艺博会｜常青画廊正参加 2026 TEFAF 纽约艺术博览会｜展位 323 - 常青画廊

TEFAF 纽约艺术博览会

TEFAF New York 2026

展位 323

2026年5月15日至19日

展会地址
纽约公园大道军械库

643 Park Avenue Armory

参展艺术家

（按姓氏从A到Z排序）

阿岱尔·阿德斯梅（阿尔及利亚）Adel Abdessemed

艾未未（中国）Ai Weiwei

胡安·阿劳约（委内瑞拉）Juan Araujo

尤安·卡波特（古巴）Yoan Capote

劳瑞斯·切克尼（意大利）Loris Cecchini

贝林德·德·布鲁伊克（比利时）Berlinde De Bruyckere

伊娃·若斯潘（法国）Eva Jospin

安尼施·卡普尔（英国）Anish Kapoor

米开朗基罗·皮斯特莱托（意大利）Michelangelo Pistoletto

杉本博司（日本）Hiroshi Sugimoto

汉克·威利斯·托马斯（美国）Hank Willis Thomas

如有收藏意向敬请私信或垂询文末画廊名片

参展作品节选

Selected Works

▲ 阿岱尔·阿德斯梅《帽子》HAT，2010，带刀片的铁丝，11.4 × 42.5 × 31.8 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

这顶牛仔帽由美国监狱常用的双刃铁丝制成，阿德斯梅在其他作品中也曾使用过这种材质。它呈现出一种高度象征意义——象征十九世纪晚期殖民者的侵略性与征服文化。同时，它也可以被解读为对现代社会对边界围栏的执迷，尤其是美国普遍存在的高度防护的封闭社区。

这件作品是用一根钢丝缠绕而成，其设计简洁而优雅，引发了关于“暴力与美学关系”的思考。作品必须安装在距地面 1.72 米的高度，与艺术家的身高相对应。虽然曾制作过其他类似的帽子，但这顶是目前唯一可获取的最后一件。

▲ 艾未未《釉陶罐》POTTERY WITH GLAZE，2024，仰韶文化（公元前5000–3000年）的新石器时代花瓶、施以新釉，25 x 28 x 28 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

在这个新系列中，艺术家在一件新石器时代仰韶文化（公元前5000–3000年）的陶瓶上施以新釉。通过这一形式，艾未未创造了隐喻——暗示西方消费文化对中国历史与传统的压迫，同时提出了作品真实性、创作自主性与艺术权威的讨论。他指出一种讽刺现象：复制品的制作实际上有助于传统工艺和技艺的保存。

▲ 胡安·阿劳约《快乐小丑》HAPPY CLOWN，2023，布面油画，51 × 33 厘米，图片由艺术家工作室提供

▲ 尤安·卡波特《延绳钓（可信的恐惧）》PALANGRE (MIEDO CREíBLE)，2024，亚麻布上的油画、贴在胶合板上、钉子、鱼钩，60 x 80 x 11 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

尤安·卡波特的《岛屿》系列装置由数以千计的鱼钩组成，这些鱼钩既代表了一种产业、职业和食物来源，同时也象征着古巴群岛对海洋的依赖。卡波特的该系列作品深深体现了其艺术创作的理念与目标：通过将普世经验浓缩或提炼成有意义的局部现实，并将之重塑，使其能够被直观感知到，让作品与观众在肉体感官上直接沟通。岛屿往往象征着“孤立”，但同时也象征着对影响、异乡人和异域文化的“开放”。岛上的文明与世隔绝，而岛上的港口却在鼓励人与文化的交流与互换，二者构成持续对立。《岛屿》系列的创作正是源于海洋构成的“铁幕”——一种冷战时期用来形容东西欧国家领土和意识形态分裂的术语。大海是美丽、快乐甚至生命的源泉，但它也是边界和障碍。

“大海是每一个岛上居民心中的执念，当我还是个孩子的时候，我会看着地平线，想象着地平线以外的世界。对古巴人来说，大海代表了诸如梦想般诱人的一面，但也代表了危险和孤立”。

