展览现场｜克莱尔·特伯莱（Claire Tabouret）「生灵」@ 阿尔敏·莱希 - 格施塔德

克莱尔·特伯莱

《生灵（黄色）》2026

纸本水墨

35.5 x 50 cm

阿尔敏·莱希 - 格施塔德荣幸呈现克莱尔·特伯莱（Claire Tabouret）在画廊的第五次个展「生灵」（Les Créatures），于2026年7月10日至9月3日举行。本次展出的全新作品系列，灵感源自巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）于1947年创作的一件纸本作品。展览期间，艺术家与路易莎·马奥尼（Louisa Mahoney）展开对谈，分享她对毕加索艺术遗产的思考，回顾自己对独版版画（monoprint）始终如一的热爱，并探讨神话如何持续激发她的创作灵感。

克莱尔·特伯莱

「生灵」

@ 阿尔敏·莱希 - 格施塔德

展期：2026年7月10日至9月3日

Chalet Wilibenz, Bahnhofstrasse 1

3780 Gstaad, Switzerland

周二至周日：下午1点至6点

正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 格施塔德
「生灵」

2026年7月10日至9月3日

路易莎·马奥尼： 我想先从展览中展出的那件毕加索作品谈起。你第一次看到这件作品是什么时候？又为什么会选择它作为此次创作的起点？

克莱尔·特伯莱： 最初的想法是想围绕版画的印制过程展开创作：通过重复，创造出独一无二的作品。这正是独版版画（monoprint）最迷人的地方——借助印刷完成，却最终只有唯一的一件。毕加索一直很喜欢探索这种既能复制、又能保持独特性的创作方式。《半人马与酒神女祭司》（Centaure et Bacchante）是一件纸本水墨作品，后来又加入了水彩，因此每一张都拥有不可复制的面貌。

我们希望找到一种既属于同一系列、又始终保持独立个性的表达方式。这一点与我的创作实践非常契合，我也一直欣赏毕加索对这种可能性的探索，因为它体现了一种旺盛的创作欲望。创作力充沛的时候，每一件作品都会孕育无数种发展的方向。而版画这种反复印制的过程，恰恰让你能够不断试验。每一次多加一点点变化，作品都会朝着截然不同的方向发展。

巴勃罗·毕加索

《半人马与酒神女祭司》1947

纸本水墨

50 x 66 cm

路易莎·马奥尼： 这一点很有意思，因为它们拥有相同的基础，这和绘画很不一样。版画的“骨架”保持一致，但最终却能发展出许多平行版本，像是同一个想法不断衍生出的不同可能。

克莱尔·特伯莱： 我觉得雕塑其实也是一样。你有一个模具，然后可以不断在上面添加材料、重新着色，雕塑的性格就会彻底改变，而它的基本结构依然存在，就像你说的“骨架”。这正是这件作品最吸引我的地方。允许自己这样去玩，是一件特别快乐的事情，充满了创作的乐趣。

我也很喜欢毕加索作品中的主题。这一对人物看起来有点滑稽，从视觉上讲，他们似乎并不相配。我有一个四岁的女儿，她最近特别迷《美女与野兽》。每次看到这件作品，我都会想到它像是《美女与野兽》的另一种版本。于是我开始设想，能否围绕这些“伴侣”创造一种如梦境般的衍生叙事。无论是酒神女祭司与半人马、《美女与野兽》，还是《天鹅湖》，故事里总会出现一个人类与一种动物的组合。这样的关系其实涉及了许多关于爱情、欲望、情色，以及权力结构的问题。当女性被塑造成美丽而充满诱惑的形象，而男性却成为某种野兽时，这种关系始终带着一种暧昧而复杂的意味。但真正让我感兴趣的是，如果换一个角度去看，女性其实同样渴望掌控这些野兽、拥有力量。

