青年艺术现场 · 上半场 | 创造的现场：多元视角下的艺术实践

2025年11月23日，“2025清华大学艺术博物馆艺术与科技周”学术板块“青年艺术现场”在密集的交流碰撞中圆满落幕。本次活动不仅集中展示了青年艺术家的创作能量，更通过多元实践路径的呈现，揭示了艺术与科技融合如何构建起理解世界的全新框架——在人文关怀与技术创新的持续对话中，推动我们以更整全的视角把握人类处境，以更具责任感的方式参与未来文明的塑造。

清华大学艺术博物馆副馆长邓岩

邓岩教授致辞中强调，“青年艺术现场”是艺术博物馆重点打造的学术平台，致力于构建超越单一展览的长期支持体系，未来将通过展览、对谈、工作坊及出版合作等多种形式，助力青年创作者获得持续反馈与成长资源，使其作品与思想进入更广泛公众视野，从而推动成熟艺术生态的建立。

“青年艺术现场”上半场以“创造的现场：多元视角下的艺术实践”为题，24位讲者以每人8分钟的形式，围绕创作中涌现的新方法和新视角，分享各自的创作实践与深层思考。本项目由清华大学艺术博物馆陈兴鲁召集策划，论坛由清华大学人文与社会科学高等研究所博士后蔡翘宇主持。

清华大学人文与社会科学高等研究所蔡翘宇

活动背景 | 2025清华大学艺术博物馆艺术与科技周

活动主题 | 青年艺术现场

活动时间 | 2025年11月23日

活动地点 | 清华大学艺术博物馆四层报告厅

主办单位 | 清华大学艺术博物馆

策划团队 | 陈兴鲁 葛秀支 马萧 查静怡 李晓翔 马欢笑 齐子漩

魏涛

艺术创作者

《一个35547平米的逗号》是在内蒙古完成的35547平米的逗号。《矢量逗号》是一个互动装置作品，观众可通过滚轮调控屏幕中的逗号，可无限放大，也可无限缩小。《SCA-2艺术卫星上的逗号》由SCA-2艺术卫星播放的2分钟视频构成，该视频展现了逗号现实世界到“理型世界”的过程。

在这些创作中，艺术家试图探讨：艺术是否具备某种客观性？这种客观性或许体现在表达的精确性上——艺术家以作品直指某个核心。如同这个“逗号”，它是否可被定义为艺术？其核心究竟是什么？又该如何以最精准的方式触及这一核心？

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罗浅溪

艺术家，Matrescence研究者

在分享中，罗浅溪从做母亲十余年的私人经历出发，探讨了母亲不同阶段的多重感受：早期作品直面成为母亲后的困顿、愤怒与精神坍缩。而九年后，她选择暂时踏出家庭，独自赴英国学习。在物理与情感的距离中重新审视“母亲”这一身份。她将时间、缺席、思念与劳动转化为可被观看的形式。出走与回归构成她创作的重要结构：这段经历并非对母职的否定，而是一种对其复杂性、持续性与主体性的重新理解与确认。

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谭昱冰

艺术家

谭昱冰在活动中分享了她从2020年毕业回国后的创作经历。她从工厂废弃会议室中建立工作室，开启独立艺术实践，并于2022年创办艺术空间“画清池”，逐步实现自我机构化，尝试从不同的角度思考艺术生态。她认为“友谊”是艺术中常被忽视却至关重要的力量。 她还回顾了近年参与的多个驻地项目，这些经历为她带来了跨文化视野和创作灵感。她逐渐意识到自己的视线应该更多聚焦邻居和亚洲国家，关注民间智慧，借以形成本土的艺术语言。她的创作常通过虚构世界与规则，探讨权力、劳动及女性视角。

