站台中国于本年度在A、B两个展厅空间共呈现了13场展览，分别为时间的形状：20周年特展、段远文《四季》、陈柏豪《深渊，迷雾，爱》、王一《偶像的模型》、李津《契入》798驻留项目、夏季群展-出口、代洲《如沐爱河》、谢堃《光照亮光》、葛辉《早晨的阳光很刺眼》、孙瑶瑶《他日见青山》、尹齐《情动的风景》、任诒春《我是谁的果实》、李尤松《记忆沙盘》。

在2025年度，我们共参与了2场线下博览会。3月，我们参与了香港巴塞尔艺术博览会，呈现了22位艺术家的群展。北京当代艺术博览会期间，带来了景柯文的个人项目“等待神仙”。

2025年，我们的艺术家持续在各大美术馆、双年展和艺术机构密集亮相。其中，邱瑞祥迄今为止最大规模个展《个体》于北京松美术馆呈现，展览汇集包含布面与纸本在内的90余件绘画作品；陈柏豪参展2025年台北双年展《地平线上的低吟》，带来多件最新创作；袁运生巨作《寞》参加泰康美术馆群展《未完成的时间：中国当代艺术1980s×1990s》；在和美术馆的五周年特展《根系比罗盘更清楚方向》，龚剑、汤大尧、肖江均有作品亮相；在X美术馆《以爱相传——时代延续与媒介迭新》的展览中，呈现了龚剑与刘彦湖的作品；香港大馆当代美术馆的展览《保持在線：2008 年後的藝術與中國》，武汉剩余空间十周年特展《剩余价值》中，亦呈现了龚剑的作品；刘港顺参展了N+艺术中心的开馆大展《枢纽:艺术的无尽探索》；刘彦湖分别在《词语和书写的边界：刘彦湖 卢俊舟双个展》与X美术馆《以爱相传——时代延续与媒介迭新》的展览中呈现了作品；毕建业作品亮相深圳市当代艺术与城市规划馆《现实，超现实——中国当代绘画大展》。

在农历新年后，我们将呈现艺术家宋元元以及何可人的个展。3月下旬，我们也将继续参与香港巴塞尔2026，期待与大家在香港见面。

时间的形状：20周年特展

The Shape of Time: 20th Anniversary Special Exhibition

2025年春，恰逢画廊成立20周年，站台中国当代艺术机构于2月26日呈现“时间的形状：20周年特展”。

此次特展以空间的展览和线上梳理展览史的形式同时进行。画廊空间的线下展览以绘画为主体，以管窥豹的呈现出我们对艺术的理解和视角。线上推出了“20年展览史”的文献项目，概述20年来站台中国的艺术家们、艺术同仁与艺术生态的互动和艺术生产，把过往的时间和事件以文献的方式在迭代的互动与传播中显化出新的肌理。

段远文《四季》

Duan Yuanwen: Seasons

段远文，1978年生于湖南衡阳，2003年毕业于广州美术学院油画系，现生活工作于广州。他近年的绘画——塔、骷髅、肉身、花朵、山水等意象在画布上本能的生长，色块堆砌的塔并非垒积于大地之上，它们既无根基也无终点，似乎兀然汇聚在失重的无垠空间。岩石是肉眼可见的亿万年，而杂草自顾自的从挤压与堆叠中奋然挣出，活出自己的生命周期。它们既不屈服于线性时间，也从未依附于文化含义和历史情境。

陈柏豪《深渊，迷雾，爱》

Skyler Chen: Danger, Mystery and Love

“年轻时，我或许曾期待这个世界如何看待我，但后来我明白，真正重要的并不是外界的眼光，而是如何诚实面对自己，并透过创作真实地呈现自己。如今，如果有人问起我的志愿，我的回答是：用我的作品去诉说一群少数人的人生经验。”