我一直受到毕加索作品中的自由、能量，以及创造力的启发。每次翻阅他的画册和展览图录，总会激发新的灵感，也让我重新充满创作动力。不过，我有时也会想：如果从女性的视角进入这些作品，会发生什么？我看到的是另一种故事。如果把它理解成迪士尼版本，《美女与野兽》里的公主虽然娇小、柔弱、美丽，却拥有对野兽绝对的掌控力。这一点让我十分着迷。把这种关系放到成人世界来看，它其实映射出女性关于力量的想象。

克莱尔·特伯莱

《半人马（黄色）》2026

纸本水墨

50 x 35.5 cm

克莱尔·特伯莱

《半人马（黄色）》（细节）2026

纸本水墨

50 x 35.5  cm

路易莎·马奥尼： 这是你第三次以毕加索的作品作为创作起点，而每一次都呈现出完全不同的面貌。这些年来，你与毕加索之间的关系发生了怎样的变化？

克莱尔·特伯莱： 我觉得，我与他的作品之间存在着不同层面的对话。当然，这其实更像是我与自己的对话，因为毕加索不会回应我（笑）。真正能够滋养我的，首先是材料本身。比如拼贴，他会利用身边的一切素材，把任何东西都纳入创作。另一层则来自作品主题，及所讲述的内容。至于哪一个更重要，则会随着我所处的人生阶段和创作状态不断变化。而这一次，技法、媒介与主题恰好汇聚到了一起，因此它更像是一种直接的致敬。

有时候，看他的作品也会让我有一点刺痛，因为其中涉及性别的问题。作为一名女性画家，我难免会有很多复杂的感受。但艺术本来就是透过他人的眼睛去观看世界，而你看到的绝不仅仅是美好的部分。我并不认为，一个人必须足够完美，才有资格进行创作。真正重要的是复杂性，是黑暗，也是那些无法轻易定义的暧昧。这些都存在于他的作品里。无论是半人马，还是牛头人，我感兴趣的方式都与他不同。也正因为如此，我才愿意不断回到这些主题。我会用自己的眼睛、自己的经历、自己的身体重新观看它们，于是，它们最终会成为另一个完全不同的故事。

正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 格施塔德

「生灵」

2026年7月10日至9月3日

路易莎·马奥尼： 毕加索有一点令人印象深刻，那就是他始终保持着惊人的创作热情，不断尝试新的艺术语言与媒介。你是否也觉得，自己和他有着同样旺盛的创作欲望？

克莱尔·特伯莱： 我的确属于创作量很大的艺术家。还有一点也是我特别喜欢毕加索作品的地方，就是他几乎会重新利用一切。我也是这样看待独版版画的：每一次印制后留下的痕迹，都可以继续成为下一件作品的一部分。任何材料都可以被重新使用、重新转化。

克莱尔·特伯莱

《吻（白色）》2026

纸本水墨

35.5 x 25.2 cm

路易莎·马奥尼： 是一种始终向前推进的能量。那么，你最初是什么时候开始接触独版版画的？

克莱尔·特伯莱： 真正开始创作独版版画，是在我搬到洛杉矶之后。当时我刚租下第一间公寓，甚至还没有自己的工作室。最开始，我没有版画机，只是拿一个空酒瓶在纸上滚压印制。我觉得独版版画最迷人的地方就在于它足够简单，你几乎不需要任何工具。当时，我深受埃德加·德加（Edgar Degas）的独版版画启发。我一直觉得那些作品非常美，与他其他时期的创作截然不同。独版版画似乎总能帮助艺术家打开一种新的可能。在洛杉矶，我第一次接触到妮可·艾森曼（Nicole Eisenman）的独版版画。当时我一直在想，这到底是一种怎样的技法？每当看到优秀的独版版画，我都会被墨色在纸面上的质感深深吸引，甚至有一种想把它“吃掉”的冲动。

后来，我就在那间小公寓里不停地创作独版版画，渐渐到了近乎痴迷的程度。起初，我买了一台只有小桌子大小的版画机；后来又换成一台几乎和汽车一样大的；如今，我拥有一台专门在新墨西哥州定制的大型版画机。这一转眼，就是十年，也创作了数以千计的独版版画。直到今天，我依然不断地印制。我尤其迷恋图像在印制过程中发生反转的那一刻。它总会带来一种发现，一种小小的惊喜，也因此让人变得更加自由。

