design /delight设计平台：form:a策展计划

design /delight 设计平台专注于当代可收藏设计与功能性艺术精品，将汇聚逾 30 家设计画廊与创意工作室。他们多数为首次在中国亮相，将呈现一系列高水准的限量设计作品、艺术装置与特定场域创作，以策展式叙事与高度感官化的场景体验点亮展会空间，重塑想象的边界。

其中，主单元以开放式展位探索设计、功能与艺术之间的交汇，策展计划 form:a 聚焦亚洲设计师在全球语境下的实践，debut 新声单元则作为首发舞台呈现新锐设计机构的前沿创作。

design /delight 今年特别推出策展计划 form:a（为“form: Asia”的简写），通过群体协作的形式汇聚亚洲的知名设计师与新锐创作者，推动对亚洲当代设计的持续研究与跨文化对话。每一届展览将关注不同的社会与文化议题，探索设计在当今时代的价值与意义。

首展“Tactile Futures”（触感未来）与特邀策展人 Yoko Choy（蔡惠贞）联合呈现，由 14 位亚洲设计师与创意小组共同探讨当代手工艺与材料创新。展览聚焦当代工艺与城市叙事，将深入探讨历史、当下与未来如何在城市的肌理中交织，强调传统、工艺、机械化与新兴技术之间的相互作用。观众将看到设计师们从不同文化背景出发，回应不断变化的城市生活与建成环境。

参展者包括：

蔡烈超（杭州）、有关设计部门（上海/纽约）、张忠宇（上海）、田渡大贵 Daiki Tado（东京/爱媛）、长谷川依与 Iyo Hasegawa（东京）、MULTISTANDARD（日本/荷兰）、秋山亮太 Ryota Akiyama（枥木）、Siin Siin（东京）、太田琢人 Takuto Ohta（东京）、we+（东京）、肥田野优希 Yuki Hidano（东京）、黎铠仪 Tiffany Loy（新加坡）、李光镐 Kwangho Lee（首尔）、WKND Lab（首尔）

出生于 1988 年，2014 年在杭州创立同名设计工作室。作为中国当代设计的前沿代表之一，蔡烈超的设计语?极具辨识度——兼具创新思维的锋锐、逻辑推演的严谨与极简诗意的美学，同时在当代科技、材料实验与传统?艺的交汇处不断探索。2019 年，蔡烈超推出个人家具及灯具品牌 MARIO TSAI ，并与众多国际设计品牌展开合作。

“?花”系列动力装置以极简的?式，呈现了?类基本感官的起源：声与光的诞?，皆源于物体间最直接的碰撞。使用者在推动灯具的过程中，不仅能观察到光线的变化，还能听见电流接触时的细微声响，个体的情绪也在不同的推动力度和方式中直观呈现。

蔡烈超同时还参与了“Tactile Futures”的展陈设计，与 CAMERICH 携手打造出的沉浸式空间将点亮每件作品。

成立于 2017 年，是一家常驻上海与纽约的独?平?设计工作室。其实践关注设计语境变迁下的创作机制，以多样的形式回应不断变化的后殖?与数字语境。有关设计部门主导了本次“Tactile Futures”展览的视觉识别系统，构建了统一的视觉框架。

本次参展作品探讨网络时代个人记录与公众曝光的张力。每张含时间地点参数的快照都成为可追溯的信息碎片，不再属于创作者。这些数字痕迹被印在窗帘布这一传统空间介质上，既体现我们在监视与共享环境中的生存状态，也揭示技术如何在图像生产与传播中模糊公私边界。

1994 年出生，现居上海。张忠宇的艺术实践深入探讨现象材料背后的文化脉络，并通过类型学方法进行解构与再创造。2021 年，她于上海创立 MMR Studio ，该工作室聚焦于对生活记忆的结构性解读，从材料（Material）、情态（Modality）与日常规程（Routine）三个维度出发，试图在多元文化线索中建立现代生活与“原风景”之间的情感联结。

