驻留专题1 | 枝桠间：2024-2025四川美术学院青年艺术家驻留计划终期汇报展

蔡鑫溟《xinran》虚拟环境 尺寸不限 无限循环 2025

（以下Q为：采访者 四川美术学院雕塑新媒介工作室本科生盛铭鼎，A为：艺术家 蔡鑫溟）

Q：你在3D建模和视频创作中是如何平衡“技术操作”与“艺术表达”的？有没有什么瞬间让你觉得技术本身也能成为叙事的一部分？

A：个人的艺术创作无论是表达内心情感还是展现一种新的观看世界的方式都需要高度浓缩简化、完全个人化的技术操作。这种技术操作不需要参考也不需要证明，是一种零添加的纯自我表达。有了这个独特的机制系统之后就可以千变万化地进行创作。简单来说就是勇于面对真实的自己。

Q：你的作品中经常呈现宏大的空间感，比如宇宙、能量流动等，这种视觉结构是先从概念出发构建的，还是更像是在制作中“摸索”出来的？

A：我的作品是在制作中浮现出明确概念的。一般我会有一个想法：像是一张脸，一个颜色或者一个场景。然后我花大量的时间和这个想法相处，就像是画一个个笔触一样。当这个想法越来越清晰之后就是去高度浓缩和增强这个概念。

胡力文 《壹异绎轶》 实验影像 6分钟 2025

（以下Q为：采访者 四川美术学院雕塑新媒介工作室本科生盛铭鼎，A为：艺术家 胡力文）

Q：在创作AI艺术作品时，你会如何区分“人的主观意志”与“算法的随机性”？

A：我认为两者是相辅相成的，不能分开而论。我的作品也在讨论人与AI的关系。算法是随机的，但它也是由数据集构成的，而数据集究其源头也离不开人为因素。所以我认为没有必要去刻意区分，两者本身就是一种共存、博弈、相生的关系，1+1构成无限想象。

Q：你在创作中是如何处理“创作者是谁”这个问题的？当作品由AI部分生成时，你认为人类艺术家的责任和边界该如何界定？

A：我是借用AI去讨论作品的主题，AI是我与作品之间的媒介，我会很明确自己与AI在创作中的角色与关系，这样就不会模糊创作者身份。内容是由AI生成的，但主题是人设想的，人类需要对AI生成的内容进行筛选和修正并加以合理规训。

Q：在长期使用人工智能创作的过程中，你是否也在被它改变？比如你的思维方式或对作品控制感？

A：与其说被改变，我认为更多时候是我选择改变。在以往的创作中，我是在与自己对话；当我了解AI之后，我会尝试与AI进行对话，在这个过程中，我能以他者的角度去观察和理解我的作品。AI的想象是无限的，但它也确实存在一定的不可控性，所以我的思维就需要更深入、更明确，才能掌握创作的话语权。

鲁林峰 《地铁上的波德莱尔》 影像静帧，文本，单频影像，4K，彩色，立体声，3分11秒 2024

（以下Q为：采访者 四川美术学院雕塑新媒介工作室本科生盛铭鼎，A为：艺术家 鲁林峰）

Q：你的作品常带有诗意的语言结构，你是如何将这些抽象意象转化为视觉空间的？

A：我的作品往往都是聚焦于城市公共空间，通过跨媒介的方式介入到具体的空间情境中。会将诗意的视觉与听觉呈现在影像、雕塑与绘画作品中。在制作的过程中，会深究媒介与空间的结合是否巧妙，能否准确回应空间情境，以及最终呈现的视觉是否具有诗意。

Q：相比传统雕塑或绘画，你为何选择“空间介入”的方式作为你的创作手段？

A：准确地来说是温和的“干预”，适当地回归“童真”。这种创作路径能够突破传统媒介的视听体验，甚至能直接回应空间中的具体情境，作用于在地的群体。

Q：您提到过会持续关注于空间的结构转型，对城市以及边缘地带等社会问题的思考，在你长期关注城市结构转型与边缘地带问题的创作中，是否有哪一类“被忽视的空间”让你反复回望？你认为这些空间反映出怎样的社会心理或时代痕迹？