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陈萧伊

艺术家

自2018年起，陈萧伊围绕横断山脉构建“横断涟漪系”，试图在地质尺度上连接人类存在与感知。她深入废弃矿区，视人为痕迹为大地手相，利用红外相机捕捉山林心跳，并借GIS技术将地下矿床转化为星图。通过“白海螺”等意象，她探讨神话与现代性的冲突。其创作如同一场重新测量，旨在连接古老地质与当下生命，解读世界深处的语言，探索超越人类视角的潜在能动性。

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尹航

艺术家、图像工作者

尹航创作实践的形式和意象围绕着结构性暴力所展开，其探讨了道德模糊和权力异化。本次主题分享活动展示了尹航多年的创作实践及近期基于AI制图所制作的探索实践。从早期以礼物包装纸为创作脉络开始，艺术家展示了一个个由空心物体所重塑的情景和场域。2024年开启的“黄金与替罪羊”系列，艺术家试图摆脱物质材料的局限，从而转向使用现成物进行搭建的情景拍摄，呈现了日常隐喻物体在现实中戏剧性的对立统一。

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岳明月

艺术家，清华大学美术学院在读博士生，纤维艺术研究者与创作者

本次主题分享围绕“生命与死亡”，系统呈现其近年来的研究与艺术实践。“生命”项目以女性经验为核心，关注身份、身体与生育议题，通过数码刺绣与手工缝纫相结合，常以半透明软纱为媒材，呈现生命孕育过程中脆弱与力量并存的双重状态。“死亡”项目以展览“将死亡带回生活”为代表聚焦现代社会中被回避的死亡议题，回应衰老、疾病与临终关怀等现实问题。

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孟垚

青年作者，艺术家

2022年，北京正经历一场严格的公共卫生治理，孟垚住在五环外聚集大量外来务工者的草场地。在这里，外卖员维系民生饮食，见证社会韧性，却也常被疑为不安定因素，这激发孟垚在“例外状态”中开始思考资本与劳动。于是把李大钊1923年《社会主义下的经济组织》片段以外卖备注少量多次传回，经过编辑处理，整理成仿旧式街头传单的艺术书。热敏小票易褪，映照时间与观念的脆弱，也让孟垚想起“只争朝夕”的劳动历史。

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安宁

艺术家

“在我的创作生涯里，我逐渐认识到，真正的艺术必须源于真诚的个人体验。我放弃宏大叙事，转而向内行走——通过自身那些细微、甚至碎片化的日常与情感，去建立认知的坐标。”安宁所践行的，或许可称为一种“自我理论”：将生活经验作为理解的路径，在手痕与呼吸间寻找真实。艺术对安宁而言，从来不只是表达，更是理解世界的方式。它需要勇气去展露脆弱，容纳那些复杂而私密的感受。从这个角度看，创作始终是一场忠于自身的诚实跋涉。

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袁春然

清华大学美术学院首饰艺术硕士，曾任教于北京联合大学工艺美术系，首饰品牌CHUNRAN主理人

袁春然回顾了其从学生、教师到独立创作者的职业转型。在清华美院期间，他以金工编织为核心，将个人情绪与校园记忆融入“缠绕婚戒”“螺丝”等实验性作品。任教联合大学后，他转向命题设计，带领学生以藏族符号开发博物馆文创，虽实现量产，却让渡了部分个人表达。为回归真实创作状态，他辞去教职，创立品牌 CHUNRAN，并以《群鸟》与城市“荆棘”意象为灵感，发展出“群鸟”“荆棘”“眼泪”“疤痕”等系列，通过首饰探讨现代人脆弱而渴望自由的心理状态。

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闫琨骜

毕业于中国传媒大学、美国哥伦比亚大学导演系，北京大学艺术学院在读博士生，青年编剧导演、剪辑师、制片人

跨文化视域下的影像创作何以发生这一报告基于闫琨骜的跨国学习经历和创作经历分享了跨文化影像创作的特征、方法以及可能存在的问题。以在美国拍摄的长片《八九点钟》为例，报告详细阐述了低成本跨文化制作的人员组成、拍摄方式以及对独立电影运动的借鉴；此外于上海拍摄的艺术家电影《努拉》和在柏林拍摄的电影《经过》均讨论了空间与文化的错位问题，并延展出跨文化创作的新思考。

