{{sindex}}/{{bigImglist.length}}

贝浩登首尔｜群展“十年”：在回顾与展望之间重构艺术谱系

{{newsData.publisher_name}} {{newsData.update_time}} 浏览：{{newsData.view_count}}

来源 | {{newsData.source}} 作者 | {{newsData.author}}

群展 “十年”现场，贝浩登（首尔）2026. 图片提供：艺术家与贝浩登

贝浩登创立于1990年，总部位于巴黎，在全球多个重要城市设有空间，致力于呈现多元化的当代艺术实践。贝浩登（首尔）空间于2016年4月在三清洞开幕，首展为法国观念艺术家洛朗 · 格拉索的个展。此后，画廊迁至位于岛山公园的现址，进一步提升了其在本地艺术生态中的可达性。过去十年间，画廊共举办约60场展览，向首尔引入众多国际知名及新兴艺术家，并持续推动这座城市成长为亚洲重要的艺术枢纽之一。

群展 “十年”现场，贝浩登（首尔）2026. 图片提供：艺术家与贝浩登

值此成立十周年之际，群展“十年”回顾画廊过去十年的发展历程，同时展望未来。展览汇集了多位长期合作艺术家的全新创作，包括莫瑞吉奥·卡特兰与村上隆，并与韩国重要艺术家如朴栖甫、李培及沈文燮的作品共同呈现。此次展览集中展现了贝浩登长期培育的广泛艺术谱系，将多位鲜少在韩国同场展出的艺术家汇聚一堂。

丹尼尔·阿尔轩. 融合的意大利维纳斯, 2022. 不锈钢，做旧青铜. 152.4 x 44.5 x 50.8 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

丹尼尔·阿尔轩1980年出生于美国俄亥俄州克利夫兰，现居住和工作于纽约。他曾在纽约库伯联盟学院学习绘画，他的创作横跨绘画、雕塑、素描、影像、时尚与建筑等多个领域。

“虚构考古学”是理解其创作的关键概念，源于一种认知：我们当下的现实终将成为遥远未来中的“过去”。艺术家以石膏重塑相机、麦克风、卡带播放器与投币电话等日常物件，并结合沙子、火山灰等地质材料，使其呈现出仿佛刚被发掘出土的状态，从而将“现在”转化为“过去”。在这些既诡谲又带有幽默感的作品中——介于浪漫主义与波普艺术之间——当下、未来与过去彼此碰撞，艺术家以此不断试探跨文化语境中符号与再现的时间维度。

吉妮西丝·贝朗格. 我不得不把它们都试一遍, 2024. 饰面胶合板、橡胶层压板、瓷铜. 110.5 x 68.6 x 27.9 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

吉妮西丝·贝朗格1978年出生于美国，现生活与工作于纽约布鲁克林。她运用瓷器、陶器、金属、木材、软装及绘画等多种媒介，构建带有强烈心理暗示的“情境装置”。

她的作品中的物件常作为人类情感与经验的替身，探讨广告如何操控心理、消费机制的运作、数字时代下的隐私问题，以及人们应对过载信息的方式。贝朗格将日常物品重组为既熟悉又令人不安的场景，激发观者的情绪与心理反应。她的创作深植于消费文化与广告视觉语言之中，批判性地审视当代图像如何塑造欲望、情感与感知。

莫瑞吉奥·卡特兰. 兄弟 2025. 钢材、电机、电子元件、亚克力、铃铛、复合板、石膏板. 作品外部尺寸：17.5 x 29 x 0.8 cm, 机械装置尺寸：15 x 42.7 x 26 cm,石膏板尺寸：36 x 63 x 6 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

莫瑞吉奥·卡特兰1960年出生于意大利帕多瓦，是当代艺术中最具影响力且最具争议的人物之一。他的创作从现实世界中的人物与物件出发，以一种带有戏谑意味的方式介入艺术及其制度体系。

通过雕塑、装置与行为实践，卡特兰将熟悉的图像置入挑衅性的语境之中，引发不适、幽默与批判性思考。他以讽刺与玩笑瓦解权威、宗教、政治以及艺术体制本身，通过对日常物件与象征形象的扭曲，质疑艺术价值及其背后的信念体系。在看似轻盈的表达之下，隐藏着对制度权力与社会共识的尖锐批评，使其作品游走于讽刺、挑衅与文化反思之间。

尚-菲利普·德洛姆. 美丽时光, 2025. 布面油画，木框. 45 x 37 x 5 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

