《在路上》（TMS）A4（2024–26）隶属于阿尔瓦罗·巴林顿的新系列作品“剪裁绘画”，该系列首次亮相于2024年他在伦敦泰特英国美术馆的个展“恩宠”，随后为2025年诺丁山狂欢节进行扩展创作，并安装于红树林音响卡车上。作品标题既呼应了艺术品本身的迁徙轨迹，亦致敬杰克·凯鲁亚克1957年同名战后经典著作。对家族根源可追溯至格林纳达与海地的巴林顿而言，此名更映照出狂欢节街头邂逅的熟悉场景。《在路上（TMS）A4》受卢卡·瓜达尼诺电影《大水花》（2015）及大卫·霍克尼同名画作（1967）启发，后者描绘了洛杉矶蓝天下的泳池。池畔一日的欢愉与狂欢节的雀跃氛围相呼应；据艺术家所述，中央画板捕捉了“恰逢其时、恰逢其地”的感受。画面边缘丝网印刷着牙买加舞厅音乐巨匠布朱·班顿的肖像，粗麻布画布上拼贴着受非洲库巴布料启发的布艺剪影。作品既致敬巴林顿家族女性传承的手工艺传统，亦呼应加勒比纺织品的繁复纹样。艺术家阐释道：“这些作品蕴含着与生俱来的乐观精神。在这个充满不确定性的时代，我渴望创作充满欢愉、玩味与团结精神的画作。”

乔治·巴塞利兹

Georg Baselitz

乔治·巴塞利兹，《电场偏差》，2023年

布面油画，200 x 120 厘米

自20世纪60年代以来，乔治·巴塞利兹对国际艺术产生了深远影响，毫无疑问，他是我们这个时代最重要的艺术家之一。在其艺术生涯中，他不断从艺术史与自身创作中汲取养分，发起多次风格上的激变，挑战绘画传统与既定规范。近年来，巴塞利兹再度回到“鹰”这一主题。这是贯穿其创作始终的反复母题，可追溯至他最早期的绘画。艺术家自童年时期便对鹰产生兴趣。自罗马帝国与拜占庭帝国以来，鹰象征着勇气、自由与力量，承载着数百年的艺术史意义。它在德国联邦纹章中的核心地位，也使其成为极具吸引力的绘画主题。正如乔治·巴塞利兹所言：“你可以轻易地将它们作为象征意义的载体，有点像普罗米修斯，或长着翅膀的裸体人物，以及手臂与躯干之间形成的三角结构。”

艺术家的作品目前正在毕尔巴鄂美术馆举办的个展《绘画 2014–2025 无处不在》中展出，该展由诺曼·罗森塔尔（Norman Rosenthal）策划，展期持续至2026年3月1日。

罗伯特·劳森伯格

Robert Rauschenberg

罗伯特·劳森伯格，《二重奏[回文（双关语）]》，1998年

喷墨颜料转印于聚合物层压板，256.4 x 154.9 厘米

《二重奏[回文（双关语）]》隶属于罗伯特·劳森伯格的“回文（双关语）”系列（1997–2002），该系列延续了他早期的喷墨纸本作品《回文》（1995-97）。画面下半部分，劳森伯格复制了其位于佛罗里达州卡普蒂瓦岛工作室的“缪斯墙”照片，这面墙上钉满激发他想象力的实用物品（如工具）、草图与快照。此处汇集的物件包括：1979年罗伯特·肯尼迪头像邮票连票、卡车照片、色卡、数种测量工具，以及艺术家“延展”系列作品的精细草图。画面上半部呈现约翰·凯奇钢琴协奏曲《钢琴独奏》的乐谱复制品。劳森伯格与这位美国先锋作曲家结下深厚友谊并长期合作，曾为该作品于1958年5月15日在纽约市政厅举办的首演设计服装与舞台布景。凯奇非正统的作曲手法令人联想到劳森伯格自身反等级制度的材料运用。《钢琴协奏曲·钢琴独奏》尽管冠以标题“独奏”，却可自由由任意数量的音乐家和乐器共同演绎。乐谱顶端公用电话与手摇铃的图像，暗示着可能出现的凯奇式非常规噪音制造器。劳森伯格生前捕捉的这些对逝去时空的意象隐喻，共同构筑出一种浸润着个人怀旧情愫的新型历史。2016-17年于伦敦泰特现代美术馆举办的开创性回顾展中，作品《二重奏[回文（双关语）]》既是对劳森伯格实验性、戏谑化材料处理方式的致敬，亦彰显了合作在其创作过程中不可或缺的核心地位。

丽莎·露

Liza Lou

丽莎·露，《形合》，1974–75年

油画颜料与玻璃珠绘于拉伸画布上，108.59 x 106.05 厘米

《形合》（2026）属于丽莎·露近期的一组布面作品。在这一系列中，她将细小的玻璃珠与油画颜料结合，在同一画布上叠加两种不同的时间维度，以探讨绘画性笔触的英雄主义以及二十世纪中期抽象艺术的语言。正如策展人凯瑟琳·查菲（Cathlee Chaffee）所指出的那样：“对于细心的观察者而言，自始至终，在露最为人熟知的波普雕塑作品中，始终可以辨识出令人惊艳的抽象瞬间。”

