香格纳画廊 | 2025年度展览回顾（上）

香格纳展览

ShanghART Exhibition

 香格纳M50 | ShanghART M50

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徐震个展“刹那沉思”首次系统性地将中国画体系置于其“生态作为媒介”的艺术方法论框架之下，以四个绘画单元，构建一条从器物精神到心性境界的沉思路径：《巨》《山水》《雾》《开悟》。

在“人类世”和算法治理的时代，徐震提出中国画不应被视为单一的文化遗产，而应被重估为一种以“气”为核心的文化技术：它的价值恰恰在于其不可通约性——它展示了一种以关系与流动为核心的世界经验，一种无法被还原为数据的“感应”方法。徐震的创作并非将这种技术简单现代化（纳入西方艺术史），而是借助这种“不可通约性”，反向校准我们在高度单一技术化现实中被固化的观看与感知方式。

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鲁钰个展“在担惊受怕中安全度过一生”展出艺术家近两年内创作的二十余件综合材料墙上作品、雕塑、装置，通过四个具有内在逻辑关系的作品系列，探讨隐匿于日常的规训和权力如何被个体逐步适应、内化，并在群体层面形成传播与演变的动态过程。

鲁钰使用流行病研究的方式剖析社会症结，观察并总结这些症结在人群中传播的的症状表现、传播途径、并发症与潜在的治疗方式。展览通过跨学科对话，提供了一种重新审视权力与规训的认知路径。它尝试揭示隐匿而无处不在的规则和其运作机制，也意图为个体如何在秩序至上的当代生活中保持感知自觉与精神主动，提供一种视觉化的思辨参考与隐喻性的回应可能。

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鲁钰个展“在担惊受怕中安全度过一生”展览现场

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牟雪在国内的首次个展“那里有一个花园”涵盖大型系列绘画、摄影、装置等不同媒介的作品，系统地呈现牟雪对体验日常之物可能性的探索，反思在当下的技术影响下，个人在感知上的独立性逐渐消弭、趋近同一化的境遇。

在技术深度中介化、感官体验日益标准化的当下，牟雪的作品呈现了一个感知的飞地。她将创作视为探索内在生命力与生命体验更多可能性的通道，用生成式的创作方式开放地接纳外界信息并通过个人的消化与提炼，最终形成挑战常态认知的视觉表达。

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展览标题“我没有我”出自艺术家的自白，直指申凡的创作核心——通过消解传统表现主义所依赖的“自我”，实践一种褪去绘画手法的表现、抵达天真烂漫精神的“无我”状态。展览以“颜色”与“源流”两部分展开，系统梳理申凡四十余年艺术实践中对抽象绘画语言的实验与突破。

申凡生于1952年，自1980年代起便被视为“上海抽象”代表人物之一。他的创作既根植于中国社会剧变与艺术思潮碰撞的时代语境，又具备超然于此的智慧。从插队时期的风景写生、大学时代的工业设计训练，到以非表现性手法重构传统绘画的自由精神，他通过“去自我”的实操建立起个人的艺术风格，将现代个人主义的喧嚣转化为中国古代艺术精神在当代的延续。

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申凡个展“我没有我”展览现场

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艺术家徐赫的个展“我谢谢你”以一句蕴含中德语境微妙张力的词句为题，呈现了徐赫根植于跨文化经验的最新绘画创作。艺术家融合中国传统“气韵”观与德国新表现主义的批判视角，以几何式怪诞形象、凌厉结构与写意笔墨构建刚柔并济的画面语言，在全球化语境中深入探讨时代裂变、身份离散、个体异化等命题。

展览不仅展现其对多元文化的内化与超越，亦以批判性视角联结历史与未来，集中反映了艺术家对形式与内容、个体与时代复杂关系的深刻思辨。

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香格纳画廊与中国早期当代艺术践行者艺术家胡项城的首次展览合作“疑似”，以其绘画作品为核心，精选他从1993年至今的布上综合材料绘画和纸本作品，其中囊括了其在不同时期的十件重要作品，在展现胡项城不懈艺术实践的同时，也标志着在他生命中成为重要艺术家最笃定的阶段。

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 香格纳西岸中环 | ShanghART WB Central

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黄晨晗、吕岩、张文心的三个展“观景”源于“景观”的倒置，展览以风景为线索，而绝非要探讨某种景观。“观”意味着察觉、领悟、探索，“观景”的视角承载和熔炼了个人或集体记忆与经验，且可以是一种持续性的行动。