尚-菲利普·德洛姆1959年出生于巴黎，他的绘画基于对纽约、巴黎与洛杉矶等城市景观的直接观察，他的视角见证了在不断变化的建筑环境中，过去、现在与未来的交汇与凝聚。那些即将被拆除、为新建住宅让路的工业建筑，成为他关注的重要对象，揭示出城市中被嵌入的转型瞬间。德洛姆的风景如同带有文学与艺术引用的“视域”，并非单纯再现，而更像是供人思考的空间。他的绘画位于绘图、写作与绘画之间的交汇处，贯穿其多重表达方式。

博纳德 · 弗瑞兹. Mela, 2025. 布面丙烯与树脂. 120 x 120 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

博纳德 · 弗瑞兹1949年出生于法国圣芒代，现居柏林，是法国当代绘画的重要代表人物之一。自20世纪70年代以来，他持续拓展其观念性抽象绘画实践，历经半个多世纪。

在弗瑞兹的绘画中，“抽象”并非晦涩沉重的语言，而是由强烈色彩与充满能量的笔触构成的场域。颜料在画面中仿佛拥有自身意志，游离于既定结构之外，打破线性秩序，留下模糊的形态与痕迹，唤起视觉、听觉与触觉的综合感知。摆脱了抽象绘画“玄奥难解”的刻板印象，弗瑞兹以独特的表现方式与观者建立新的互动关系，同时呈现其与绘画行为、材料性及自身经验之间复杂而持续演变的联系。

格雷戈尔·希德布兰特. 主教, 2024. 模压唱片、金属杆、花岗岩基座. 194 x 31 x 31 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

格雷戈尔·希德布兰特1974年出生于德国巴特洪堡，现居柏林。他的标志性媒介是磁带与黑胶唱片，通过拼贴与组合，构建出看似极简却潜藏浪漫气质的绘画、雕塑与装置。

在其接近黑白单色的光泽表面之下，音乐与电影始终潜伏其中。无论是平面还是立体作品，都包含预先录制的材料，并通过作品标题加以指涉。这些流行文化来源（通常是一首歌曲）旨在唤起集体与个人记忆。其独特的“剥离”技法——将磁性涂层从磁带上转移至贴于画布的双面胶带上——成为记忆机制的隐喻，生成细腻而难以捕捉的粉末状图案。与此同时，呼应建筑意义上的“总体艺术”，希德布兰特以层叠的唱片构建声学屏障，并以展开的磁带形成具有触感的墙面结构，引导观众在展览空间中行走与感知。

加藤泉. 无题, 2025. 布面油画. 58.2 x 30.5 cm. ?2025 Izumi Kato. 图片提供：艺术家与贝浩登

加藤泉1969年出生于日本岛根县，现往返于东京与香港生活和工作。其创作中的形象——面容诡异的孩童、四肢发育完全的胚胎、被困于不确定形体中的祖灵——既令人着迷，又充满谜团。它们匿名化的轮廓与陌生的面孔，往往缺乏明确细节，强调简洁的造型与强烈的色彩；其最基本的呈现形式，是一个椭圆形头部与两只深不可测的大眼睛，仅以极为简略的方式勾勒出鼻与口。

这些形象令人联想到原始艺术，其表情亦唤起图腾与万物有灵的信仰——一种贯穿于生命体与矿物世界的精神力量。它们体现出一种原初而普遍的人性形式，较少依赖理性，而更多根植于直觉。这些带有魔性的存在，邀请观者在其中辨认自身。

李培. 笔触-33a, 2025. 纸本炭墨. 162 x 130 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

李培1956年出生于韩国清道郡，自1989年毕业于弘益大学绘画系后，长期往返于巴黎、首尔与清道之间创作。木炭是其单色绘画中的核心媒介，其物质属性承载着生命循环的隐喻——木材经燃烧生成木炭，而木炭又可再次点燃火焰。

直至21世纪初，李培持续创作极简而精致的作品，直接运用“木炭”本身：例如将炭块或碎片拼贴于画布，或将碳化木材作为雕塑对象呈现。他以类似木炭的碳黑为主要媒介，通过跨越素描、雕塑、装置与绘画之间的界限，在不规则却基础性的手势中发展其抽象美学。

Mr. 的“新波普”美学横跨绘画、雕塑、装置与影像。他与“超扁平”运动密切相关，以漫画与动画为视觉语言来表达个人幻想。其创作主题与母题持续源自御宅族文化及粉丝社群，并将自己定义为“御宅艺术家”。

他笔下的卡通世界由年轻角色构成，唤起“萌”（moe）这一对虚构形象的情感投射。在典型的“可爱”（kawaii）风格中，人物常呈现幼态特征（圆脸、大眼、彩色头发），带有纯真气质。然而，在这些明亮愉悦的形象背后，潜藏着对孤独、社会焦虑与恐惧的更深层反思。尤其是其部分展览中的混乱场景，同时呼应了日本在二战中的创伤记忆以及福岛第一核电站事故所带来的集体阴影。

