《ArtReview》2025 Power 100 的哪些艺术家参加过HOW的展？
ArtReview
2025年度Power 100榜单
已于12月4日正式揭晓！
每年发布的《ArtReview》Power 100，被视为艺术界最具影响力的风向标之一。榜单试图回应：过去一年里，是谁掌握了艺术界的 power？谁在塑造我们看到的艺术，以及我们如何观看艺术？今年的榜单尤其聚焦“行动者”而非“意图者”：从非西方地区的强势崛起，到艺术家自主创建机构与流通网络，呈现出一个更加多极化、去中心化的艺术权力版图。
在此背景下，回看那些曾在昊美术馆展出、如今跻身“Power 100”的艺术家，不仅有助于我们理解这些实践为何具有持续影响力，更促使我们思考：当艺术世界的权力结构不断改写，地方性的展览现场与全球语境之间，将形成怎样的对话与连结？
何子彦
Ho Tzu Nyen
“编织亚洲历史叙事的多学科艺术家”
2025年排名第5
ArtReview推荐语 //
何子彦一向关注时间及历史的展开方式。今年2月，他在卢森堡让大公现代艺术博物馆（Mudam）举办的巡回中期回顾展“光阴似虎”（Time & the Tiger）开幕时如此说道：“我真正使用的媒介是时间本身。电影与影像不过是为时间赋形的某种尝试。”自2023年起，该展览已在新加坡和首尔，以及纽约的巴德学院策展研究中心等地巡展，当前正在汉堡美术馆展出。
展览核心作品《T代表时间》（T for Time, 2023—）由多个屏幕组成，以动画形式描绘收集而来的叙事与故事，实时编辑的算法使得每一次展映时都会生成独一无二的版本。何子彦的碎片化的装置常探讨东南亚文化的多重层叠，传递历史不过是一种共享的幻象。尽管他的作品通常借鉴戏剧与纪录片手法，近年来他更多调用数字动画的可能性，“虎”这一反复出现的主题意象在其作品中不断变化，既指向原住民神话，也投射着关于亚洲的殖民想象。
何子彦将技术视为共同导演与协作者，通过不断重塑历史，提供 “理解历史的多重方式，以及讲故事的多种可能”。这一方法在其作品中日益显现，同时也使他在策展领域备受追捧。他曾于2019年策划在台湾举办的亚洲艺术双年展，明年他将投入到历史意味浓厚的光州双年展之中：此前，他曾以艺术家身份参与2018年与2021年光州双年展，而在2026年，他将以艺术总监身份回归。
以上文字来源：Art Review网站
何子彦《无人之境》
2018.11.07 - 2019.02.17
昊美术馆展览 |《喧哗》
2018年，何子彦作品《无人之境》在昊美术馆展览《喧哗》中展出。
《无人之境》是一件由六频道影像构成的沉浸式装置作品，画面投射于特制的双向镜面之上。作品集合了约五十个来自网络素材库的虚拟人形，这些角色原本用于游戏建模，其形象涵盖神话、流行文化与日常生活中的人物。何子彦将这些空壳般的数字躯体视为当代图像生产文化的样本库，并为它们注入了来自另一免费数据库的动作程式：霹雳舞步、僵尸般的抽搐移动、闲逛时的细微姿态……动作与身份之间有意的错位，让这些角色显得既熟悉又异常。六个频道中的人物彼此并不交谈，亦无叙事主线，各自悬浮于黑色空间内。随着光线流转、音乐节奏与影像节奏变换，角色之间偶尔会产生短暂的呼应，犹如在一个没有剧本的舞台上，上演一重鬼影重重的偶发剧目。
《无人之境》的标题源自约翰·邓恩“没有人是一座孤岛”的著名诗句。在作品相关的文本中，何子彦完整借用了原句，但将其中的“Europe”替换为“Malaya”——指向新加坡与马来西亚在殖民历史与国家建构中的复杂纠缠，同时也藉诗歌探讨“孤立”与“联结”在东南亚语境中的特殊意涵。正如艺术家在其长期实践中所揭示的，东南亚的共同体并非自然的存在，而是由历史叙事、权力结构与神话体系不断塑造的产物。《无人之境》中那些疏离的数字角色恰好成为了这一共同体的隐喻：它们是全球视觉文化中悬浮的符号，在深层次上彼此孤立、无法实现真正的对话。作品呼应何子彦一贯关注的主题——国家叙事与权力如何通过图像与故事被生产、被调配，以及历史中的裂缝如何借助虚构重新显形。