黄晨晗、吕岩、张文心三位艺术家皆在考察某种风景，即便三人从截然不同的角度出发，他们的对话在往返流动之间，又指向“万物齐一”的共识。

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展览“围捕热”以文化评论人Hillary Kelly提出的“困托邦”（stucktopia）概念为切入点，探讨当代人身处技术便利与社会压力、虚拟连接与现实异化之间的粘稠困境。通过“围捕”与“热”的意象，展览审视了信息过载、消费狂热、生态危机等全球性症候如何将个体卷入其系统，并追问人在其中既是受害者亦是共谋的双重角色。

参展艺术家以多样化的创作回应了这一主题，在捕捉外部“热”症的同时，也提供了潜入热潮内部、冷静审视其结构与可能的纾解路径。展览既保留了个体私密的情感表达，也试图通过艺术实践，在被动围困中寻找主动介入与重构的力量。

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“与石头交谈”取自辛波斯卡的同名诗作，以诗开篇，展览中的作品或以石为创作媒介、或为隐喻的意象，或为历史的遗迹，呈现一场超越时空的交谈。石头既是永恒的见证，也是无言的客体；石头被投射以艺术家的主观意志，似乎又在予以回应——石头在创作中成为无意识的“自我”，一种“物语”，一个能够言说、呐喊的主体，它承载着比生命更久远的记忆，在艺术家的创作中化作千万物，并从中看见自然、时间、与未知。

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“与石头交谈”展览现场

与石头交谈：回响无声

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展览“胞间连丝”借用生物学中细胞间信息传递的通道为隐喻，构建了一个跨越艺术与科学、联结不同世代创作的生命系统现场。通过菌丝网络、生物材料与数据影像等多元媒介，展览模拟了一个信息在其中流动、干扰与重组的有机生态，探讨了从微观生命物质到宏观气候地貌等不同尺度议题的相互渗透与共生。

展览以艺术史中对于跨物种共生的先锋探索为起点，进而邀请观众步入一个持续演化的“培养皿”空间。在这里，实验的偶然性与系统的开放性成为关键，生命与非生命、人类行动与技术制度在相互协商中彼此形塑。最终，展览揭示了微观细胞与浩瀚星辰之间的结构同源性，在生命网络的动态联结中，审视进化、共生与伦理之间的复杂张力。

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“胞间连丝”展览现场

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艺术家唐艺窈的个人项目“见隙”构建了一个充满限制性缝隙的回廊装置，将观众置于一个只能进行短暂、模糊窥视的处境中。这一结构不仅引导了观看行为，更隐喻了被压缩、切断与循环的信息流动，直接指向一个多层级的权力场域。

项目以印有联合国五常主流媒体头版的椰砖为核心材料，巧妙地将地缘政治叙事与物质的转化性并置。作为遇水即散的种植介质，椰砖既象征着国家与机构的所谓基石，也揭示了其内在的不稳定与流动。配合空间中的监控影像，观众在主动窥探与被动暴露的角色转换中，深刻体验了信息系统中主体与客体的循环。位于百年车站旧址的这一“空间中的空间”，最终成为一个关于真相如何消散于文字、影像与物质断层之间的强有力现场。

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刘毅的个展“弥散层”集中呈现了艺术家近十年来以水墨动画为核心的重要创作，通过流动的墨迹与渐变的视觉，构建出一个时间、记忆与情感在其中不断交融与扩散的多维之境。“弥散层”这一名称源自物理化学中的扩散现象，指的是物质在空间中逐渐扩展、交融、模糊的过程，或是由物质扩散形成的层次。在这里，它不仅象征着物质的扩散，还象征着时间、记忆和情感在不断流转中的渐变与交融。

“在刘毅的作品中，尽管机器以不同的方式诠释世界，而绘画的笔触——作为人类视觉、灵魂，以及艺术智性的象征——成为了既非人类亦非机器的第三种元素。仿佛艺术是一条通向未来的轨迹。”

—— Roger M. Buergel

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 “母鸡下蛋”作为一种通俗的比喻，暗示着艺术必然被创造的本质——“母鸡不需要公鸡也可以下蛋”，艺术在任何时代语境下，都会持续地以令人惊喜的面貌生出新芽——展览中的各部分也似艺术家的蛋们，创造与变化的循环隐藏其间，新的活力与生机将喷薄而出。

