超现实的意味。这种意味来自于艺术家借用镜子开始的哲思，镜中人对自我的审视：我与自我的关系，他者对于自我的凝视，或是镜子对自我的急剧，那些镜中无限重复的空间，犹如盗梦空间一般的谜梦。
或者，我们可以将“镜子”替换成“绘画”，来回述镜子在绘画中的历史：从古典绘画中镜面作为透视的灭点，或作为自恋的象征；到镜面提供的客观的视角，或是与之相反，作为视觉假象的“维纳斯效应”；再到《宫娥图》里画家的位置，对主客体关系的揭示，马格里特给出答案，镜子只是提供了虚假表象，眼见却不一定为实。
黄一山所关注的绘画的历史，关注绘画如何作为一个媒介再现或是表现世界。他借用画中的镜子将我们引向绘画与现实之间的奥秘，通过重新设置观看的路径，进而重塑观者、绘画、现实之间的关系。在这个关系之中，绘画不再是反映真理，或是提供答案，而是建立一种认知的路径。
会议 Conference
120X95cm 2024
「画中画」
如果说镜子是折射世界的工具，那么绘画则是重建世界的模型。
“画中画”是黄一山最为代表的系列之一。在这个展厅中，我们展出了画中画的肖像系列。画作之间的跨度有6年之久，它几乎是艺术家每年都会重复的主题。这些画中涉及的人物，有着数百年历史，创作于15世纪的蒙娜丽莎，藏于德国旧国家画廊的女性肖像，或是中国油画先驱李铁夫的未完成的画作。
这些不同的历史与典故，在黄一山的画中演变成全新的故事。有时，他的态度是戏谑的，给以神秘著称的蒙娜丽莎的脸上，画上一团更莫名其妙的线条；有时，他又给过去的剧本赋予当下的情景，让波提切利的男子肖像比个心，给19世纪的少女肖像脸上加上时髦而又朋克的酒窝钉；有时，它又和艺术家对历史的想象有关，例如他为毕加索虚构了一张“毕加索风格”的自画像，或是极其严肃、尽其所能的去完成一张李铁夫的未完成的肖像。这样的选择，也意味着更多的深意，从油画百年前进入广州，之后所经历的变革，到如今这位80后艺术家接下这份时空相隔的愿望。
每个画家心中都有一座自己的美术馆，这其中珍藏着不同时期的名作，也构成了画家自己的线索。“画中画”显露着画家最初的启蒙，个人的偏爱，名作赏于的激情与目标，它们作为真理与标准，遗憾与厌恶，始终纠缠和影响着艺术家的创作与实践。
黄一山的“画中画”，亦是“故事中的故事”，它们之间几经流转，跨越时空，历史的经验在这里变的既熟悉又陌生。然而，导致故事变化的不仅有情节，也有形式。这些具象的故事总是在一个抽象的情境中出现，一个不知所踪的房间，或是一面简单而又纯色的墙面。因此，整个画面具有了强烈的抽象绘画和极简主义的色彩，蓝色的墙面、木质的画框、繁复的地面，既是形式，也是内容。某些时候，它们甚至超越图像，成为有着体积的物，介于实物、雕塑与图像之间。
235×170cm 2021
「故事的群像」
和之前的“画中画”相比，故事的群像更像是它的升级，它为我们展示了黄一山作品中所隐含的社会立场。
黄一山的故事总是荒谬的，这种荒谬来自于他将严肃、正统的画中故事，以另一种方式进行重新排演。画中的人物总是在极其认真地做一件荒诞的事情。例如《搬沙发》，工作人员在小心翼翼的搬运一张名作穿过门框时，却被意外的挤压出颜料。这个幽默而又讽刺的场景，仿佛回应了弗洛伊德画中的标志：模特堆积的脂肪和厚厚的笔触中粗粝的物质感。
“荒谬”同样来自于对画中精神和道德的解构，米勒画中的拾穗者，原本沉重的土地、黄昏的晚钟，在《拾穗》中被替换成工厂里的玻璃盒子，劳动的动作仍被保留，只是作物变成了“血汗”的产物，劳动的含义从土地的歌颂，转译为现代工业的剥削。
故事的群像，也意味着多重时空在同一画面中的结合。黄一山将那些艺术史中的典故化作故事的索引，例如以博伊斯的灰色为背景，替博伊斯完成一张抱着兔子的油画肖像；虚构一张与巴尔蒂斯风格相似的女性作品，放在巴尔蒂斯描绘的室内场景之中。