整个过程分成两个阶段：先绘制，再推动版画机，最后揭开画纸，看到最终呈现的画面。我不知道为什么，这个过程总能让我感到如此自由，也如此快乐。当然，你也可以不断增加它的复杂性。独版版画的基础原理其实十分简单，但例如巴黎圣母院（Notre-Dame de Paris）彩绘玻璃项目中那些真人尺度的绘画，我也是通过这种技法完成的。我叠加了许多层模板，使整个过程像千层酥一样，一层覆盖一层。你可以在下一张版画中继续使用模板，也可以把上一张留下的残影保留下来，或者移动模板的位置，让它不断演变。

展览现场 | 法国巴黎大皇宫

「一息之间」

2025年12月10日 — 2026年3月15日

路易莎·马奥尼： 所以，它既可以非常简单，也可以变得极其复杂？

克莱尔·特伯莱： 没错。它既可以精致细腻，也可以完全凭直觉发挥。对我来说，它其实更接近绘画，而不是素描。有时候，一张独版版画甚至只是几个笔触而已。

路易莎·马奥尼： 你觉得，这种创作方式是否也影响了你的其他作品？也就是说，当你不在制作版画的时候，它依然会反过来滋养你的创作？

克莱尔·特伯莱： 当然。对我来说，独版版画是一种最好的头脑风暴方式。无论是新的主题、新的系列，还是思考下一步会发展成雕塑，还是一整个新的展览，我几乎都会先从独版版画开始。即使我同时在进行其他创作，它依然会贯穿整个过程。这就是我的工作方式。大多数时候，我都是凭直觉不断尝试，不停地试验。它其实就是我的速写本。

克莱尔·特伯莱

《天鹅（一）》2026

纸本水墨

35.5 x 25.2 cm

克莱尔·特伯莱

《天鹅（一）》（细节）2026

纸本水墨

35.5 x 25.2 cm

路易莎·马奥尼： 你之前曾谈到过“幽灵印痕（ghost stains）”的概念。它们在这一系列作品中也发挥了作用吗？

克莱尔·特伯莱： 通常，我会连续印制三张同一幅作品，每一次都利用上一张留下的残影继续创作。因此，图像会越来越淡，但我又会不断在上面加入新的元素。这种不断变化的过程，正是我探索“系列性”与“独特性”的方式。你可以看出它们来自同一张底稿、同一块版、同样的构图，甚至所有元素都位于完全相同的位置；但每一次，只要加入一点新的变化——就像毕加索在作品上添上水彩一样——我也会在那道“幽灵印痕”上继续生长出新的东西。

这让我想到法国的一种儿童接龙歌谣：上一句的最后一个词，会成为下一句的开头，于是故事就这样不断延续下去。我的创作也是如此。

展览现场 | 法国巴黎大皇宫

「一息之间」

2025年12月10日 — 2026年3月15日

路易莎·马奥尼： 它不像一幅绘画，有一个明确的开始和结束，而更像是不断孕育出新的东西……

克莱尔·特伯莱： 对，更像是一种持续流动的状态。

路易莎·马奥尼： 或者像制作面包、培养酵种一样，每次留下一小部分，再用它发酵出下一块面团……

克莱尔·特伯莱： 是的，这个比喻太好了。我觉得毕加索的创作也是这样，每一件作品都会滋养下一件作品。前阵子我在读一本关于他的书，里面写到：“3月13日至16日，他去了波舍鲁城堡（Boisgeloup），完成了五件雕塑。”我当时心想，原来有些事情真的可以发生得这么快。当然，也有一些作品需要漫长的时间去沉淀。你能看到它们一点一点成熟，缓慢地变化，最终才成为现在的样子。但也有一些作品，会在极短的时间内突然完成。对我来说，独版版画就是这样。有时候，一天之内就能发生很多事情。有些日子，会变得格外重要。