何子彦，《无人之境》，镜面6频道视频投影、烟雾机、10声道音响、演出控制系统，6分钟，作品版权由艺术家及马凌画廊所有，照片?昊美术馆
黑特·史德耶尔
Hito Steyerl
"以政治宣言与形式实验著称的艺术家"
2025年排名第25
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随着人工智能日益深度地介入并重构人类生活，黑特·史德耶尔（Hito Steyerl）多年以来关于其潜在危险的预言，非但没有过时，反而显现出愈发清晰的先见之明。技术批判这一核心命题，持续贯穿于她的创作之中。
目前，她在普拉达基金会（Fondazione Prada）的个展《岛屿》（The Island）中，以洪水为象征性意象，将人工智能、地缘政治与气候危机编织成一张相互映射的网络。与此同时，在维也纳应用艺术博物馆（MAK）的展览《人类让子弹穿过一只耳朵，从另一只耳朵出去》（Humanity Had the Bullet Go In Through One Ear and Out Through the Other）中，她则从另一维度切入科技与现实政治的纠葛。展出的新作《机械库尔德人》（2025）是一部尖锐而犀利的影像作品，聚焦于伊拉克境内处境脆弱的库尔德难民——他们被迫为人工智能系统提供面部识别训练数据，成为全球技术链条中最沉默的“数字劳工”。
近期，史德耶尔出版了关于艺术与技术的新文集《中等热：高温时代的图像》（Medium Hot: Images in the Age of Heat, 2025），她在其中对人工智能生成的图像是否仍能被称为“艺术”提出了根本性的质疑。今年，她亦荣获埃里希·弗洛姆奖（Erich Fromm Prize），以肯定她“在视觉大众文化的审美洞察与理论—实践的媒介行动之间建立了卓越的桥梁”。这一评价，可谓恰如其分。
以上文字来源：Art Review网站
史德耶尔《破窗之城》
2022.01.15 - 2022.04.24
昊美术馆展览 |《皮肤之下，机器之间》
2022年，史德耶尔作品《破窗之城》在昊美术馆展览《皮肤之下，机器之间》展出。
作品由两支对照鲜明的视频组成。《未破之窗》记录了“艺术行动者”克里斯·托普弗及其团队在美国弱势社区的行动，他们以充满生机的绘画取代破损或封死的门窗，为废弃建筑注入尊严与色彩；《破窗》则发生在英国剑桥一处旧机库，研究人员反复击碎玻璃并采集声音数据，用于训练人工智能识别破窗的声响，为警务技术提供算法基础。前者以绘画的方式介入现实，试图以微小而直接的创造力抵抗城市的衰败，后者则遵循技术资本主义的逻辑，将个体与其行为抽象为可被分类、预测与管理的数据。
?特·史特耶尔，《破窗之城》，2018，双频录像（?清、彩?、有声），破玻璃窗、涂漆胶合板、?胶刻字、?质画架（环境），时?：6分40秒（《破窗之城》）、10分钟（《不破窗之城》），照片?昊美术馆
作品呼应了“破窗”在历史中的多重隐喻：从19世纪巴斯夏用以揭示隐性损失的“破窗谬误”，到20世纪犯罪学家凯林与威尔逊将城市中破损的窗户视作失序征兆的治安理论。后者最终演化为美国当前备受争议的预测性警务系统，其算法依赖历史犯罪数据，往往在结构性偏见的循环中，将贫困与少数族裔社区标签化为“高风险”群体。
展览墙面环绕着科技乌托邦式口号、AI的语言噪音、巴斯夏的格言，以及托普弗绘制的窗画，这些元素与AI模拟的破碎声场共同构成一个被“技术逻辑”包覆的城市模型。两部影像被置于画架之上，为艺术赋予一种对抗的力量。绘画传统在此成为了一种修复与质疑的力量，它抵抗着“快速行动、打破一切”的硅谷信条，也叩问着——当技术以超越公共经验的速度塑造未来时，艺术如何成为重新想象社会结构的必要力量？
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上：《未破之窗》
下：《破窗》
玛丽娜·阿布拉莫维奇
Marina Abramovi?