A：不是“被忽视的空间”，而是一种被忽略的视角。比如说：在城市边界处，那些空旷的自然空间中突然耸立起两座高层建筑，平缓的地面突然被“纵向的”与“充满不确定性”的竖线打破，构成了城市空间中的一幅超现实的幻象。面对这样的景象，我们就可以想象增加一个图层，作出有趣的回应。

关于城市空间的结构转型，在这次展出的影像作品《诗学空间的构建》中，我展示了以身体作为媒介感受空间中所存有的诗意这一思路。并对空间中所出现的元素作出思考，其中包含：历史碎片、人物、空旷的物理空间、特定的历史节点等元素。当我把这种思路告诉观众时，或许每个人都能构建出属于自己的诗学空间。

乔木 《哭长城》 电热水壶、pvc 膜布、投影 

400×250×300cm 2025 

（以下Q为：采访者 四川美术学院雕塑新媒介工作室本科生盛铭鼎，A为：艺术家 乔木）

Q：在收集声音或语言资料时，你是否经历过某些“记忆闪回”般的瞬间？

A：通常会发生这样的情况，因为往往声音和语言它是保持着我们的生存体验，“风”“雷”“河流”“田野”等首先并非是认识的对象，而是作为“与我们的生存的一种关联，表示着它们在我们的生存中的意义”。所以对于本次驻留的作品创作来说，我正是使用了声音来唤起记忆的功能，我把孟姜女的哭声和水壶烧开的呜咽声联系，使孟姜女的形象不止局限于传说故事，而是一个具体可感的、贴近生活的女性形象。

Q：你会更倾向于“记录真实”还是“重构真实”？在声音的创作里这两者如何交错？

A：我不认为这两者是冲突的，因为往往你需要先记录，才能获得真实，然后进行艺术化的处理。并且寻根究底，从中国古代的诗言志开始我们就有志述的传统，这在古希腊是记录神迹。而对社会调查中的资料进行选择、编辑，往往是为了打开能指和所指之间的张力，通过在词语间构建某种结构，打开符号的意蕴和词趣，使这些词语成为象意的传达，由此将我们共同的生存场、生存体验转换成读者想象世界的意境。

Q：在《哭长城》中，您通过一系列装置制造出一种充满隐喻的“哭声场域”。请问您是如何将“孟姜女哭长城”的文化意象转化为如今这种听觉与装置并重的表达方式？在这个过程中，材料的选择对您来说意味着什么？

A：这样的呈现方式，首先一个是来自我一直以来在中央美术学院社会性艺术工作室所接受的对于装置艺术、物体剧场的学习，我会比较擅长于使用现成品来对某些灵感进行加工。第二，也是最重要的，在创作中，困扰我们的问题往往是这些生活物品所蕴含的真实的人的生命经验，如何通过最简单和直接的方式与观众发生关联。而在孟姜女哭长城的作品中，最重要的仿佛人们总想起的是她凄凄惨惨戚戚姿态，但是如果更生动去想象他我们会发现根本不能忽略声音。在通过不同的声音材料，包括在长城上进行各种风动发声乐器的尝试后，我发现这样的声音往往是高雅艺术，演奏或者说是旋律，而非贴近生活的那层真。

很多艺术家在使用生活中的日常物品比如锅碗瓢盆来敲击奏乐，而我更想寻找一种天然的不需要我施力，而是一个被动的身份发声的物品，就像是孟姜女一样。

张恺麟《E-Community 2.0》铅、投影影像 尺寸可变 2025

（以下Q为：采访者 四川美术学院雕塑新媒介工作室本科生盛铭鼎，A为：艺术家 张恺麟）

Q：你在构建交互影像装置时，观众的“行为”是否会改变你对作品的定义？

A：在我的互动作品中，观众的反馈是创作的一部分。我会根据反应调整作品内容，例如曾有观众在展览中使用手电筒照射装置，看到影像变化后，有人提出这像是在“偷窥”他人生活，关联到隐私议题。这种解读虽不在我最初设想中，却拓展了作品的理解维度。对我来说，作品的完成不仅是创作者的表达，更依赖观众的参与和补充。虽然我认可观众的反馈对作品有价值，但是否将其纳入作品的核心意义，还需要进一步反思与判断。