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昆虫与动物蜕皮，因为旧的身体不再适应生长需要。生命体离开原先的躯壳，走向前方的时间，也在空间中留下过去的幽灵。展览《蜕行通路：在心室与岩浆之间》构造了一个适合身体蜿蜒的蛇形空间，也呈现了来自潘草原、王月悦、郑雪三位艺术家关于转化与生成、亦指涉自然与身心关系的作品。她们的许多创作都生发自本土经验和躯体感知，再以长期的媒介探索以及溢出媒介的洞察力为“蜕皮激素”，促使有毒树汁、带刺种子、虫胶、螺钿、海蜇皮肤等有机材料离开原先的躯体，与医学成像、日用现成品和电子元件等无机材质耦合，以新生身体导向一片与创作者、来访者共振相融的炽热领域，就在心室与岩浆之间。

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 香格纳苏河 | ShanghART SUHE

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王欣个展“Sons（儿子） Warriors（勇士） Lovers（爱人）”围绕艺术家构建出三位一体的神圣循环展开——生成（Sons）、守护与修正（Warriors）、交融与重组（Lovers），再回归生成（Sons），并借此揭晓宇宙大系统以及生命编码机制的核心秘密。这一循环由一位作为“宇宙法则化身”的神性力量驱动，她既生成万物秩序，也以战士的姿态平衡系统，完成创造与连接。

王欣凭借对材质的敏锐捕捉，通过多重曝光与材料叠加的艺术实践，尤其是对“线”的运用，将这一抽象宇宙模型转化为可感知的视觉通道。

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蒋小余个展“半铁人”呈现艺术家近两年全新创作的作品，以半肉身半机械感的人形形态，探索个体在当下社会系统中的困境与精神图景。这些来自艺术家日常的随拍、观看的影视以及新闻资讯等素材中提取的图像，在他的笔下解构重组，演变出许多怪异的面孔和扭变的身体。

身体形态在绘画中的扭变，犹如艺术家施加的精神意志形成的现实扭曲力场，向我们传递着一种卡夫卡式的诡谲感。展览延续了他对时代背景下个体命运的关注，反映了他对客观世界的观察和视角。

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“安诺·洛戈”并非真实存在的人物姓名，而是邵宇轩创作方法论——“Analogue”（模拟/相似物）的一次音译“误读”。它诞生于一次不经意的笔误，却精准指向了艺术家对语言模糊性、图像生成本质以及技术渗透现实的持续探索。 

成长于社交媒体与算法主导的环境，邵宇轩的创作源于对AI图像生成的深刻观察。他主动利用早期Stable Diffusion模型（1/2.1） 生成图像时不可避免的失真、故障与噪音。这些被主流视为“缺陷”的结果，在邵宇轩眼中恰是算法逻辑与数据库偏见最直观的暴露。他进行独特的“指令极简主义”实验：向AI输入高度抽象、无意义甚至随机的简短指令（如一个表情符号、“Nurse Justin Bieber”）。他不追求精确控制，而是观察AI在理解模糊指令时的“漂移”及其内在局限与文化偏见（如表情符号指令严重偏向生成“积极”图像）。 

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展览由梁琛与心理学家吕舟达共同策划，以“双策展/双主题”的结构切入，分别以海岸线不确定的“空间的诗学”与“水的精神分析”为核心线索，回应自然与文明、意识与潜意识、边界与流动之间的多重交汇，分别呈现对作品解读的空间与精神视角。展厅与天台分别以船舱与甲板为隐喻，将观众置入于“观念的水位”之中。

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艺术家高磊在香格纳的首次个展“他山”（Beyond the Cave）以建于1930年的中国实业银行仓库（香格纳苏河所在历史建筑）为背景，并结合多件由现成工业品与自然物制成的装置改造了环境的历史进程，试图重构出一种对柏拉图洞穴的挖掘与想象：即由原始物质性洞穴的坍缩转向无线电波从模拟信号到数字信号所建构的无边界资本洞穴膨胀的演化。

展览特别借用建筑原有的货运楼梯，将“洞穴”出口延伸至顶层天台，这看似从“洞穴走向真实世界”的过程，实则呈现出两种不同洞穴控制方式的相互渗透与补充。二楼展厅入口处的电视屏幕通过无线Wi-Fi信号实时传输天台监视器所拍摄“洞穴之外”的画面，形成空间叙事的闭环。    

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陈问村个展“为何不D一把？”集中呈现了艺术家以文字和标语为核心的新近绘画创作。展览深入探讨了语词在脱离原有语境后，如何在绘画与平面设计的交汇处生成模糊而多义的新文化意味。艺术家通过鲜明的色彩与标准化字体，将日常语句、电影台词乃至网络碎片转化为视觉符号，构建出一个可供无限解读的“能指”迷宫。