“无法被模仿的行为艺术家”
2025年排名第28
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这位资深行为艺术家的作品《巴尔干情色史诗》（Balkan Erotic Epic）今年在曼彻斯特阿维瓦艺术中心上演，被誉为她的“巅峰之作”，甚至超越了阿布拉莫维奇那些曾震撼艺术界的现场（今年她亦相继在上海当代艺术博物馆、苏黎世艺术馆及维也纳阿尔贝蒂娜现代美术馆举行大型回顾展）。作品名符其实，它由13个章节构成，是一场不适宜保守观众观看的漫游式剧场体验。其中呈现的源自东欧民间传统的身体仪式与性意象表演，融合了艺术家一贯擅长的创作元素：令人不安的氛围、暗涌的暴力与极致的情绪张力。
面对质疑（阿布拉莫维奇在《独立报》采访中也坦言：“人们说我做的事很荒谬”），她同样拥有庞大而坚定的支持群体。其追随者中既有报名进入玛丽娜·阿布拉莫维奇研究院的学员（该机构今年在德国莫伊兰城堡博物馆开展了为期一个月的驻留项目）。在如此密集的行程之余，她仍推出了全新 NFT 系列《Marina Abramovi? Element》。
以上文字来源：Art Review网站
阿布拉莫维奇《静止能量》《情人·长城》
2022.11.03 - 2023.03.12
昊美术馆展览 |《乌雷·无量之物》
2022年，在乌雷基金会的许可下，昊美术馆与乌雷基金会、马刺画廊合作呈现展览《乌雷：无量之物》，其中展出了乌雷与玛丽娜·阿布拉莫维奇的合作作品《静止能量》与《情人·长城》。
玛丽娜·阿布拉莫维奇而言，与乌雷长达十二年的共同创作是她行为艺术生涯中至关重要的阶段。这一时期，两人试图超越个体身份的界限，以近乎共生的状态，在保有各自强烈韧性的同时，通过一系列作品探讨如何在关系的边缘找到一种持续流动的、微妙的平衡。
《静止能量》于1980年在都柏林上演。表演中，两人相对而立，手中各执弓与箭，目光紧紧相锁。玛丽娜持弓，乌雷执箭，因弓弦极细，乌雷特意戴上手套以防不慎松脱。每一次呼吸与微颤都使箭尖直指玛丽娜的心脏，生死悬于一线。佩戴于胸前的小型麦克风将二人的心跳声放大至整个空间。玛丽娜称这场表演为“信任的终极体现”，在那一刻，她将生命同时托付于艺术与对方，深刻揭示了关系中力量、依赖与脆弱彼此交织的复杂状态。
玛丽娜·阿布拉莫维奇/乌雷， 《静止能量》，1980，行为表演录像，16mm，胶片转数字录像，彩色，有声，4分4秒版权为艺术家所有，图片致谢玛丽娜·阿布拉莫维奇档案、乌雷基金会、LIMA和马刺画廊
《情人·长城》则是他们合作的终章，也是一段爱情的落幕。历经八年申请，两人终于获准在长城完成这场史诗般的行为：乌雷从嘉峪关向西而行，玛丽娜自山海关向东出发。原计划在相遇时举行婚礼，但当作品于1988年得以实现时，两人的感情已然走向终点。这场相遇成为一场告别仪式，亦是他们共同完成的最后一件行为作品。在陕西二郎山相见时，玛丽娜不禁落泪，乌雷轻声安慰道：“别哭，我们已经完成了这么多。”
玛丽娜·阿布拉莫维奇/乌雷 ，《情人·长城》，1988，双频录像装置，彩色，无声，15分41秒，版权为艺术家，图片致谢玛丽娜·阿布拉莫维奇档案、乌雷基金会、LIMA和马刺画廊
曹斐
Cao Fei
“探索新技术与数字文化的多媒体艺术家”
2025年排名第29
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在过去25年里，这位艺术家始终聚焦反乌托邦、乌托邦与人类未来的不同可能性等议题，通过影像、行为艺术、沉浸式装置与数字媒体，勾勒出我们身处“流动社会”中的权力图景——一个虚拟与现实边界日益交融的世界。她的创作始终根植于快速变迁的中国社会现实，但所提出的问题却具有超越地域的普遍意义。她指出，在人工智能时代，“艺术曾常常超前于公众的认知，但如今，观众正与技术一同演进”。尽管她积极拥抱技术革新，却更关注技术进步所带来的情感疏离与共情消退，这一点在她为新南威尔士美术馆回顾展创作的新作中尤为动人，作品致敬了她的姐姐、同为艺术家的曹晓雲，以及晓雲在悉尼的移民生活经历（曹晓雲于两年前逝世）。
曹斐今年曾表示，自己在美国展览活动的减少可能隐含着某种反华偏见；然而在世界其他地区，她的艺术足迹依然活跃。今年二月，她刚刚结束在布宜诺斯艾利斯拉丁美洲艺术博物馆（MALBA）的个展，明年还将于巴塞尔艺术博物馆举办大型回顾展。
以上文字来源：Art Review网站
