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M艺术空间展览现场&访谈 | 56号展位 M009 周胤辰 BoothM56 ZHOU Yinchen

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56号展位

M艺术空间十八年特别呈现

Booth M56

M Art Center 18th Anniversary Special Presentation

展期：

2025.11.11-2026.2.11

参展艺术家：

刘毅、爱琴、何曦、骆丹

冯君蓝、林清、高郁韬、柒先生（SETH）

周胤辰、赵舒燕、刘真辰、傅百林

地址：上海市莫干山路56号1楼

Address: 1F, 56 Moganshan Road, Shanghai

*本次展览仅限邀请

“M56展位”已正式开启。这个看似熟悉的展位现场，是我们与十二位艺术家共同完成的一场实验——当空间主动“扮演”艺博会展位，艺术的展示机制本身便成了被观看、被思索的对象。

我们相信，作品自己会说话，而艺术家本人的声音，则是进入其创作世界最珍贵的线索。他们的思考轨迹、创作瞬间与内在驱动，构成了作品无声的底色，也是我们希望与观众共享的。

为此，我们邀请每位参展艺术家进行一次Q&A问答。通过这一艺术家对谈系列，潜入每位艺术家的创作语境，探寻那些在作品之下的思想脉络与情感温度。

本系列推送将依循“展位”的展览顺序，逐一呈现这些对话。

这次为我们带来分享的，是艺术家周胤辰。

M009

周胤辰 ZHOU Yinchen

这个项目带有一种观念艺术的“游戏感”，但筹备过程无疑是严肃和认真的。您如何看待艺术创作中“游戏”心态的价值？在您的实践中，它是如何帮助您打破常规或催生新想的？

我觉得做作品得在两者之间跳转，游戏带来新鲜感，而严肃和认真则是必须要有的态度，艺术一直在解决一些看似矛盾的问题，矛盾带来张力。

能否与我们分享您近期创作中最核心的关注点或驱动力？它可能是一个萦绕不去的意象、一个亟待解决的形式问题，或是一个渴望与社会对话的议题。

对我而言，创作的驱动力在于我想表达，而作品是最忠诚的语言。我们每天接触到的信息、文化、知识……通过身体作为介质过滤至沉淀后以作品的样态再现出来，作品便不再是某个具体物的再现，而是我对世界的理解与认识，也是情感与内心的映射。

我最近的关注点聚焦在如何呈现一个更为接近内心的图像，它可以是景，也可以是物，亦或其他，我希望这种呈现是“准确”的，“准确”包含材质、语言以及观念。我希望我的作品可以带来撞击！

您的笔触带有一种速度感，旨在捕捉倏忽而过的风景。但您又坦言自己“画画比较慢”，因为要消化画面的“不确定性”。这捕捉瞬间的冲动与漫长谨慎的绘制过程之间，形成了一种怎样的张力？这种“慢”是否本身也是您处理记忆的一种方式？

确实常有人问我是否画得很快，因为画面中的笔触看起来爽利，色层也薄。但事实上，我画得很慢——我一直想做到某种意义上的极致。

艺术家随拍风光

无论是车窗外流动的风景，还是日落、星云，这些景象都向我提示着自然力与时间中蕴藏的不确定性。万物的组合瞬息万变，而我们只能在某个瞬间与之相遇。笔触带来的速度感，于我而言更像一种手法；如果它与表达契合，我便采用，但这并不代表我会始终将其视为个人特征。甚至我会在下一张画中刻意避开这种用法，以免自己陷入“熟练”的陷阱。保持某种“生涩感”，是让我持续保持鲜活并向上生长的方式。

而“慢”，恰恰源于如何在准确传达“感觉”与回避“熟练”之间反复博弈。正因为此，我常常在画到一半时因觉得“不对”而搁笔，有些画作至今仍在画室里等待；也会在灵感来临之时，提起笔一气画完。我很少绘制精确的小稿，也无法预设一幅画的完成时间。有些作品反复调整，跨越两三年之久，画面中形成的“历史叠压关系”也自有其意味。

我的画很依赖手感与状态，每一笔都需与上一笔相互生发，同时还得兼顾形、色与画面结构。“准确”与“不确定性”之间形成的张力充满魅力，但也确实令人备受折磨。

另一方面，“慢”也是一种感知层面的描述。我很少对景写生，但图像的来源往往扎根于身体的体验。依靠记忆，以及创作时间的延后，可以模糊具体细节，让外部的景象逐渐转化为连接内在自我的媒介，最终抵达精神性的表达。我习惯边画边想，一边否定一边推进。因此，“慢”就这样自然而然地发生了。

您的作品常被描述为“心理图像”或“记忆的风景”。您提到“记忆很神奇，能够把不同时空的感受交叠在一起”。在创作中，这种来自不同时间、地点的视觉与感受，具体是如何在脑海中发酵，并最终被您选择和固化到同一画面中的？

那就以展出的这个系列为例。这个系列主要讨论的是时空问题，它缘起于我对古物的理解。那年我无意间遇见一座古塔，它隐于山坳中，残破却挺拔，虽经千年洗礼无伤风骨。四周是佛寺遗迹，到处都散落着建筑构件与雕塑碎片，身处其间恍如隔世，耳边只有鸟叫与风声，风物极好！只一瞬间，它便撞击到我：在时间的维度中，碎片不止于当下的形态，它承载了一段完整的历史与文化。但我并不想用任何符号化的图像来复制这一切。它们是有重量的。

艺术家随见的古建构

挺突然的，有一段在国外搭载火车的图像撞入脑中。在既定时间内随机出现无数帧的片段正符合了“碎片”的概念。一帧一帧的图像既连接了时间的概念，也承载着错位的空间，并构成新的视觉叙事。其中的每一件作品都是独立的，但不同数列的组合会加强关联与速度感。不同的画幅尺寸像规格不一的构件，各自搭载着合适的空间和体量，但它们都限定于同一段时间列车。这种链接好像大脑突然“搭错线”，但我很满意这种看似“无关”的对应关系，我希望作品能有不为人轻易看到的“另一面”。

闪入脑海的火车画面（艺术家提供）

这个系列也成为了我的一个起点，我仍然热爱古物，热爱自然，它们一直都在我的作品中，只是以不同的面貌存在。

艺术家随拍工作室日落

工作室是艺术家最私密和真实的空间，与“艺博会”这样的公共场域形成鲜明对比。您能否描述一下您的工作室日常？那个空间对您而言，最重要的意义是什么？

我的工作室用了很多年，它已经形成了一个与我很适配的场，在这里我能够享受放松与自由。没有其他工作与社交的时候我习惯于在工作室待着，不单纯为创作。有时只是过来喝杯茶，看看书，想想问题。

对我而言，这个空间最重要的意义，是隔绝公共场域规训的创作自留地。工作室是作品的试验场，允许试错、混乱甚至“无用”的探索。它可以容纳很多可能，也有很多问题在这里悬置。我的工作室经常会有些未完成的作品，其中一些要搁置许久，甚至多年。也许在某个瞬间，我就能击中要害，完成它。也许有些作品会以未完成的状态成为我语言体系中的一环，去触碰甚至击破边界。与在展厅里要尽量呈现“完美”不同，在工作室，一切皆有可能。