——尤安·卡波特

▲ 劳瑞斯·切克尼《风成地貌（艾利姆）》AEOLIAN LANDFORMS (ELIM)，2024，浇注聚酯树脂、丙烯酸树脂、尼龙纤维、铝框，100 x 196 x 6 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

在《风成地貌》装置纯色的表面之下涌动着无限活力，该系列展现了风力对地面吹蚀和磨蚀作用形成的特殊地貌——风成地貌：气流扬起地表沙粒在其表面上留下自然痕迹，这些痕迹往往表现为荡漾于表面的“波纹”。在自然界中，地表碎屑物质经风力搬运和堆积形成风成地貌，这种自然现象并非地球独有。切克尼将这种物理学上的空气动力现象转化为诗意的作品，一种能够唤起催眠效果的动感低浮雕，是对自然和内心景观的双重隐喻。观者的视线被深深吸入，游离于作品表面色彩与光影的持续变幻之中。这是作品表面的颗粒纹理通过对光线的特殊吸收作用而造成的色彩深度变换，为实现这一效果，艺术家采用了静电植绒工艺，通过纤维沉积色彩，这种厚重材质与传统釉彩绘画截然不同。材料本身的深邃质感与天然吸光特性，帮助艺术家传达出“崇高”的美学理念。

▲ 贝林德·德·布鲁伊克《我从未许诺你一座玫瑰花园》I NEVER PROMISED YOU A ROSE GARDEN，1992，铅、藤条、棉、聚氨酯，47 x 84 x 62 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

《我从未许诺你一座玫瑰花园》探讨了想象与现实、承诺与幻灭之间的关系。作品由藤编篮筐构成，内部盛满由铅片折叠而成的“玫瑰”。这些象征爱与美的花朵——贯穿从婚礼到葬礼的人生各阶段——在此转化为沉重、冰冷甚至带有毒性的存在，颠覆了既有意义，并暗示对理想化叙事的摆脱。

▲ 伊娃·若斯潘《黑色树林》BOIS DE NUIT，2026，木材、织物、综合材料，71 x 83 x 15,5 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

▲ 安尼施·卡普尔《从紫红色到勃艮第红》BURPLE TO BURGUNDY，2024，彩色喷墨打印，一组五张不锈钢、烤漆，110 x 110 x 12.5 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

卡普尔的凹面镜盘作品是其自20世纪90年代中期以来持续探索的重要创作系列。作品通常由抛光不锈钢制成，通过高度镜面化的凹形结构，将周围环境与观者自身纳入作品之中，形成不断变化的视觉体验。卡普尔曾这样描述自己的创作意图：“我追求一种形而上的观看——不是看向物体本身，而是透过它，看向更远处。”在这一意义上，镜面不仅是反射表面，更成为引导观者进入另一层感知空间的媒介。

凹形镜面会随着观者位置的变化产生复杂的光学现象：远处环境在盘面中呈现出扭曲且倒置的影像；当观者逐渐接近并跨越某一焦点时，图像会突然放大并恢复正常方向，从而产生强烈的空间错觉。与此同时，镜面结构还会产生微妙的声学效果，使观者在移动中不断重新感知自身与空间的关系。

卡普尔曾回忆自己发现凹面镜结构时的突破性体验：“我偶然意识到可以创造一种凹形的物体……那不再只是一个带镜面的形体，而是一种不同秩序的对象。”这一发现促使他长期探索凹面反射的形式与形而上潜力。在这些作品中，现实世界被吸纳进镜面之中并不断发生扭曲与转化，使观者在观看过程中意识到现实与感知之间的流动关系，内与外、表面与深度的界限也随之被重新思考。

▲ 米开朗基罗·皮斯特莱托《色与光》COLOR AND LIGHT，2025，黑色和银色镜子、黄麻纤维、镀金木框，150 x 200 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

自1962年，皮斯特莱托（将内容不同的图像通过绘画或丝网印刷呈现在具有反射特质的材料上，从具有反光性的黑暗色系画布，到铝塑板直到最后的镜面，展开将观众放入绘画中，让身体与外界环境融为一体的绘画实验，由此开始了他的艺术生涯中具有重大意义的镜面绘画。一件日常之物，在留住图像的同时，也将观者徜徉在画面前的形象投射成为作品中时间连续的活动画面。通过镜面绘画，皮斯特莱托在绘画这个古老媒介中添加的实践和思考，一方面指向作品物质性中的普通性和日常性，区别于文艺复兴以来绘画自带的高雅出身，打破西方油画经典的中心透视和画面内容的等级关系；另一方面，在真实与想象的图像之间衔接起来自由切换的观众参与性，让每一个观看者构成作品持续变化中的一部分。