最新创作的《库尔贝的画室》，成为故事的群像最好的隐喻。画中的故事被改编了多次，首先，原作中恢弘的场景被剪切成几个局部，其次，模特与库尔贝调换了时空，画家也成为自己画作中的画中人。然而，戏剧化的一幕又接连发生，这张改编后的画作被倾斜地放在一个展厅一角，旁边一个像是极简雕塑的长方块再次分割了我们的目光。画的左边，仿佛站立的观者提示了绘画与画家、观者之间关系，右边一个看手机的人，又提示我们画外世界的存在，时空再次引向当下这个虚拟现实的时代。
简言之，故事的群像与镜子系列构成了黄一山创作中的双层语法。它们从一个再现的故事开始，进入画中画，影中影，故事中的故事。在这些故事里，黄一山不断的引申、评论、创造，以让绘画可以超越时间与空间的边界，成为超越现实与当下的永恒之思。
在这个展厅中，我们展出了黄一山更为早期的雕塑系列。与金色系列不同，它们往往取材自更为传统的古典雕塑，制作的工艺也更为复杂，涵盖瓷砖、水泥、石膏、板材、木线条、水磨石、大理石等各式仿制材料。
丰富的材料，意味着更为繁琐的工序和漫长的时间。那么，这些缓慢，持续而又专注的技艺，这些现代主义所放弃的“匠人”工作，对于黄一山又有什么样的含义？为什么艺术家会坚守这个古老、低产、甚至有些刻板与强迫的立场？
或许是，大学时就读广州美院古典与写实工作室的缘故，黄一山对“技艺”有着截然不同的理解。和19世纪之后普遍开始的浪漫主义和超现实情节不同，他延续了在此之前古典写实主义最重要的传统，一个求知与表现共存的传统：通过对真实的事物描绘，来揭示那些在日常世界中的内在精神，用科学研究的方法来表现生命世界的玄秘。
为了接近这些物的内在精神，黄一山对技艺有着近于狂热的偏爱。也因此，他和多数艺术家沿着绘画性，将“技艺”看作是限制自由表达的障碍不同。他将已经被缩小到只剩成品颜料和画笔的绘画技能，重新拉回到从岩彩、蛋彩和湿壁画开始的绘制传统，重拾那些古典绘画和雕塑、建筑、科学工程中更为公共性的关系。
我想，这便是摆脱机械复制时代的另一种“技艺”的灵光，也因此，他的作品站在了“图像学”的反面，他对物质性的强调，确保了原作与实物的品质，色彩节制而又雍容，质感沉积而又斑驳，一种接近于自然与时间之物的属性。于是，照片、印刷、电子屏幕对他作品的耗费，便是他的作品在这个时代的另一种意义。这个“灵光”由于需要精准而又反复的制作，也让黄一山保持了某种的理性，它不会因为临时起意而“跑题”，也拒绝“抒情性”的过于泛滥。他必须更为虔诚的等待，吃力的磨练着手艺，一遍不行，再来一遍，在反复的研磨和踌躇中，相信一个持之以恒的结果。
「材料与叙事」
和前几个单元对题材的关注不同，这个展厅更关注黄一山作品中材料与叙事的关系。
展厅中的作品亦是黄一山全新的雕塑系列，它起源于2021年将拉奥孔“缠绕的蛇”以形式主义的方式进行简化的作品，它预示着黄一山从对古典塑造的关注，转向更为形式感的现代主义。这个单元里作品亦取材于现代主义的名作，马蒂斯的一张画，或是贾科梅蒂的造型方式。也因为现代主义与工业化的紧密联系，材料、表面、线条、节奏与叙事的关系，成为这批作品关注的中心。
和古典主义不同，罗丹的出现标志着一件雕塑的表面不再是模仿人的皮肤，而是赋予手感、痕迹、表现的张力，也由此对材料、结构的追求成为目的之一。直到布朗库西的出现，雕塑才不再是自然与现实的影子，真正的成为一件独立存在的物体。某些时候，黄一山的绘画似乎遵从了现代雕塑的原则，它既绘制了一个图像，又创造了一个实实在在的“物”。这个物有着它向内的属性，它的材料、构成、薄厚、肌理，也有着它向外的关系，金属、水泥、瓷砖的社会属性。
或许是金色与银色的缘故，这些“物”相比黄一山之前的作品，越发脱离颜料和绘画性的属性，有着更为强烈、甚至带有侵略性的质感。它们经历反复的堆积、塑造、打磨与抛光，更为接近工业成品的感受。然而，背景中的瓷砖、水泥，在这种强烈的对比下，却丝毫不逊色。尤其在画作《盲人引路》中，金色的线条、白色的瓷砖、灰色的地面，既是形式的语言，又是唯一的内容，它们无需借助象征，便完成了自身的叙事。在这个意义上，“材料”便是那根引路与连接的拐杖。