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顾文璟

艺术家，中央美术学院在读博士生

顾文璟以摄影、绘画与影像展开跨媒介创作。她的早期实践源于对童年居住空间的回望，通过日常物件勾连幻想性的“时空经验”，呈现成年后常被忽视的潜意识想象，如将贴满海洋贴纸的厨房玻璃视为鱼缸等。《北京哥特》系列通过在北京街巷中捕捉非典型图像来反叛固化的文化符号，试图剥离城市的固定指向。进入绘画后，她以“从图像倒推”的方式进行创作，在“边看边画”中尝试以冷静而抽离的视角引导观者重新体验日常经验中被忽略的感知缝隙。

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杨鑫

艺术家

本次分享围绕其个人创作实践展开，呈现参展作品《震·阵》的创作灵感与感悟。作品始于日常中易被忽略的细微声响，通过置换材料与放大尺度转化为艺术表达，让轻微的震动迸发如雷的轰鸣。作品借助机械结构与工业材料模拟自然界极具震撼的雷声，在工业与自然的张力中构建对话，通过人造“雷声”唤起观者对自然缺失的感知，引导我们反思：当雷声都需要机械再现，未来人类与自然的关系将走向何处？

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苏永健

艺术家，中央美术学院博士，现任教于北京电影学院

苏永健分享了近十年的创作实践，他擅长结合机械、生物材料与人工智能，深入探讨自然与人工造物之间的博弈与共生。

从利用昆虫无序运动触发生响装置，到“进化机”中通过算法操控外骨骼进而支配人类行动，他尖锐地反思了人对机器决策的依赖究竟是进化还是退化。最新作品《浑沌》则将精密的机械运动与不可控的全球地磁数据融合，构建了理性逻辑与自然能量的对话。他的创作在冰冷的科技外壳下，试图捕捉生命的温润与感知的边界。

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杨璐宁

艺术家

杨璐宁分享了从关注材料形式向构建空间氛围的创作转型。早期她着迷于街头图景，利用水泥与模具赋予坚硬材质以奶油般的流动感。

离开斯莱德美院后，她转向捕捉物体间的感性关联与叙事。通过将羊毛、泡沫等现成品与3D技术结合，她以“可爱”与“虚构”为壳，探讨城市过渡空间中的个体状态。其作品试图在材质拼贴中，构建出一种既忧伤又幽默的当代生活隐喻。

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王沂

艺术家，毕业于中央美术学院并留校任教

王沂长期关注麻雀与人类的关系史并展开创作。其中一项是拍摄麻雀的遗骸，借助AI复原它们的肖像。历史上曾发生过多次大规模的集体捕雀事件，这是一个人类与鸟类乃至整个自然关系的问题。王沂把遇到的意外死亡的麻雀进行拍照，按照9个量化指标去记录下这些麻雀遗骸的体貌特征，接着借助人工智能去复原它们的肖像，形成一个类似证件照的结果。死亡与复活、人与动物、田野与AI似乎混搅在了一起，真假分明又真假难辨。

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张天怡

艺术家，中央美术学院博士，北京印刷学院教师

张天怡分享了她近几年来的生态艺术作品，她用跨学科交叉的研究作为创作方法，将科技视作修复生态的重要机遇，探讨新的科技语境下人与生态的关系、探讨非“人类中心主义”的平等生态关系。其中作品《植物智能计划》以“生态关系”为切入点，基于植物智能研究，利用生物科技手段和材料，修复商业育种作物丧失的与动物间生态联系，作品呼吁回归非“人类中心主义”的平等生态关系。