村上隆. 无题, 2026. 布面丙烯、金箔（装裱于铝框）. 100 x 300 cm. ?2026 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd. All RightsReserved. 图片提供：艺术家与贝浩登

村上隆拥有日本画博士学位，其创作融合最前沿技术与日本传统艺术的精湛技艺。受动漫与角色文化启发，他构建出一个充满魅力的视觉世界，其中既有怪诞亦有可爱的形象，常被戏谑地呈现为古老神话的后裔。

他于2001年提出“超扁平”（Superflat）理论，并通过策划的三部曲展览加以阐释（第三部分“Little Boy”引用了1945年投于广岛原子弹的代号）。该理论旨在模糊通俗艺术与高雅艺术之间的界限，同时探讨日本在广岛事件之后的社会状态，以及前卫艺术、漫画与动画及其前身日本画之间的关系。古代日本艺术中缺乏透视的平面性，渗透于他所有媒介之中。

自1995年在贝浩登（巴黎）举办首次海外个展以来，村上隆已成为当代艺术最具影响力的艺术家之一，其作品在全球众多美术馆与艺术机构中持续展出。

丹妮尔·奥查德. 如此预言, 2025. 布面油画. 71.1 x 58.4 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

丹妮尔·奥查德1985年出生于美国印第安纳州密歇根城，现居马萨诸塞州佩勒姆，是一位以色彩鲜明、富有感染力的绘画著称的艺术家，其创作探讨女性性别、身份认同与人类情感等主题。

她的作品以大胆的色彩、动态的构图以及当代视觉语言与古典传统的独特融合而受到关注。奥查德曾就读于印第安纳大学与纽约亨特学院，在此过程中形成了兼具传统绘画技法与现代视觉文化的个人风格。她的创作常将抽象与具象元素相结合，以敏感而有力的方式呈现人类经验的复杂性。

她的艺术实践通过对色彩、形式与肌理的创新运用，深入探索身份与情感的多重维度。她以鲜明的色彩与富有张力的笔触，构建出既吸引人又具有挑战性的画面。作品中丰富的表面处理映射出人类经验的复杂性——画中人物既是艺术家自身，又并非完全对应其个人，而是指向更广泛的观念与叙事。通过这些绘画，她试图呈现女性气质的多面性及其内在心理景观，激发观者的内省与对话，使作品不仅是视觉美感的体现，也成为理解个人与集体身份复杂性的入口。

朴加熙. 阴影切片, 2026. 布面油画. 45.7 x 38.1 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

朴加熙1985年出生于韩国首尔，现居加拿大蒙特利尔。她以充满戏剧性与抽象性的绘画著称，其作品弥漫着情色与暧昧的不确定性。曾就读于费城泰勒艺术学院与纽约亨特学院，她对日常生活场景的描绘不断模糊感官与不安之间的界限。

通过抽象的人物与物件构建神秘场景——无论是摆满精致餐食、被窥视的猫所环绕的晚宴，还是出现“三口人物”的亲密卧室片刻——她不断将作品从现实主义中抽离，赋予绘画一种表达自由。她通常从草图开始，在亚麻布上铺陈平面化的油彩，形成既鲜明又原始的构图。色块的平滑延展与其中展开的隐晦叙事相结合，使观者如同旁观者般观看这些情境。

通过反复出现的母题（如鱼与植物），朴加熙的创作映射出她作为一名成长于严格宗教家庭的韩国女性，在一个受性别与种族结构影响的当代艺术体系中奋斗的个人经验。一方面，她的绘画成为表达幻想、凝视与个人历史的平台；另一方面，也是在拥抱个体复杂性的同时，对人类经验的庆祝，并试图打破既有刻板印象。

朴栖甫. écriture No. 960406, 1996. 画布上的韩纸. 100.4 x 80.4 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

朴栖甫于1931年出生于韩国庆尚北道醴泉，是韩国当代艺术的重要代表人物，也是“单色画”运动的核心艺术家之一。该运动兴起于20世纪70年代初的战后韩国，融合了韩国传统审美与西方抽象艺术，后逐渐获得国际认可。尽管这一运动并无明确宣言，但包括郑昌燮与李禹焕在内的相关艺术家，普遍以克制的白、米、黑色调、对材料性的强调以及重复且系统化的创作过程而著称。