在此，露运用她标志性的、不可分割的艺术构成单元，使笔触的“自发性”去自然化；她将颜色的每一滴流淌与飞溅都与极度耐心与精细的操作并置。通过这种方式，她在自己所谓“绝对控制与彻底放纵”之间的拉扯中，锻造出一种全新的绘画经验。在对材料及“何为绘画之身体”展开概念性探讨的过程中，露如此描述这批作品：“这些作品关乎放大（amplification），关乎让事物变得更加理想化。诗人佩索阿有一首诗写到，他希望花比花更像花；而在这一系列中，我以玻璃珠作为一种方式，让颜料比颜料更像颜料。”

艺术家即将于2026年4月在 Thaddaeus Ropac 伦敦空间举办个人展览。

阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯

Ariana Papademetropoulos

阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯，《暖气》, 2026年

布面油画，127 x 190.5 厘米

阿丽亚娜·帕帕德梅特罗普洛斯从艺术史、流行文化、精神分析理论与量子力学等多重领域汲取灵感，创作出带有诡谲气息、近乎超现实质感的日常场景绘画。在她最新的一组作品中，人的存在通过居家空间中残留的痕迹与余温被暗示出来。

在《暖气》（2026）中，一台无人看管的复古便携式 Toastmaster 暖炉静静释放出缕缕蒸汽，为空间注入潜藏的张力。它被安置在画面一角的地面上，电线从画布边缘延伸而出；在这一片紫罗兰色的室内空间中，除它之外别无他物，环境被彻底剥离了装饰。暖炉内部泛着深粉色光芒，鲜明的色调映照在抛光的地面上，并轻柔地染上蒸汽的卷曲气流。在这些催眠般的蒸汽中，面孔与侧影仿佛短暂浮现，彼此缠绕于迷醉之中，随后又化作旋转的雾气消散。这种“空想性错视”（pareidolia）的效果令人联想到意大利文艺复兴艺术家安东尼奥·达·柯勒乔的《木星和艾欧》（约1530年）。正如帕帕德梅特罗普洛斯所言，这幅作品模糊了“情色与超自然之间的界限”。在感知与想象的断层线上游移，帕帕德梅特罗普洛斯将自己的作品形容为“入口（portals）”，存在于“固态与液态之间，如同膜或阈限，当一种感知秩序让位于另一种感知秩序之时，它们便成为过渡之所。”

艺术家在画廊的首次个展将于2026年3月7日在 Thaddaeus Ropac 巴黎玛黑空间开幕。

丹尼尔·里克特

Daniel Richter

丹尼尔·里克特，《菲德尔三人在树下》，2025年

布面油画，270 x 200 厘米

过去十年间，丹尼尔·里克特持续打破画作中前景、背景与主体的构图界限，以呈现蜕变中的躯体。在这件作品中，生物般的形态映衬于锯齿状的色彩场域，明艳的对比色调既唤起叛逆能量，又令人联想到克利福德·斯蒂尔的形式语汇。然而，尽管作品暗含暴力，却传递出动人的感性与美感，与其中躁动的力量形成平衡。那些在画布上飞驰的淡黄与亮蓝色形体，皆由浓密黑线勾勒而成。“我作品的动态主要建立在推挤碰撞之上，或是元素间的相互对抗——交融、推挤、拉扯，”里克特解释道。这种时空的不确定性拒绝归结为连贯的时间、地点，甚至画面空间。

琼·斯奈德

Joan Snyder

琼·斯奈德，《嚎叫/心》，2011年

亚麻布上油画、丙烯、干花与玻璃珠

63.5 x 152.4 厘米厘米

琼·斯奈德以自传性叙事为抽象创作注入能量，有意识地对抗她所进入的纽约艺术圈中盛行的男性主导的极简主义、抽象表现主义和色域绘画传统。“我追求的是绘画中更多而非更少，”她坦言，“我想讲述故事，要有开端、发展和结局...创造截然不同的东西：更强烈、更私密、更复杂的作品。” 她由此诞生的诗意作品体系，打破了社会、美学与物质层面的等级制约，为女性主体性在抽象艺术中赢得了立足之地。在《嚎叫/心》（2011）中，斯奈德刻意保留画布的裸露区域，将亚麻布的天然肌理与表面堆叠的复合材质形成对比。这些材质包括凝结的颜料、干花与玻璃珠，构成复杂的拼贴效果。白色颜料以横向宽幅豪迈铺展，可见的笔触呼应着她1970年代备受赞誉的早期“笔触”绘画系列。滴落的颜料沿画面流淌，晕染成零星的个人符号：玫瑰、双唇、心形、浆果与阴户，斯奈德以赭石、洋红与朱砂的色调构筑这些意象。斯奈德以紫色在画布上涂鸦般写下“嚎叫”、‘心’、“天空”等词语，将文字作为跨越语言与图像鸿沟的表达工具：这些词语捕捉了她声音的碎片，超越了指涉意义，构成了另一种抽象而具象的标记。