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袁崧浩与毛珂捷

建筑师，崖口四十五号工作室主创，同济大学与东南大学毕业

他们致力于探索地方性知识与建造的关联。其首个分享的木雕博物馆项目，通过结合当代建造与传统木作，追求“新旧并置”。而在由白族民居改造的艺术家工坊中，他们转向“系统发展”：通过解构白族建造内在逻辑，将地方工艺演进为适应新的技术体系。实践揭示，地方性知识不应止步于福尔马林式的保存或奇观消费，而应主动拥抱需求与技术，重新确立其在当代生产生活中的位置。

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符梦希

艺术家，英国威尔士三一圣大卫大学在读博士，数字人类学研究者

本次分享聚焦“数字死亡”这一新兴研究领域。随着日常生活加速向数字空间迁移，死亡不再局限于肉体终结，而成为由平台、算法与虚拟身份共同构成的文化与技术现象。在线纪念页面、直播葬礼、虚拟现实仪式以及身后聊天机器人等，都在拓展死亡的物质维度和社会维度。符梦希在分享中表示“数字死亡”不仅关乎真实生命的终结，也涵盖化身消亡、社交断联与未完成的来世纽带。这些现象为艺术实践与社会文化研究提供了新的思考空间。

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李芷暄

艺术家，天津美术学院科技艺术系毕业，创作围绕个体身份展开。

许佩霖

天津美术学院影像艺术研究生在读，创作涵盖影像、交互与数字生成等

本次分享以《风从何处来》系列作品为例，探讨现代社会空间与身份位移下的个体“游牧性”。作品以“风”隐喻社会趋势，将八大机场航班数据转化为风力。在此流动场域中，粒子的聚散、黑球的张弛与滚轮的周转，分别具象化了个体流转、人际疏离与起降再出发的节律。而《风从何处来·二》通过融入个体差异与参与体验，深化了对现代人“在途中”生存状态的讨论。

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陈秋

艺术家，《中国摄影》编辑部副主任

陈秋主要介绍两个相关联的展览：一个是刚在中国摄影画廊结束的个人策展项目，另一个是正在泰康美术馆展出的个人创作项目。两者共同围绕 1957 年至 1990 年代中国影像经验的发展展开，关注影像如何在不同历史阶段塑造人物、权力与社会关系。策展部分通过多位创作者的摄影实践，呈现新中国影像从现实主义、画意摄影到摆拍与符号化传播的演变，并揭示政治与社会变动对美学范式的深刻影响。个人创作则沿着新中国思想史线索，从摄影媒介本体出发，以档案化空间结构，讨论影像、权力、符号复制及技术之间的关系，重新反思影像生产背后的历史动机与视觉机制。

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夏靖宜

影像艺术家

夏靖宜视摄影为一种具身性的生命体验与哲学冥想,她分享了近几年的创作脉络和思辨过程。在系列作品La Petite Mort中，她受巴塔耶启发，利用黑白胶片捕捉葬礼肃穆与俱乐部狂欢下的“小死”时刻，探索死亡与狂喜的内在连续性。

项目《过敏源》则源于她归乡后的生理与心理不适。她尝试用AI为黑白影像生成虚构色彩以拷问记忆的可靠性，并计划结合量子物理视角与大画幅摄影，在纪实、算法与亲密记忆的张力中，探寻现实与感知的模糊边界。

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袁松

艺术家，天津美术学院教师

袁松以 “风景与高光” 为创作脉络，核心关注当代视觉文化 “真实—虚假” 与 “消费—主体性” 双重结构。《风景系列》用霓虹灯等廉价材料营造视觉矛盾，反思消费社会。《高光系列》截取重组图像、嵌入真实材料，模糊真假边界，隐喻信息时代体验。近期展览尝试模糊装置与架上界限，以空间逻辑引导观看，借镜面反射邀观众反思自身与环境关系，作品始终探索真实与表象、消费与价值议题。

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更多内容请看今日另一推送《“青年艺术现场”·下半场 | 算法的想象力：AI与艺术未来式》