曹斐《霾》
2018.11.07 - 2019.02.17
昊美术馆展览 |《喧哗》
2018年，曹斐作品《霾》在昊美术馆展览《喧哗》中展出。
影片以2013年北京持续加剧的雾霾现象为切入点，取景于艺术家本人生活的社区，将荒诞的丧尸题材投射于日常现实之中，构建了一部与中国社会现实交叠的魔幻情景剧。
影片以片段式叙事，呈现了清洁工、房产中介、孕妇、送货员等不同社会阶层的人物群像。他们在灰蒙厚重的雾霾笼罩下显得步履迟缓、神情涣散。当部分角色逐渐滑向僵尸化的存在时，这一形象不再代表恐怖或邪恶，而更像是被加速城市化进程所耗尽的身心写照。曹斐将这种存在形容为一种“中性现代性”，一种超越传统善恶判断、在生存压力下被动前行的生命常态。通过幽暗诗意的镜头语言，影片揭示出中国急速城市化进程中欲望的膨胀、个体的孤立、环境的异化以及社会结构的裂变。
雾霾在片中成为一种时代性迷茫的象征。与此同时，它也在这个日新月异的加速时代中制造出罕见的凝滞时刻，让城市系统的裂缝与停顿得以显现。影片既扎根于本土现实，又似乎超越了地域的特殊性，进而叩问社会如何在阶级结构中运行，以及我们如何可能从中寻找挣脱制度性压迫的出路。
《霾》，曹斐，單頻道數碼錄像（彩色、有聲），2013，46分30秒，普通話
梁慧圭
Haegue Yang
“环球行走的艺术家兼柏林KW当代艺术中心馆长”
2025年排名第38
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去年在伦敦海沃德美术馆开幕的梁慧圭回顾展《Leap Year》，今年三月巡至鹿特丹康斯特哈尔美术馆（Kunsthal Rotterdam），九月又移展苏黎世米格罗斯当代艺术博物馆（Migros Museum für Gegenwartskunst）。然而，当这场展览仍在全球巡回之际，梁慧圭早已投身于新的创作计划——这也折射出她艺术实践中一贯流动的、不安的能量：无论是吸收民间文化与工业材料创作拟人化雕塑，还是以散文式的影像、摄影与文本进行表达，她的创作始终在手工性、感知体验与现代性政治之间持续游走。
今年二月，她的全新个展《失落之地与沉没之野》（Lost Lands and Sunken Fields）在达拉斯纳舍尔雕塑中心开幕，展出涵盖五个系列的作品。其中包括2025年新作《米尼翁祈献》（Mignon Votives）——由松果与合成石材堆叠而成的小型祭坛；而在户外喷泉装置中，一件以黑色塑料绳编织而成的大型雕塑《中介体：六足碳质附生“蟒龙”》（The Intermediate – Six-Legged Carbonous Epiphyte Imoogi，2025）从水中浮现。与此同时，她即将在墨西哥城 Kurimanzutto 画廊举办个展，并在首尔旧工作室启动快闪项目。在如此密集的创作与展览行程中，她仍于今年九月接任柏林艺术工坊（Kunst-Werke Berlin）执行董事会主席，将未来四年主导 KW 艺术中心与柏林双年展的整体艺术方向。
以上文字来源：Art Review网站
梁慧圭《心灵传输场域》
2020.11.15 - 2021.05.23
昊美术馆展览 |《暗光》
2020-2021年，梁慧圭作品《心灵传输场域》在昊美术馆展览《暗光》中展出。
这件作品由梁慧圭与柏林平面设计师Manuel Raeder合作，为画册《疯狂反重力》（2011）而创作。画面中各种参考图像与作品图、展览图层层堆砌。创作过程中，艺术家单纯地把图像堆叠起来，不考虑它们是否有任何共性或者尺寸、顺序的问题。通过这样的方式，艺术家呈现了一个去阶层化的表面。在《心灵传输场域》中，梁慧圭本人雕塑和平面作品中出现过的剪影图形，以及根雕、浮木、火山石等她感兴趣的器物，以“心灵传输”的方式脱离了重力、比例、重量和深度等因素的影响，从原来的结构和语境中剥离，成为某种“类档案”。
这样的记忆景观可以追溯到梁慧圭对道教关于“动”和“遁”等概念的研究。这个被压缩的二维空间提示了物质性、时空、距离和记忆所构成的复杂网络，并在展览中构成了一个重要的过渡性空间。在这部关于文化离散和物质混合的类档案中，艺术家试图提出某种超越同质化与差异性的可能，通过“心灵传输”打造某种时空错置场域。
梁慧圭，《心灵传输场域》，2011，综合媒介，尺寸可变，照片?昊美术馆
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