陈问村的创作承袭自观念艺术中以文字为线索的传统，但摒弃了直白的批判，转而采用一种更为内敛、充满戏谑与多重语义的表征方式。其作品不仅审视了文字作为视觉元素的效能，更透过表层媒介（图像、印刷）与深层媒介（广告、网络）的互动，引导观者反思自身是如何被嵌入当代无所不在的媒介环境之中的。此次展览成为一次对视觉艺术与日常媒介景观碰撞的生动再思考。

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 香格纳北京 | ShanghART Beijing

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何采柔的首次北京个展的展览叙事线索从艺术家长期以来塑造的“Vera”行为轨迹延伸，通过影像、绘画与雕塑等媒介，建构出一套多维度的观察系统，探索日常生活流动中的不确定状态。

艺术家将其剧场经验的“导演视角”注入展览空间，使“Vera”同时成为表演者与容器、功能身体与不确定性的媒介。展览在劳动与仪式的交叉点上，深入探讨了人们对机械化秩序的依赖与对突破的渴望之间的永恒悖论，让隐匿于日常生活深处的微妙断裂与意义悬置浮现于观者的感知之中。

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作为艺术家在香格纳画廊的首次个展，展览“至近至远”集中展出了周力近年创作的综合媒介绘画，并特别呈现三件雕塑作品，在不同尺度与材质的碰撞间构筑对话。

周力的创作自由流动于轻盈与沉重、近与远之间，在张力与和谐中共振，不受限于抽象框架，实践了一种“复魅”的过程。艺术家自在而富有节奏的语言根植于水墨传统——对她而言，水墨不仅是技法，更是内在情感与感知的节律，成为连接内外、回响时间的桥梁。

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展览标题“讲故事的人”源于本雅明的同名文章，讲述自现代性以来，故事也就是经验的消失。展览将艺术家的经验与观念置于一个纵深的历史框架中考察，涵盖从古典透视体系、观察者与机器共建的现代性经验，直至语言学转向后观念对视觉的贬抑——这些叠加的视觉认知范式至今仍深刻影响着创作实践。展览选择绘画，正是基于其与视觉经验及知识系统长期缠绕的历史事实。尽管新媒体已成为主流，但以暗箱模式为代表的“观察者技术”仍萦绕于现代经验之中，而现代性造成的视觉断裂常被忽视，这既揭示了现代观念的不彻底，也遮蔽了记忆、经验与“灵晕”在历史中的韧性。

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展览《我们中间横亘着》，通过曹澍、姚清妹、尹韵雅三位艺术家的影像及装置作品展开对当代个体普遍境遇的观察。艺术家以复刻的现实场景、解构重组的时空以及在隐喻中被虚拟化的现实为切入点，借助多元媒介探讨个体与群体、规训与抵抗、隔阂与共生之间微妙而复杂的关系。

展览将展厅转化为一个持续生成的流动场域，在这里，“主体”的身份——无论是艺术家、作品中的演员或观者——均难以被简单定义，却共同演绎出社会结构中联结与疏离、依存与对抗的张力。展览追问在认知不统一的前提下对话如何可能，并借助媒介的传播属性，将不可见的距离可视化。艺术家通过构建可被身体感知的现场，松动语言与认知的边界，使横亘于所有主体之间的那段距离得以被看见与反思。

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《燕山散步》是一项持续数年的纯粹集体散步行动，由策划人王澈随机邀约艺术行业人士，在燕山山脉的森林、峡谷、山巅、河流沿岸及丘陵草甸等多样地貌中展开行走与扎营。此次展览以文献形式梳理了自2018年5月至2023年12月，共41场散步，参与者涵盖艺术创作、策展、写作、媒体、机构、拍卖等不同领域，共计九十三人，其中超过半数曾反复参与。

项目选择燕山，既因其山脉形态丰富、变化多样，也因其位于北京北部的地理位置使持续实施成为可能。散步在此被视作一种从既定结构中出走的动作，它以松弛、不羁、缓慢且沉思的姿态，重构了参与者与自然、与他人、与自身实践的相遇方式。

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肖克刚的个展“洞穴”集中展示了艺术家近年的新作，其创作始终以表现主义为基底，并历经从德国表现主义、文艺复兴早期绘画到中国传统山水画的广泛吸收与碰撞，最终在回到家乡西昌时，从凉山彝族的民间绘画与雕刻中获得了关键启发。艺术家并非简单寻找原始艺术中的表现主义痕迹，而是在表现主义内部看见了彝族山民的图腾与仪式，由此开始探索一种可能的“前绘画”状态。