——陈柏豪

展览主题《深渊，迷雾，爱》源自比利时两性关系专家埃斯特·佩雷尔（Esther Perel）提出的情感三元悖论——“爱、神秘感与危险边缘” （love, mystery and danger）。它们恰恰代表了人类情感的复杂张力：支持与压制、真实与表演、自由与约束往往交织共生。“我们是彼此的依靠，还是彼此的界限？”人与人的联结既可能是救赎的绳索，也可能是困住彼此的锁链。艺术家擅长用日常的经验发出诘问。他的绘画充斥着隐藏的真实欲望、模糊而静止的处境，以及那些悬浮于触碰与控制之间的肢体语言，在其中层层递进。而在现世中的日常与情感给他带来的种种困惑与迷思从未停歇。这种冲突亦体现在家庭、社会、身体、情感及历史、记忆等相互折叠的复杂因素对艺术家的塑造中。他将某种自我的碎片投射于画面之中，诉诸于这些花束、海报、食物与鸟儿之间，它们柔和而温暖，似乎是最小单位的对于美好的想象。而那些被精心包装的“美好”背后，往往蛰伏着主流凝视的矫正机制，它们被赋予了文化权力的重量。

鲁明军：《希望与危险：陈柏豪的跨国/界身体》

王一《偶像的模型》

Wang Yi: Icon Paradigm

“我从小在煤矿长大，看惯了工业的筋骨怎样扎进生活里。

——王一

在王一的绘画中，他将既往偶像的图像作为他工作中的重要资源。他把墨西哥壁画中恢弘的人群阵列解构为电子游戏般的低多边形模型，在前苏联太空时代的标志性宇航员形象身边放置着马斯克星链技术的卫星，又抑或让电影技术蓬勃发展时期的明星失去个性的面孔。这些不同时代的并置形成了现代主义工业化生产以后由技术崇拜带来的视觉谱系。而不论是数字模型生成的有着不同贴图效果的人物模块，还是社会主义壁画中符号化的劳动与技术进步中的人物形象，它们是随着每一次的技术革新而重新链接的个体，是理想化的剥除“人”的特征的模块，也是每个时代面对的偶像。我们生成偶像、更替偶像，以至于偶像已经不再代表具体的形象。它是所有的时代都在生成的一个抽象追逐，是人类与技术对话中不断演变的永恒镜像。

契入——李津798驻留项目

Immerse Li Jin: The 798 Residency

契入——李津项目展览现场（第一阶段）

契入——李津项目展览现场（第二阶段）

夏日群展《出口》

Group Summer Exhibition: EXIT

艺术家：毕建业、陈柏豪、代洲、付经岩、龚剑、葛辉、何可人、黄亮、景柯文、劳大伦、刘港顺、刘彦湖、马可鲁、亓文章、邱瑞祥、邱锡鹏、任诒春、孙瑶瑶、汤大尧、汪子博、王一龙、肖江、谢堃、许永城、尹齐、叶庆、叶恒贵、袁运生、张业兴、朱逸舟

代洲《如沐爱河》

Dai Zhou: Like Someone in Love

代洲的创作中时常出现旋旋的形象，她就像一面特殊的镜子，既反射出艺术家内心最真实的情感波动，又折射出外部世界的万千变化，让他逐渐在现实与理想间找到锚定与平衡。在爱人的形象中，他既安放着自身，也同样由此为依托，将视野与空间延伸至现实的远方。

谢堃《光照亮光》

Xie Kun: Light Unto Light

葛辉《早晨的阳光很刺眼》

Ge Hui: What A Harsh Morning Sun

“早晨的阳光很刺眼”，是一个具有强烈现实指向的隐喻。在当代生活中，晨光不再只是自然的馈赠，反而常常成为一种打扰，标记着时间的流逝，映照出理想与现实之间的断裂。然而，艺术家仍将它视为希望的象征。而其“刺眼”的特质，则如画面中那些执拗的形象，其不容忽视的姿态，唤起了观者对自我存在的审视与反思。

葛辉的创作始终围绕对“人”的本质的探索。他笔下的人物具有鲜明的中性特质：性别模糊，肢体在扭动中充满张力，神情疏离而自持。他们脱离了具体的社会标签与历史背景，回归到自然人的状态，从而悬置世俗的定义。在近作中，形象的心理深度进一步凸显。艺术家通过捕捉一种游移于自我与他者、自然与文明之间的敏感情绪——他称之为娇羞状态，从而显露现代人内在的精神张力。同时，画中人物之间普遍存在的疏离感，则反映出他们意图通过保持距离来维护个体自主性，以抵抗外部世界的侵扰。

