和影像上海艺博会，打卡伦敦影像艺术展

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伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆正在呈现“美国摄影”（American Photographs）。本次展览以1938年沃克·埃文斯（Walker Evans）出版的同名经典摄影集为灵感，探讨摄影如何记录并塑造美国社会与文化。

“美国摄影”展示了博物馆丰富的北美摄影藏品——这是美国以外最大的摄影收藏之一——呈现美国摄影传统的广度与多样性，同时凸显影像创作在美国社会生活中的核心作用。

此次展览涵盖多个时期和风格的摄影作品，呈现社会变迁、文化流动与个人视角的交织。其中还特别展出了南·戈尔丁（Nan Goldin）和埃德·鲁沙（Ed Ruscha）的代表作品，为观众提供多元视角，深入感受美国摄影的历史与当代影响力。该展览不仅是对经典摄影的回顾，也为公众提供了理解影像如何塑造和反映社会的重要窗口。

作为全球最具影响力的摄影与可持续发展奖项之一，Prix Pictet今年以“风暴（Storm）”为主题，聚焦摄影艺术如何回应气候变化、自然灾害与社会动荡等全球性议题，意在引发人们对当下世界日益加剧的不稳定性的思考——一个始终处于下一场危机边缘的时代。

展览集中呈现了12位入围摄影师的代表作品，其中包括卡米尔·希曼（Camille Seaman）、阿尔弗雷多·贾尔（Alfredo Jaar）、贝拉尔·哈立德（Belal Khaled）等来自世界各地的知名艺术家。

塞西尔·比顿（Cecil Beaton）被誉为“《Vogue》之王”，是20世纪英美创意界的一股非凡力量。作为时尚插画师、奥斯卡获奖服装设计师、社交讽刺画家和作家，比顿将时尚与人物摄影提升到了艺术的高度。

首个专门聚焦比顿在时尚与肖像摄影领域的开创性贡献的展览“Cecil Beaton’s Fashionable World”呈现了他艺术生涯中最辉煌的时刻——从爵士年代与“光辉青年”群体，到五十年代高定时装的璀璨，以及凭借《窈窕淑女》（My Fair Lady）赢得奥斯卡的辉煌成功。无论是在伦敦、巴黎、纽约还是好莱坞，比顿用镜头定格了战间期与战后早期的美丽、魅力与明星光环。

本次展览共展出逾200件作品，包括摄影、信件、肖像速写、时尚插画与服装设计等，呈现了20世纪最具代表性的人物肖像：玛丽莲·梦露（Marilyn Monroe）、奥黛丽·赫本（Audrey Hepburn）、伊丽莎白·泰勒（Elizabeth Taylor）、马龙·白兰度（Marlon Brando）、伊丽莎白二世女王（Queen Elizabeth II）与玛格丽特公主（Princess Margaret），以及艺术家卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud）、弗朗西斯·培根（Francis Bacon）与萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）等。

荷兰艺术家保罗·库皮多（Paul Cupido）在摄影师美术馆（The Photographers’ Gallery）的第二场个展，以日本成语“花鸟风月”（Kachō Fūgetsu）为灵感，意指“花、鸟、风、月”。这一语汇根植于日本美学，表达了“通过观察自然界稍纵即逝的美，人类得以更深地理解自我”的思想。

受其在日本旅行经历与日本摄影视觉语言的影响，库皮多的作品拥抱无常与情感的共鸣。

从木曾谷短暂盛放的樱花，到冲绳亚热带的自然风光，库皮多的影像如一场关于时间与感知的视觉冥想，邀请观者放慢脚步，思考自然在坚韧与脆弱之间的微妙平衡。

自1978年起，67岁的佐菲娅·里代特（Zofia Rydet，1911–1997）便开始了她几乎不可能完成的使命——拍摄波兰境内的每一个家庭。她常常未经通知，走到某户人家门前，敲门、微笑问候，并邀请他们参与她的影像计划。

里代特总是带着相机在路上。近三十年间，她拍摄了无数普通人居住的屋内景象、静物、建筑外观与乡村风景。她还多次重访同一户人家，以记录时间流逝下的社会与空间变迁。最终形成的作品《社会学档案》（Sociological Record），被誉为20世纪波兰摄影史上最重要的成就之一。

尽管这项计划的规模庞大，但每一幅肖像都流露出细腻与真诚的亲密感。她倾注了数十年的心血，直至1997年去世前都未曾停下。整个系列共包含近两万张底片，其中仅有一小部分在她生前被冲印。此次摄影师美术馆（The Photographers’ Gallery）将展出逾100张珍贵印刷作品，配合书信与出版物，重现这位波兰传奇摄影师的影像宇宙。

当前，YDP 迎来了首位驻地艺术家Harit Srikhao（哈里特·斯里考）。

哈里特是一位视觉艺术家，他的创作聚焦于影像创作中隐含的关系结构。他的实践探讨摄影的两难处境——既是被摄主体，又是操控镜头的主体，在“被观看”与“观看”的二元之间不断切换。对他而言，摄影是一种装置，用以回应人类理解的延迟——一种与世界关系的反思与自我定位的方式。他的作品既包括真实瞬间的摄影日记，也包含精心布置的虚构场景，现实与虚构在其中交织。