Q：你在构建沉浸式叙事时，如何让观众的行为真正“参与”到故事中？

A：以我的作品《Tian Di Xuan Huang》为例，它是一件沉浸式体验空间。将观众置于一个超过一百平方米的空间中，让观众真正“进入”作品，产生被包围的感受。我在五个面投射了相互关联的内容，结合观众行为的变化，画面也会实时变化。这种视听与行为高度关联的设计，能有效地吸引观众注意力，增强他们的沉浸感与参与度。

Q：新兴技术在你的创作中，是服务叙事结构，还是它本身就成为叙事的一部分？

A：我认为技术需要服务于内容和形式的。因为技术无法脱离内容语境单独构成有效表达，但技术却可以辅助叙事，甚至有些时候一个作品的创新程度，一定程度上也依赖于新兴技术的使用。我更关注的是技术如何与作品主题和结构有机结合——它是一种媒介，协助表达观念，而不是自成逻辑的叙事主体。

Q：回顾你在川美与英国皇家艺术学院的创作路径，有哪些阶段性转变对你特别关键？

A：在我看来，我的两段求学经历并不存在阶段性的转变，我认为它是一个阶段之后在另一个阶段上的延续。我在川美的时候更看重的是对基础能力的学习或者对整个知识体系框架的构建以及对叙事的初步理解。而在皇艺的Digital Direction专业更注重的是探索如何用新的媒介平台和技术手段拓展叙事的边界。我觉得这并不是某种转折，而是延续与深化。

张世杰 《That Place 》 金属、油漆等 306×320cm 2025

（以下Q为：采访者 四川美术学院雕塑新媒介工作室本科生盛铭鼎，A为：艺术家 张世杰）

Q：为什么对历史片段感兴趣？你在处理历史片段时，会倾向于“精确还原”还是“模糊拼贴”？

A：我对历史片段的兴趣源于童年的观看经验，小时候经常接触到一些年代感很强的电视节目、纪录片和时事新闻，这些内容让我产生了一种“历史就在身边发生”的直观感受，也奠定了我对历史的情感基础。那种特定时代的视觉和语境形成了强烈的记忆，因此影响至今。我个人更倾向拼贴的方式，它可以带来更多探索性的可能，而精准还原更像是一种记录性的进程，对我来说局限性较大。

Q：你在处理历史材料时，如何捕捉那种“看不见但始终存在”的推动与阻力？这种隐秘的联结，是你通过逻辑推演得出的，还是更像一种直觉式的体感？

A：这其实涉及到我创作灵感的来源，对我来说，它是一种体感式的体验，更像是一种直觉反应，我通常会先感受到一些无法完全言说的东西，然后再在这个基础上去推演、建立一些逻辑结构。

Q：你的作品涉及具体历史事件吗？你如何通过装置构建时间与空间的关系，并让观众与作品产生连结？

A：我的这个作品是关于第一只太空狗“莱卡”，它能引发我对时代处境的思考。它能引发我对时代、命运的思考。莱卡的故事给了我怀念过去的“味道”，但更多是对命运的感慨，我并不是借此去批判某种已经发生的历史，而是想表达一种处于时代中的处境感。装置不同于雕塑，它更多是一种空间性的构建。我常将装置视作展览中的子系统，各个部件互有关联，也有可能通过变化进行一定程度的再创作。我不想将作品置于任何一个历史情境里，而是把历史看作一个创作的组成部分。这样可以免除过强的观点导向和情绪控制，给作品更大的自由度。这种做法也让我逐渐更倾向于形式的探索，试图通过形式构建出更有表现力和开放性的观看体验。