镜像绘画在皮斯特莱托半个多世纪的艺术探索中不断被赋予新的内涵和挑战。在2009年第59届威尼斯双年展的开幕式上，皮斯特莱托将作为“生成性破坏”符号的木槌，砸向放置于主展馆军械库（Arsenale）的22面巨幅镜面。粉身碎骨的镜面玻璃反射出这一行为现场的观众、媒体、艺术家，形成数以万计的人的割裂的面相和局部，“如果艺术是生活的镜子，那我就是做镜子的人。在《色与光》中，抽象图案的银色镜面悬浮在色彩绚丽的粗麻织物上，再次将观众带回“贫困艺术”唤起简朴物件中浪漫诗意的初衷。

▲ 杉本博司《奥林匹克剧院，维琴察》TEATRO OLIMPICO, VICENZA，2015，明胶银印，185 × 155 厘米（带框），图片由艺术家与常青画廊提供

杉本博司于1976年开启他的“剧院”系列艺术项目，拍摄对象皆为始建于1920年代，二战后随着美国产业结构变化逐渐走向萧条衰败的老旧歌剧院式电影院，当剧院内的电影放映开始时，杉本博司利用大画幅相机对着电影银幕进行长曝光拍摄，电影结束一刻关闭快门，最后在冲洗出来的每张照片中间位置均呈现出一个长方形的白色发光体，照亮了整座黑暗空荡的剧院。这块发光体承载着一部完整的电影痕迹，亦是某段流逝的时间的视觉化呈现，杉本博司将之称为“被曝光的时间”，是正常情况下肉眼无法捕捉到的“真实”。

2013年，杉本博司在意大利重启了沉寂15年之久“剧院”项目，并首次在照片中包含了剧院正厅和楼座区域，将视野从银屏拓展到了观众席位。杉本博司沿用了之前的大画幅相机长曝光技法，通过D23显影剂冲洗照片获得低反差、颗粒细腻、层次丰富的黑白灰调视觉效果，将平时半黑暗环境中若隐若现的建筑内部结构清晰地呈现于观者眼前。

▲ 汉克·威利斯·托马斯《所见之物皆另有一面》EVERYTHING WE SEE HIDES ANOTHER THING，2025，虎皮纹大理石，33.5 x 37.5 x 20 厘米，图片由艺术家与常青画廊提供

“我们所看到的一切，总隐藏着其他事物。我们总想看到被眼前所遮蔽的东西。我们对隐藏的事物抱有兴趣，那是可见之物无法呈现的。这种兴趣可能表现为一种强烈的情感，或可说是一种冲突——在隐藏的可见物与显现的可见物之间。”（雷内·马格里特）

托马斯延续了他对姿势的探索，以及手势传达个体与集体身份、野心、坚持、团结与社区观念的能力。Punctum 系列基于罗兰·巴特的摄影理论“punctum”，即图像中能刺穿或触动观者的细节，产生观者与图中对象或人物的直接对抗关系。

托马斯利用这一概念选择或重新构图图像中的特定区域，并将其转化为大型雕塑。通过将特定画面放大为三维物体，他在观众与原始图像中复杂主题之间营造了空间性的对抗与互动。

正在展出

意大利圣吉米那诺 SAN GIMIGNANO

Via del Castello 11

53037 San Gimignano (SI)Tel. +39 0577 943134

Email: sangimignano@galleriacontinua.com

周一至周五，上午10点-下午1点，下午 2 点-晚上6点开放；周六周日，上午10点-下午1点，下午2点-晚上7点开放。12月19日，12月24日和12月31日下午5点闭馆。意大利国庆假期和1月31日闭馆。如需造访，请发送电子邮件至sangimignano@galleriacontinua.com 或通过官网表格选择“预订您的访问”进行预订

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