葫芦在中国古代被赋予吉祥寓意，并以坚硬耐用、易于保存的特性被广泛应用。如今，其功能性多被工业产品替代，仅存社会象征意义，大量无观赏价值的“次等品葫芦”常遭废弃或仅作药储之用。在这次的参展作品《胡卢 Ipū》中，张忠宇以这些被边缘化的葫芦为切入点，重新唤醒其被忽视的自然生命力与民间记忆。

1990 年生于日本，其实践始于对“物”的持续观察与实验。他从多重?度审视环境与物质特性，探索并激活其中潜在的功能与意义，为“物”开辟新的可能。同时，作为设计团体 MULTISTANDARD 的成员，他积极参与集体的协作与实验，在团队语境中进?步拓展个?的研究与实践。

“原生或育成”系列以浮木为起点，浮木被虫蛀、侵蚀、漂白，失去了原有的属性，成为游离于传统定义之外的材料。通过将其重新置入设计的语境中，作品探问：“材料”的定义究竟来自它的本质，还是源于它所生长、所停驻的环境？

1988 年出?于?本，其作品主要聚焦于特定场域的装置以及可收藏的设计作品，邀请观众以意想不到的?式与材料互动。她尤其擅长将常被忽视的物件重新语境化，将其转化为具雕塑感与互动性的形式，从?挑战传统的美学与实?观念。

她这次带来的“扳?”系列由偏置铝制扳?、?螺丝、垫圈和六?螺?组成。这件作品将功能性工具重构为可变家具：?件可随意重塑的艺术品，为扳?赋予了新的功能与特性。

由?渡?贵（Daiki Tado）、秋?亮太（Ryota Akiyama）、古馆壮真（Sohma Furutate）和松下阳亮（Yosuke Matsushita）于 2020 年在?本共同创?的设计团体。团队拒绝“最佳解决方案”的单一逻辑，主张设计应成为多元讨论的工具。在价值越来越开放流通的时代，与其分享既定标准的现实，MULTISTANDARD 更注重推动多元对话，拓展知识的边界。

本次参展的“斫?”系列作品呈现出每块?材的个体差异，以原始的?材斫削?法，保留裂纹与纹理，展现树?内部的?命形态。作品均选?被市场淘汰的?材，强调每棵树独特的个性与价值，反思现代制造中效率与统?性背后被忽视的?然差异。

1993 年出生于枥木县，其工作室位于益子町，这座小镇因其深厚的陶艺与工艺传统而享誉盛名。他的创作深植于材料本源及其历史语境，以当代元素为过滤器，尝试更新既有价值观，并在与人、空间的互动中，探索材料全新的关系与功能。秋山亮太亦为设计团体 MULTISTANDARD 的成员。

“裂变与蜷缩”系列汲取了?本传统陶艺技法“贯?”的灵感，?种以釉?细微裂纹为特征的?艺，去尝试扩展材料本身的概念边界。作品以泡沫塑料为材，经由特殊烧制生成裂纹、翘曲、变形等多样表面效果，以此探讨当材料被抽离既定语境后，如何超越原有功能，展现出原初的形态与媒介可能性。

1989 年出?于?本，是?位常驻东京的设计师。他的实践涵盖了各种尺度的创作：从以家具为主的?型物件制作，到以物件组合成景的空间设计，再到跨学科的委托合作。他始终关注制作过程中的痕迹与偏差，他将这些痕迹有机地融?作品之中，使之转化为新的视觉语言。

正如本次参展的《克隆 克隆》，他的作品保留并放大那些在制作过程中常被忽略或隐藏的痕迹：切割与焊接的印记、?势的颤动、机器的误差??这些通常在制造过程中被抹去的细节，在他的实践中转化为作品肌理的?部分。

1993 年出?于法国，现居东京。他的创作关注?与物之间的关系，将?常观察中获得的洞?转化为新的视?并融?作品之中。他不拘泥于特定领域，?是重视过程的流动性、思维的灵活性，以及多元化的创作?式。

