Ropac 线上展厅｜肖恩·斯库利（Sean Scully）：蓝色

蓝色在肖恩·斯库利（Sean Scully）的创作中有着特殊的意义。在名为“蓝色”的展览中，他运用色彩的细微差别来表达光线和情感，这种独特的表达方式得到了淋漓尽致的展现，并产生了诗意的效果。九幅宛如宝石般璀璨的“光之墙”系列画作，以不同的蓝色色调绘制在铜板上，每一幅都是对蓝色在艺术家心中唤起的记忆和场所回响的颂歌。

当诗人兼艺术评论家凯利·格罗维尔（Kelly Grovier）问斯库利，他何时开始思考艺术时，斯库利回忆起童年在伦敦的时光：“我记得我有一辆自行车。我永远不会忘记它，是天青蓝色的。”斯库利认为，正是对“那美丽的浅蓝色”的认知，以及它在他学龄前所唤起的情感，让他走上了艺术家的道路。

斯库利在伦敦汉普斯特德居住的两年间，开始创作“蓝色”系列画作。他的工作室位于肯特镇，离他童年时期在海布里外祖母的寄宿屋生活的地方并不远。他小时候经常骑着蓝色自行车四处游荡。作品《墙 钴 白》（2024）中柔和朦胧的钴蓝色和灰色调，让人联想起伦敦清冷的北方光线。《墙 蓝 沼泽》（2024）则让观者似乎感受到汉普斯特德日暮中的灰色雨幕，而《墙 苍白 灰》（2024）则再现了战后世界弥漫的雾气。

“当我在绘画时，”斯库利说，“我心中所有的纷乱都浮现而出。这不是一种展示，而是我对事物的处理方式。[……] 如果我能画一幅色彩明亮的画，我将为自己骄傲，因为这意味着我战胜了悲伤。”在斯库利的写作实践中，无论是散文还是诗歌，对地点、时间以及伴随而来的情感的记忆，也常常以色彩的形式凝固。

在他同名的诗作《蓝色》中（收录于随展览出版的图书），他纪念了童年观看母亲在舞台上演唱《释放的旋律》（Unchained Melody）的经历，结尾处人们牵着手，大厅仿佛变成了忧郁蓝色。《蓝鸟》（2024）与《夜海》（2024）中的情感与震荡般的丁香紫和淡紫色，让人想到他母亲曾在希尔内斯的杂耍舞台上：那位发光的女性，穿着粉色塔夫绸礼服，演唱着她的悲伤之歌，以及那些引领我们前往外界、前往蓝色大海的河流。

展览中的作品不仅体现了艺术家对特定场所的深厚情感，也体现了他对绘画史以及“光与色彩表面所组成的深层浪漫传统”的承续。斯库利探索了蓝色所蕴含的丰富情感和即兴创作的可能性，并深入挖掘了20世纪早期欧洲现代主义伟大画家所使用的色调体系。 

展出作品的色调折射出毕加索蓝色时期和马蒂斯1902年画作《巴黎圣母院，午后》的忧郁，以及马蒂斯十年后在丹吉尔工作室创作的空灵明亮的地中海蓝色调。诸如《墙 海 蓝》（2024）等作品中浓郁的色调， 似乎直接再现了马蒂斯在摩洛哥发现的柔和光线。

除了以蓝色调为主的铜板“光之墙”系列作品外，本次展览还展出了艺术家“陆线”系列的一件巨型作品，该系列作品绘制于铝板之上。始于2013年的“陆地线”系列标志着斯库利创作实践的转变，它不再像“光之墙”系列那样描绘建筑感十足的砖块状结构，而是着重表现地平线和风景。斯库利的抽象作品始终根植于他在现实世界中发现的各种形态：正如他所说，它们“向联想倾斜”。 

在大型作品《陆线 朱红 灰》（2025）中，他反复堆叠地平线这一普遍的母题，通过几何抽象的冥想式视觉语言引入风景绘画的传统。“从这个意义上说，”艺术家解释道，“我的抽象相当具象，并不是非常遥远。”这种贴近性在整个展览中回响，每一幅抽象作品都提炼出世界的回声：记忆中的场景、变幻的光线以及作品所牵连的情感。