对于葛辉而言，绘画更接近于一种生成的仪式。他常常花费数月甚至数年时间反复推敲一个形象，在持续的打磨中使其逐渐显现。画面中的人物仿佛拥有了自己的意志与命运，各自以独特的方式生长成型。至此，人物彼此间的疏离感也转化为一种静默的力量。

展览文章｜王将《晨光灼灼，试观斯人：葛辉近作中的身体独白》

孙瑶瑶《他日见青山》

Sun Yaoyao: Toward the Green Mountain

滑动回顾展览现场 →

在一个崇尚成功与效率的时代，对于未知困难的默许与亲近似乎显得有些笨拙。孙瑶瑶恰恰用生涩而炽热的饱满笔触提供了一种框架之外的视角。“他日见青山”，是孙瑶瑶对自己的劝慰，也同样为我们共同的时代情绪，找到一种宽畅而坚韧的回响，一种身处泥潭而仍昂首向前的信念。这个时代给予每个人新生的机会：当面对眼前的惊骇与枯败时，是否依然能调动起全部的生命力，用最朴素的姿态，去画下一笔，去走一步。青山不改，希望亦常在。

尹齐《情动的风景》

Yin Qi: Landscapes of Affect

“这是双重意义上的绘画动荡——线条和块状的张力导致的动荡，色彩之间的跳跃动荡。这是动荡的风景。”

——汪民安

尹齐的绘画是一个隐秘的战场。这些没有终点的枯藤之线（枯藤恰好恰是最有生命力的表现）构成画面中最富动感的视觉元素，它刺穿了画面中密不透风的几何块面的封闭和凝重。在这些线条的不屈不挠的引导下，画面似乎出现了一些裂缝，一些“留白”，变得可以轻微地呼吸。但凝固的块状还是保持着自身的惰性，它使得这些枯藤线条并不能大范围地自由腾挪。流动的线条和凝固的块状就此达成了一种脆弱的平衡。绘画因此有了一些动荡感和倾斜感。而画面中的色彩交错也加剧了这种动荡感。这些色彩既锻造着塞尚式的几何体积，又暗含水墨晕染的多层次的通透空灵。这些色彩彼此交织跳跃共振，并没有哪一种色彩处于绝对的主导地位。色彩本身的交织共振既让自己产生缝隙，也让画面产生动荡。这是双重意义上的绘画动荡——线条和块状的张力导致的动荡，色彩之间的跳跃动荡。

滑动回顾展览现场 →

动荡的绘画就是在空与实之间摇摆不定，这就诞生了一种特定的风景。风景不再是凝固而嵌套式的饱满静物，也不是剔除了实物饱含无限深意的空白虚空。这是动荡的风景。如果我们说，这种风景凝集了尹齐特有的绘画之爱的话，那么，这就是尹齐自身的情动的风景。

汪民安《情动的风景——关于尹齐的绘画》

任诒春《我是谁的果实》

Ren Yichun: Of Whom Am I The Fruit

“我是谁的果实？”，展览在这样一个自省式的向内追问中展开。在上一阶段的创作中，任诒春曾经认为“怎么画”比“画什么”重要，但如今的她渐渐地通过“画什么”来追问“我为什么画”。正是这样的意义追溯，使“我”这一很强的主体称谓出现在展览主题中，而“果实”也从被凝视之物、被艺术家重新整理归纳的视觉对象，变得富有象征意义。艺术家在近作中，将一种代际之间的张力关系投射于绘制水果的行为之上。“果实”的语义在此处是一种警觉的反思，因为在爱的名义下，抚育和规训、管控是同时存在的过程。通过对“我是谁的果实”的追问，最终将有助于“我”更为主动自觉地加入到一种新的主体性建构中，似乎也是人类欲获得成熟的必经之路。这恰好是在凝视过程中诞生的又一重遇见，这样的意义追溯与任诒春自身主体性的渐强恰好是同时发生的。在这个渐渐开启的新阶段，艺术家不仅从视觉语法的秩序建构中得到快慰，也更加开放地敞开自身。

滑动回顾展览现场 →

展览文章丨姚斯青《从“果实之存”到“果实之问”——论任诒春的近作》

李尤松《记忆沙盘》

Li Yousong: Memory Field

·“记忆沙盘”

