新展 | “韩家英的设计辞典 II”——广东美术馆新馆首个设计师个案研究展即将亮相

韩家英的设计实践，恰如一场漫长的视觉修辞。三十余载间，他以中国传统文化和时代脉搏为原点，在历史符号、当代美学与现代语境中，搭建起一套现代视觉传达的隐喻体系。从独立探索走向社会现场，从商业品牌延伸至城市价值的更新，其设计不局限于功能载体，而是一种主动介入时代的文化姿态。

“韩家英的设计辞典 II”作为广东美术馆新馆开馆后首个设计师个案研究展，是个体创作历程的深度凝练，一次关于中国当代设计语言体系的哲学审视，试图寻找文化身份的某种自觉与回响。

展览借由“辞典”这一概念框架，将韩家英跨越三十年的创作流变，转化为一种可被阅读的视觉文本，设计在此间显现的，不再止步于物象，更多是某种态度与思路的缓缓浮现。展览希望观众在设计实践递进之间，循迹个体创作与宏大时代之间内在而深刻的共鸣。

和以往的设计展不同，展览聚焦于设计的两端，一端是设计的灵感与创造力的来源，它指向设计的历史，韩家英独特的个人经验与历程。一端是设计的应用，设计能做什么？为谁而做？它指向设计的功能与价值，韩家英对“设计”含义的拓展，对“设计师”身份的重新定义。

展览以《5000×50×500》开篇，呈现他数十年间收集的与设计相关的物品。5000象征中国漫长的历史，但展览起点，却以韩家英的父亲韩学忠收集的剪报开始，讲述一个家庭的影响、印记和对父亲的怀念。时空由此拉回那个时代，一张张地契、粮票、布票、股票，不仅是时代美学的变迁，也是历史教化的档案。在那些只差毫厘的排版、各异的字体与格式中，我们能窥见大时代里普通人对细节的执着，设计如何塑造了我们对信息的反应。

韩家英的灵感，源于历史，也源于日常的偶然所得和旅行的阅历。他收集的卡片、笔、包装盒、书、石头、牙签，构成了另一部当代设计辞典。它揭示了朴素的真理：人们通过选择物品的不同颜色、材质和风格，来满足自身的情感需求，又在对设计的选择中，确立自己是谁，又想成为谁？

设计是关于人与人的联结，也是人和自然的对话。那些在世界各地捡拾的石头提醒我们：早在人类诞生前，自然便有了最本真的设计。水流、风与日晒造就万物天然形态，它亦呼应了韩家英始终推崇的《道德经》中“道法自然”的古老哲理。

展览的另一端，展出了韩家英三十多年的设计实践和应用工作。但核心并非展示作品，而是呈现他与时代的深度联结。1990年，他南下深圳，和许多设计师一起构建了这座崭新城市的新图形和新标识：从街边的大广告，连锁品牌的标志，到楼道拐角处的指示牌，一块毛巾上的logo，他们重新定义了现代深圳，也为那个时代注入了一个美好而又乐观的愿景。

1993年，韩家英在深圳创立了国内最早以个人名字命名的设计公司之一，后续在北京和上海设分公司，改变了中国设计师的身份和路径。他推动设计走向职业化，设计如何面对日新月异的新时代和经济体制的转变？如何面对超大型集团和连锁品牌的用户需求？设计如何从单项服务升级为覆盖品牌全系统的立体运营。在此意义上，韩家英的“设计”不再是一个名词，而是一个动词。

三十多年间，他深度参与了中国市场经济的激荡历史。西安杨森、康佳、万科、深圳怡宝，这些耳熟能详经典品牌，见证了大时代的兴衰：中国企业品牌意识的觉醒，广告业的兴衰，新颖的视觉风格和设计气质，如何在无形之中重构了时代的经典印象。

时代有变革，也有深耕。1997年开始，他持续为《天涯》杂志设计封面。以这本先锋刊物为实验场，开启了中国设计师文化身份的自觉，为现代中文视觉辞典搭建基础。三十多年间，他从设计的根本性元素入手，点、线、方、圆、文字成为他反复实验的对象，以寻找形式与意义的无限可能。

不同于常规设计师，韩家英三十年间创作了大量绘画、雕塑、装置、影像等艺术作品。他以艺术打破设计的边界，将其从实用美术中解放，赋予其诗性和哲思。这种跨界工作极为普遍，无论艺术、文学，还是电影，这些纷杂而又广阔的主题，复合而又多样的语法，反哺设计，造就了韩家英独特的个人风格。

同时，韩家英工作也包含了对设计行业生态的努力，从2000年开始，韩家英便开始了策展实践，从GDC的平面设计双年展，东西方设计师之间的交流展，再到新近的深圳湾文化广场，对中国本土设计博物馆的推动。这些不同方向的链接，定义了中国设计如何作为一个整体，它对历史档案的研究，对自我的梳理，重申设计在中国的社会价值。

浩瀚的收集、三十余年间意象磅礴的碎片、多重身份的实践、与设计相关亦无关的探索，交织成韩家英独一无二的设计辞典。然而，借由这部个人的辞典，我们亦可以看到80年代以来，中国人在生活、工作、消费和交流方式上的非凡变化，并将“设计”视作构建变化，构建过去、现在和未来共同生活的有力工具。

策展人：崔灿灿

2026年3月28日