肖克刚通过实践木雕、陶瓷等多种媒介，试图想象并体认无现代技术时代的创作方式，并将这种原始的能量与蛮荒之美反馈至绘画中。展览以“洞穴”为名，既象征从俗世与既定范式中出走，也意指艺术家主动将自身从艺术史叙事中孤立出来，不断回归至一种前文明的、未被惯例与标准所定义的原始创作状态。

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展览“镜中未来”，聚焦三位出生于20世纪40年代的先锋艺术家梁绍基、李山与林恩·赫舍曼·利森的作品。展览围绕“镜子”这一核心意象展开思辨——既作为映照现实的物理实体，亦喻指重构时空的数字界面，呼应了镜像作为“有意识的幻想”这一理论维度。

三位艺术家以其跨越绘画、影像与装置的多元实践，在过去半个世纪持续突破媒介与观念的边界。从梁绍基琉璃装置中蚕丝般的生命痕迹、李山对生物基因的“重组”图像，到林恩·赫舍曼·利森关于“赛博格”与人机共生的演化寓言，他们共同将科幻想象转化为艺术现实，开启了审视科技、生命与人类未来的崭新视角。展览在农历新年的交汇时刻，于传统与未来之间构建了一个充满思辨与对话的想象空间。

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展览以同名新作《钢铁花园》为核心，同时汇集了姚清妹跨越十余年的创作，为理解她对象征性姿态、具身实践与动态影像建构的长期探索提供了脉络。从早期介入公共空间并以影像记录行为表演开始，姚清妹逐渐转向更具电影感的构思方式，发展出一种更为自觉的影像语言，使她同时置身于镜头的前后。

在姚清妹的整体创作中，她以一种独特而敏锐的声音，精准回应了二十一世纪以来爱国主义、记忆与公共空间的流动变迁。“钢铁花园”以一个凝练而开阔的视角切入她的艺术实践，凸显了一位对仪式、权力与生活经验有着深刻洞察的艺术家，其思考所激发的共鸣，早已超越了创作原初的语境。

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艺术家赖宇通的首次画廊个展“野狗”源于艺术家与一群游离于城市边缘的流浪狗的长期互动与观察，通过绘画、雕塑、声音及声光表演等多种媒介，邀请观众重新审视我们与环境中被忽视生物之间的关系，并反思共情与联结的可能。

赖宇通的创作以平凡材料如纸板、木材与纸张为主，运用擦除、透明与模糊的处理手法，将流浪狗的形象转化为朦胧的影子与印记，以此暗示其神秘莫测与无归属的状态。展览空间被转化为一个与这些边缘生命的相遇现场，通过艺术家个人经历从恐惧到爱的情感转化，引导观者与那些存在于我们视野之外的存在产生深刻的共鸣。

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韩梦云个展“无常的宝石”艺术家在香格纳画廊新加坡空间的首次个展。展览标题源自艺术家在2020年动荡不安的春日下创作的同名诗作，展览汇集了其2020至2025年间创作的油画与纸本作品。通过对“无常”的哲思凝视，作品既记录了疫情时代个体的精神震荡，又展现出超然物外的沉静力量，混杂而神秘的视觉语言构筑了一个冥想空间。

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香格纳新加坡呈现的群展“现实的演绎”，蕴藏着一种“生成”的状态，展示了那些人物形象处于摆拍或定格、静止或动态中的肖像作品。这些作品并非旨在展示现实世界中的日常场景，而是暗示着一种持续的尝试，即构建新的、虚构的或想象出来的场景。在每一次的场景布置中，艺术家让观众能够按照自己的方式去体验他们的作品，形成新的感知，进而创造出另一种现实。

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艺术家赵仁辉的个展“垃圾层里的神圣”通过其最新系列摄影作品，聚焦于废弃物与腐烂过程中产生的深刻变化，邀请观者反思并重新想象人类与自然界的关系。

展览以一系列记录生物在倒下的合欢树干上活动的影像开篇，描绘了被摧毁的环境如何转化为重生之地。作品中那些如珍贵宝石般的图像，实则由玻璃碎片等人类活动残余物构成，深刻象征了森林进程与人类历史的紧密交织。展览期间恰逢新加坡艺术周，并与新加坡美术馆同期举行的“见·森林”展览形成对话，共同延续了艺术家对生态恢复力的持续探索。

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