“记忆沙盘”指向个人记忆进行梳理、再现和整合的过程，类似于在沙盘中摆放模型来构建一个记忆场景。他将关于个人经历的记忆散乱的碎片，组织成有意义的“场景”和“故事”。 强调通过重新讲述和建构叙事来达成结构。 “记忆沙盘”可以视为一种非言语的叙事，将记忆视觉化。

·个体对集体记忆的视觉考古

将李尤松的画作视为对“集体记忆”地层的一次次考古发掘与视觉复原。他不是在描绘客观历史，而是在打捞、清理、拼合那些沉淀在时间中的记忆碎片。他的工作如同在“记忆的沙盘”上进行考古，让记忆遗物重新浮现，组合成一幅幅可供当代人凝视与反思的“遗址全景图”。

·文化记忆的冲突剧场

将“记忆沙盘”视为一个微型舞台或剧场。不同来源的文化记忆在此同台登场、对话、交锋甚至融合。每一幅作品都是这个剧场中的一幕。艺术家是导演，在沙盘上调度这些“记忆角色”，上演关于认同、冲击与调适的复杂戏剧。

·未来记忆的预演模型

记忆不仅关乎过去，也通过对过去的特定叙述，影响着对未来的想象与构建。对历史记忆的精心重构，本身就是在为未来塑造一种文化认同的模型。他在“记忆沙盘”上所做的，是一种文化基因的提纯与重组实验。他的作品提问：我们应携带哪些记忆走向未来？这些记忆将融合成何种新形态？

滑动回顾展览现场 →

陈柏豪

Skyler Chen

滑动回顾展览现场 →

邱瑞祥

Qiu Ruixiang

展览主题“个体”以艺术家自2006年创作初期至今的一系列人物绘画创作为视角，在他的绘画中，人物常常以独自一人的形象出现，这暗示着：我们每个人在人生中都有各自必须走完的旅程。然而，邱瑞祥并非试图描绘某个可识别的具体的人，也不是要让我们为其命名。他所追寻的，是“人”的本质——每一个人物都指向人类存在中某种独特的状态：痛苦的本质、焦虑的本质、喜悦的本质、运动的本质、行动与静止的本质。他的人物绘画揭示了被种种生活习惯所包裹的个体独特性——那些注入邱瑞祥画作中的丰富情感与生命状态，既呈现着相似的共鸣，又诉说着差异的悸动。倘若艺术如同明镜，映照出人类的欲望、抱负、希望与迷惘；它形态各异的表达，也承载着社会、群体与个体的觉醒与慰藉，那么在此意义上，邱瑞祥在绘画中发现、理解并提炼驱动人的能量。

邱瑞祥的作品始终反映了他各个阶段由己及彼的个人状态，这些画面中的人物与环境始终保有距离，也从未走向主动弥合。他们丛生于此，与艺术家由身体和直觉相遇，又在精神与情感中遥遥伫立。因此，这些作品并非按照创作的时间顺序在展览中呈现，而是作为一个个独立的个体，既各自回应着艺术家数个牵动自身问题的长期探索，又以此为中心分别在展厅的不同节点汇聚。

随着创作理念的持续演进，邱瑞祥对情感状态探究得愈深入，画中人物也逐渐获得更多的内在力量。回望邱瑞祥近二十载创作生涯中遴选出的这些作品，艺术家开始更深入地思考个体在世界中意味着什么；他们如何彼此联结与交流。与此同时，当人始终意识到那种疏离感时，该如何存在？个体如何找到独立存在的力量？当与他人分离时，个体又承受着怎样的负担？ 我们被什么牵绊，又该从何处寻求解放？艺术家通过这些作品，似乎在发出提问。

毕建业

Bi Jianye

《现实，超现实——中国当代绘画大展》展览现场

策展人吕澎以“中国当代艺术三十年的回望”开篇：“市场的井喷早已结束，但艺术必须继续向前。”他指出，超现实主义并非突如其来的风潮，而是在社会生活、历史积淀与艺术思潮的交织中形成的持续现象。在他看来，这次展览正是一次将当前现象置于历史语境中，重新审视超现实语言系统在当下的意义与价值。