或者说，这些全新的作品再次强化了黄一山进行“装修”的意图，过去隐在背后的工艺，彻底的走向前台。他所做的便是让叙事让位于材料，以模糊工艺与主题、劳动与绘画性之间的关系，重新定义我们对绘画语言的理解。
镀钛不锈钢板、烤漆
Titanium-plated stainless steel plate, baked enamel
180×135cm 2025
镀钛不锈钢板、烤漆
Titanium-plated stainless steel plate, baked enamel
180×135cm 2025
「自我的隐喻」
在展览的结尾处，我们以“自画像”的方式，回述了黄一山创作路径中的不同切片。
2012年创作的《广东青年》成为整场展览的起点，它标识着艺术家的过去，画家关于自我成长的隐喻。画中的几个元素，分别指向黄一山少年时不同的艺术启蒙，一个广东地区特有的石膏像“广东青年”，讲述了地域性和艺术对黄一山最初的影响。画中的瓷砖，标记了艺术家在故乡潮汕，建立的对结构、形状和材料的起初认识，而那些瓷砖间用篆刻刀刻下的缝隙，得益于父亲从小教授篆刻时留下的烙印。
2022年，《绕圈的人-3》改编自数年前的一张同名作品。那时，黄一山还在读研究生，却有着和同辈人截然不同的烦恼。他似乎对单纯的再现或是表现没有太多兴趣，他更感兴趣是对于绘画作为媒介的研究与分析：如何表达物象？物象是如何被绘画达成的？是否存在一个真实的自我？绘画是客观的，还是一种虚拟、制幻的手段？很多问题困扰着画中很多的他。而那张挂在高处的梵高的画作，监狱里四处的封闭的高墙，成为彼时黄一山的另一种写照。
最新的《雄辩》也就刚刚结束，成为展览的最后一件作品，它似乎为我们揭示了艺术家如今的状态。和数年前原地绕圈的人相比，黄一山有了更多的方向，人物也被赋予更多的社会性。人群的中心多了一张画作，周围围着各式各样的自我，仿佛雄辩着对于作品的不同看法，互相指出可能面对的缺陷，以及未来创作的可能。然而，和过去圆圈的紧张关系相比，《雄辩》中自我之间的关系好像更为松散，站位与距离，却更加肯定。只是，自我的隐喻越发复杂，我们有些困惑，是周围的人是他？还是屹立中间的画是他？
绕圈的人-3 The Circling Men-3
230×168cm 2022-2023
「乡间的音乐」
你来坐在这棵童童的松树下，
西风吹动那密叶会簌簌作响，
就在这潺潺的小溪旁，
我的七弦琴会催你合上眼皮，进入睡乡。
－柏拉图
170x130cm 2024
「室内的标点」展览对谈
"Interior Punctuation" Exhibition Talk
对谈嘉宾从左至右：崔灿灿、朱朱、张嘉荣、黄一山
Exploring the Art Museum at Night
Public Education Program"Interior Punctuation"
「关于艺术家 About Artist」
「关于策展人 About Curator」
崔灿灿， 策展人，写作者。
Cui Cancan, a curator and writer.
「关于松美术馆 About Song Art Museum」
「特别鸣谢 Acknowledgments 」
本次展览墙面涂料由立邦中国提供。自1992年进入中国以来，立邦以“刷新美好生活空间”为企业使命， 不断探索与开发更适合中国市场与消费者的色彩、产品与服务，助力实现消费者对美好生活的向往。
让茶公司创立于2020年，是一家专注无糖茶饮料的茶 快消品品牌，致力为消费者提供自然、健康、方便、好喝的茶饮料产品。让茶，即“请你来喝茶”，以 “茶”为载体，让中国传统礼仪文化以及精致茶饮生 活方式，在年轻族群中，焕发现代风貌，高山好茶喝让茶，让茶陪你每一天！
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