“?名之材”系列使用了日本沿海地区渔港常?的设施残骸和?业废弃物。太?琢?将这些因??管理?从社会中消失的独特物件称为“常?被忽视物料”（Common Neglected Materials，CNM），并有意识地加以利?，将它们重新回归当地社区。通过唤回被时间遗弃的物质，探讨遗忘、再生与地方文化之间的关联。

位于东京的当代设计?作室，由林登志也（Toshiya Hayashi）与安藤北?（Hokuto Ando）于 2013 年创?。?作室以研究与实验为核心，通过重新思考自然、社会与工业系统，探寻设计的另一种可能，强调与我们周围自然和社会环境的紧密共生。

“未?之物”系列与富??冈的平和合?铸造?合作，聚焦于铸造过程中常被忽视的?具、夹具与偶然形成的痕迹。作品使?失蜡铸造的?艺，再现了这些最初为提升?艺效率?设计的功能性形态，将它们转化为独特的花瓶作品，通过艺术的?法赋予其实?之外的新?命。

1994 年?于?本，现居东京，是?位当代纺织艺术家。对她??，纺织并非单纯的表面工艺，更是?种构建雕塑性与空间形式的语言。通过木材、棉线与树脂的编织交错，她使织物具备体量与张力，延伸为三维雕塑结构。

“织语”系列以木质纬线介入织造结构，建立材料之间的对话，拓展纺织在当代的雕塑性表达。

新加坡艺术家与教育者，以拓展纺织在当代艺术与设计语境中的????受认可。她以织?的观察与实验精神进?当代艺术创作，关注?彩、结构、张?与空间语境之间的微妙关系。她结合传统织造与数码技术，在光线、色彩与张力的交互中构建感官层次，使作品在细微之处呈现复调般的精致维度。

织物雕塑作品《夜》以城市光影为灵感，雕塑的两端由框架牵引，织物因张?与重量?然下垂，通过织物的弧度与张力捕捉建筑与阳光的关系，呈现流动的城市诗学。

1981 年生于韩国首尔市郊，自幼发现对手工艺的热爱。成长环境教会他欣赏日常生活的简朴与功能之美，激发他重新想象天然材料和普通物品，赋予其新的意义与用途。

李光镐的创作源于对“打结”这?原始?为的持续探索，借由重复与专注促成物件的?成，将工业与天然材料编织为兼具功能与雕塑性的作品。“切割线”系列以 3D 打印技术解构传统打结过程，在数字与手工的交汇中，延续人与材料的亲密关系。

由全垠祉（Eunji Jun）与李河潾（Halin Lee）于2020 年共同创立于首尔，是一家设计与艺术工作室。她们的创作跨越家具、装置与空间创作，探讨材料的叙事与自然和人类的共生关系，也致力于在当代语境中重新诠释废弃元素于传统工艺。

《HUI 凳》延续了“HUI”系列的模块化与建筑性理念，以可回收蚝壳制成的瓷砖拼组?成，每件作品因?彩与构成的差异?独???。作品展现了功能性、可持续性与手工精神的平衡，体现设计的生态意识与文化延续。

关于 form:a 特邀策展人

蔡惠贞（Yoko Choy）是一位设计记者和创意顾问，她的工作体现了跨文化交流的细腻力量。作为《Wallpaper*》杂志国际版的中国区编辑，她在香港和阿姆斯特丹之间穿梭，架起东西方视角的桥梁，培养共同的创意语言。她的实践核心是致力于促进多元文化之间的有意义对话，利用设计和艺术作为连接跨越国界人群的通用语言，激发充满活力的文化和市场交流。这一视角贯穿她与全球品牌、机构及活动的合作，包括 Assouline 、巴塞尔艺术展、北京设计周、爱马仕、路易威登以及怀特马凯等等。

Yoko Choy 活跃于多个国际顶尖设计大会和奖项的评委工作，包括沙特阿拉伯 AlUla Design Award 、美国 Architizer A+ Awards 、英国 Dezeen Awards 、法国 Maison&Objet 以及中国亚洲设计大奖。凭借驾驭多元创意生态系统与复杂市场态势的能力，她在推动跨文化及商业领域的国际合作中发挥着关键作用。