常青画廊即将参加2025年巴塞尔艺术展迈阿密海滩展会 | 展位 C22

参展作品选

Selected Works

▲ 尤安·卡波特《净化（永恒）》Purificación (aeternum)，2025，石膏、经分解处理的带刺铁丝、手铐等金属制品、安装于木板之上，150 x 240 x 5 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

▲ 雷安德罗·埃利希《云（狼）》The Cloud - Lupa, 2021，12片超清玻璃、陶瓷墨水、木材、照明设备、陈列柜，175 x 91 x 50 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

▲ 席帕·古普塔《勾勒地图#8 - 美国》MapTracing #8 - US，2021，铜管，木质基座，164.7 x 72 x 58 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

国家是一个人工构建的概念，而它最先、最核心描绘的，是一个民族如何想象自身的方式。边境上的现实情况，最终与国家所强加的地图轮廓几乎没有关系。《勾勒地图》是一件会根据展览所在地与展厅尺寸而调整的作品，它打乱了我们对一幅本应熟悉的图像的观看方式。根据观者在空间中的移动与所处位置，这个众所周知的形状会变成一条陌生的线条，字面意义上扭曲了我们的视觉。古普塔用手工弯折的铜制作出这件精致的雕塑式地图，提醒我们：所有国家与边界本质上都是人为构造、被制造出来的。

▲ 安尼施·卡普尔 (Anish Kapoor)《银底上覆异教金》Pagan Gold over Silver Base，2025，铝、颜料，190 x 190 X 32 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

▲ 朱利奥·勒·帕克 (Julio Le Parc)《虚拟体 61》Volumen virtuel 61，2019，布面丙烯画，200 x 200 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

1959年起，朱利奥·勒·帕克开始专注于对“色彩”的研究。他在创作中剔除了所有手工痕迹与主观性的构图方式——不再有笔触，也不再有个人情绪的介入。他选定了十四种颜色，以此概括他认为所有色彩混合的可能性。这些颜色均以最纯粹的方式使用，不掺杂黑或白。

在这一基础色系上，勒·帕克逐渐构建出越来越复杂的组合方式。他从水平排列的多条色带开始，随后让多条并置的色带沿着垂直、水平或对角方向展开节奏性的排列，直到画布完全被秩序化的色带覆盖，通过这种严密而系统化的构造方式，色彩的组合几乎变得无穷无尽。

▲ 米开朗基罗·皮斯特莱托 (Michelangelo Pistoletto)《色与光》Color and light，2024，镜子、黄麻纤维、镀金木框，180 x 120 x 6 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

米开朗基罗·皮斯特莱托自2014年开始创作《色与光》系列，延续并发展了他自2008年起开展的“打碎镜子”的行为艺术。在这一系列中，艺术家使用一块或多块带框镜面，并按照自己预先绘制的图案手工切割、移除部分镜面，使底层的彩色黄麻布显露出来。因此作品皆由两种图像共同构成：固定不变的彩色布面，以及不断变化的镜面反射图像。这种“固定”与“变化”的张力，与皮斯托莱托经典的《镜画》中“摄影般的固定图像”与“镜面即时反射图像”之间的关系相呼应。

艺术家本人这样描述该系列：“这是以一种有序方式完成的‘破碎镜子’作品。镜面被割裂后产生的轮廓被保留下来，形成如同拼图一般的结构。大镜面被碎裂后，每个碎片都获得了自身的独立性。镜子这个‘普遍的形象’在破裂与切割中被分解并倍增，成为无数个独立的个体。每一块碎镜都可以被看作一个人，而所有碎片共同组成一面更大的镜子——也就是社会。社会本身就像一面巨大的镜子。”

▲  帕斯卡尔·马尔蒂那·塔尤 (Pascale Marthine Tayou)《竹子和粉笔》Bambou Chalk，2025，粉笔、颜料、竹子，160 x 219 x 8  厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

▲ 纳里·沃德 (Nari Ward)《还活着；流转》Still Livin’, Viral, 2025，铜板、铜钉、铜锈，121 x 121 x 5 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

在这一系列作品中，纳里·沃德将街道与人行道视为当地社区真正的归属。他重新从这些公共空间出发，把它们既看作哀悼与安慰的场所（该系列发起于疫情期间的美国），也指向它们在历史与当下的抗议行为中所承担的公共舞台角色。沃德关注的是那些仍然活着的人——以及我们持续在社区中共同培育、维系与创造的情感联结。

作品的标题都围绕“聚集在一起”的概念展开，使这种相聚不仅是悲伤中的互相扶持，也是一种面向未来的愿望。“Still Livin’”仿佛表达了面对生活残酷时依旧坚持、依旧活着的意志。

为创作这些作品，沃德从他所在街区不同的街头纪念点收集了鲜花、燃尽的蜡烛、空酒瓶及其他物件（每取走一件，他都会放上新的以示尊重）。他将这些物件在铜板上重新排列，并通过在铜面施以铜绿，留下这些物件“幽灵般的轮廓”。氧化过程是不可控的，偶然性在这些基于人行道网格的结构中自然发生。

沃德将这些作品描述为“关于光的散逸”。蜡烛燃烧辐射的光象征祈祷与纪念行为中传递的希望（spiritual spirits），酒瓶产生的折射与反射光则流露出街区生活中粗粝、消极又真实的日常（alcoholic spirits），精神层面和世俗层面的“灵 / spirits”交织在一起，共同构成一股在哀悼、抵抗与继续生活之间流转的独特能量。