“过程”与“纪律”是朴栖甫创作的核心，这也标志着他与早期作品的明显转变。1957年，他共同创立“现代艺术家协会”，并以“无定形艺术”（Art Informel）回应战后创伤，成为当时韩国年轻艺术家的重要表达路径。1961年，他获得联合国教科文组织奖学金，赴巴黎学习一年，进一步深化了对无定形的理解。这一影响在其1960年代初的“原初”（Primordialis）系列中尤为明显，作品以强烈的笔触、深沉的色调与不定形的结构为特征。至1960年代中期，朴栖甫逐渐摆脱西方范式，转而立足东方哲学，确立了一种带有冥想性与行为性的绘画方法。

沈文燮. 展示, 2017. 布面丙烯. 130 x 162 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

沈文燮1943年出生于韩国统营，是韩国现代雕塑的重要先驱之一，其创作跨越媒介与类型，持续探索自然与时间性的问题。1981年，他在第二届亨利·摩尔大奖展中荣获优秀奖，2007年被法国政府授予“艺术与文学骑士勋章”。他运用木、石、土、铁等基础材料，以实验性、反雕塑的方式挑战传统雕塑的定义。

其自2000年代开始的“呈现”（Presentation）绘画系列，将这一长期探索延伸至二维空间。作品灵感源于统营的海洋，重复的笔触唤起生成与消解的循环，体现物质的时间性。通过这一系列，沈文燮模糊了雕塑与绘画之间的界限，将过程、材料与时间推至创作的核心位置。

乔希 · 斯博林. 同心星 B, 2026. 布面油画. 88.9 x 88.9 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

乔希 · 斯博林1984年出生纽约州奥尼昂塔市，现生活工作于纽约州伊萨卡市。他以画布创作跨越多种艺术类型的作品，模糊了20世纪60至70年代极简主义、抽象绘画、建筑与设计之间的界限。其平面设计、橱柜制作、木工与雕塑背景，被自然融入其艺术实践之中。

他以胶合板拼接画布结构，如拼图般构成动态的几何形态，并以高饱和的原色或互补色填充，激发观者的感官体验。斯博林从多元来源中汲取灵感，形成一种充满能量与表现力的视觉语言，尤其受到1980年代意大利设计团体“孟菲斯”、1940年代加州流行的“Googie”建筑风格，以及斯图亚特·戴维斯与埃尔斯沃斯·凯利等抽象画家的影响。他突破传统矩形画布的限制，尝试圆形、三角形与曲线等非典型形态，不断拓展视觉艺术的表达可能性。

高野绫是一位画家、插画师、科幻作家与漫画家，其创作灵感横跨多种艺术形式，从江户时期的春画版画到印象派，从手塚治虫到古斯塔夫·克里姆特。她构建了一个独属于自己的宇宙——一个由无数世界构成的空间，使人得以逃离现实与重力的束缚，迈向某种精神上的超越。

她的内在旅程化为细腻而带有不安气息的图像，游走于情色与挑衅之间。在卧室、地铁、摩天大楼或月球之上，她以细而锐利的线条描绘出天真且雌雄同体的少女形象。其艺术神话通过不断的创作与对未知的想象逐步建构而成。

2011年3月，日本东北海岸遭遇强烈海啸并引发福岛核事故，这一事件成为艺术家的重要转折点，对其创作产生了深远影响。她开始更倾向使用更具“自然性”的油画材料，并展开一条新的艺术路径——谦逊而富于精神性，同时受到其对科学的独特兴趣以及对自然与生命的深切尊重所引导。

凯莉·比曼. 红色床单, 2026. 布面油画. 121.9 x 91.4 cm. 图片提供：艺术家与贝浩登

凯莉·比曼1983年出生于美国俄克拉荷马市，以融合视觉叙事与时尚美学的独特实践而广受关注。尽管从未接受过正规的艺术训练，但比曼自幼便开始作画，起初这仅仅是她与兄弟姐妹之间的一种充满想象力的游戏。成长于俄克拉荷马的经历，使她对外部世界充满向往，并于2004年迁居纽约。

她在亨特学院完成社会学学位后，前往玻利维亚和阿根廷旅居了一段时期；这段海外经历标志着她创作风格的一次转变，开始转向以具象构图的形式来讲述个人的叙事故事。

比曼的作品通过精心设计的服饰塑造人物与情绪，这些服饰往往源自她本人的构思，或是对复古风格的改良与重塑，从而有意地回避了那种奢华浮夸的设计师时尚。她的构图着重探索人物主体与其所处环境之间的相互关系，最终呈现出一系列在视觉上和谐且引人入胜的作品，观者从中既能感受到强烈的叙事张力，亦能引发深沉的自我省思。