在 YDP 驻地期间，哈里特将进一步展开关于戏剧性叙事及玩偶、木偶与提线偶的文化史研究。他计划与本地创作者合作，创作一组全新作品，将虚构叙事与 2018 年“泰国塔姆鲁昂洞穴救援”事件相融合，在梦幻般的内心与现实景观之间穿行。驻地期间，他将展出手稿与研究资料，并举办一次带有表演性质的影像放映，回顾过往作品。项目将于 11 月的开放工作室（Open Studio）活动中收尾，届时艺术家将与公众分享研究与创作进展。

White Cube Mason’s Yard 将呈现德国艺术家 Andreas Gursky（安德烈亚斯·古尔斯基） 的全新个展，继续探索他对音乐的兴趣与对当代文化的深度观察。

在与一位英国知名音乐人长期合作期间，古尔斯基获准在现场演出中独家登台拍摄，由此创作出一幅全新影像作品——既是一份关于青年文化的当代记录，也是一场关于全球明星现象的视觉陈述。

展览同时展出艺术家《chrono capsules》系列的两件新作。在这一持续进行的项目中，古尔斯基重返早期摄影的拍摄地点，借助数字影像技术的进步，再次记录并重新诠释时间的流逝与场所的变迁。在新作《Aletsch Glacier》中他以震撼的视觉方式揭示了气候变化所带来的影响：冰川的面积明显缩减。该冰川位于瑞士阿尔卑斯山，最初拍摄于 1993 年。

展览中的另一幅新作拍摄于一家德国钢铁制造厂。它指向更广泛的系统性转型与危机背景：产能过剩、低价进口涌入，以及向环保型钢铁生产的转型——这些问题正对全球工业体系带来前所未有的挑战。

Saatchi Yates正在展出著名观念艺术家玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramovi?） 的大型个展。此次具有里程碑意义的展览以全新方式再现艺术家两部标志性影像表演作品——《Blue Period》与《Red Period》，并将其从动态视频转化为由 1,200 幅独立摄影定格组成的影像序列。

正如毕加索的“蓝色时期”和马蒂斯的“红色时期”象征着艺术家创作阶段的转折，阿布拉莫维奇的这两部作品同样探讨了人类情感的极端状态、身体耐力的边界，以及色彩的象征力量。展览为观众提供了难得的机会——每一张独立影像都可单独收藏。

这两件作品最初属于她的重要装置系列 《Video Portrait Gallery(1975–2002）》，曾先后于伯尔尼美术馆（Kunstmuseum Bern）和塔斯马尼亚旧与新艺术博物馆（MONA, 2015）展出。此次在 Saatchi Yates 的呈现，使这些影像作品得以彻底重生——展厅墙面被成千上百张定格画面覆盖，邀请观众逐帧驻足，重新体验阿布拉莫维奇最私密、最具张力的表演之一，在静止与凝视中构建出一部关于“强度”的视觉档案。

Huxley-Parlour画廊正在展出摄影艺术家大卫·本杰明·谢瑞（David Benjamin Sherry）的全新个展。“The Waves”是画廊与艺术家合作的第二次展览，呈现了这位艺术家去年在南极拍摄的八幅大型摄影作品。

在这一系列作品中，谢瑞通过镜头探索全新的自然景观与极端环境挑战，使作品既成为他艺术生涯的延续，也是一场回归。对他而言，“The Waves”不仅是对其一贯关注的“环境变化与自然保护”主题的再确认，也是他在南极这片极地风景中发掘出新叙事。

Flowers Gallery正在呈现伦敦知名摄影师、艺术家及导演纳达夫·坎德（Nadav Kander）的个展“After Dark”。本次展览汇集了坎德的三个重要系列作品，展出了他最具代表性的肖像与大型风景摄影作品，包括《Dark Line – The Thames Estuary》与《Colour Fields》中的甄选作品，以及首次亮相的全新系列《Treow: Trust and Promise》中的两幅摄影蚀刻作品。

坎德以其独特的摄影语言著称，他的作品常在“记录”与“自省”之间游走，将摄影视作一种探索世界与内心的方式——既描绘外在风景，也映照精神世界。

为纪念全球顶级艺术机构之一——马尔伯勒画廊完整摄影档案的联合收藏，Atlas Gallery推出夏季特别展览“Bill Brandt: Beach Nudes”。该系列被广泛认为是比尔·布兰特（Bill Brandt）最具代表性、最受藏家追捧的作品之一，也是此次重要收藏中的核心部分。

1976年，马尔伯勒纽约空间举办了布兰特的首个个展——也是画廊历史上第三场摄影展。凭借其国际影响力与艺术地位，马尔伯勒帮助这些摄影作品进入全球主要博物馆与私人收藏，极大推动了摄影艺术在20世纪后期艺术市场中的崛起。

1983年布兰特去世后，画廊暂停摄影项目，这批重要作品也被封存数十年。如今，这一罕见档案重见天日，保存状态极佳，其中的布兰特作品全部为上世纪70年代末专为马尔伯勒展览制作的签名原作，被公认为他生前最出色的印制版本。

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