克莱尔·特伯莱

《天鹅（三）》2026

纸本水墨

35.5 x 25.2 cm

路易莎·马奥尼： 我还想继续聊聊古典传统。你曾创作过围绕伊卡洛斯神话展开的展览，在威尼斯的展览中也出现了两尊卡普阿圣母（Madri di Capua）古典雕塑。神话与古典艺术一直都是你感兴趣的主题吗？

克莱尔·特伯莱： 因为那里蕴含着太多东西。我的作品常常带有文学性，也始终包含着叙事的维度。它们讲述的是一个个关于变形、伪装与身份转换的故事。我喜欢那些能够象征某种处境的人物。比如我曾画过摔跤手，那并不是直接描绘神话，但你完全可以把它们与神话联系起来，或者联想到古典艺术中的人物构图。如果想到摔跤手，你甚至会联想到古希腊陶瓶上的图像。所以，许多艺术家最终都会有意或无意地回到这些古老的故事，并不令人意外，因为这些神话本身承载着极其丰富的内容。

克莱尔·特伯莱

《梦境（白色）》2026

纸本水墨

70 x 50 cm

路易莎·马奥尼： 它们也塑造了我们理解世界的方式，因为它们几乎就是最初的故事。再回到那件毕加索作品，我一直觉得很吸引人的一点，是画中的两个人物彼此孤立，几乎像两尊雕塑。

克莱尔·特伯莱： 是啊，确实如此。它非常具有雕塑感。那更像是两尊雕塑，也像一场戏剧中的两个角色。你几乎能够想象，他们下一秒就会走到你的面前。我一直觉得，这里面还有一点幽默，一种微妙的笨拙感。

克莱尔·特伯莱

《梦境（白色）》2026

纸本水墨

70 x 50 cm

路易莎·马奥尼： 在创作这一系列作品的过程中，还有什么新的感受吗？毕竟，你已经离开洛杉矶，重新回到法国生活了。

克莱尔·特伯莱： 我现在依然有些漂泊不定。一切都还没有真正安顿下来。这是我人生中一个巨大的过渡时期，发生了太多变化：从一个国家搬到另一个国家；从独自生活，到成为母亲、拥有家庭；从城市搬到乡村。一切都不同了。

不过，现在我身边又有了那台小型版画机，因为那台大型版画机还装在木箱里，预计两个月后才能全部安装完成。这很有意思。我又回到了一个小房间里，像学生时代一样，书散落在地板上，身边只有那台小小的版画机。而我也再次研习独版版画。并不是说我曾离开过它，而是在这个阶段，它更像是一块让我紧紧抓住的浮木。

正在展出 | 阿尔敏·莱希 - 格施塔德

「生灵」

2026年7月10日至9月3日

路易莎·马奥尼： 在这一连串人生变化之中，独版版画始终陪伴着你，形成了一种完整的循环。

克莱尔·特伯莱： 是的。它恰好契合了我当下的人生阶段。我可以借助它，自由地探索这些主题，也不断尝试新的构图。

路易莎·马奥尼： 在大皇宫（Grand Palais）完成那些大尺幅独版版画之后，如今回到这样更亲密的尺寸，会不会让你觉得格外愉快？

克莱尔·特伯莱： 会。它们更像珍贵的小物件，尺度克制，却拥有极高的密度。所有的一切，都凝聚其中。

克莱尔·特伯莱肖像，2026年 / ? 克莱尔·特伯莱 - 摄影：Claire Dorn - 致谢艺术家与阿尔敏·莱希

克莱尔·特伯莱于1981年出生于法国佩尔蒂伊（Pertuis），现于美国洛杉矶与法国之间工作生活。她曾于2006年纽约柯柏联盟学院（Cooper Union）求学，并于2006年毕业于巴黎国立高等美术学院（école Nationale Supérieure des Beaux-Arts）。克莱尔·特伯莱通过其具象绘画与雕塑作品，审视了身份认同、童年时光、以及独立个体或群体中个体的拉扯等关注人性内在的主题。其作品已被世界各地重要文化机构纳入公共收藏，包括法国巴黎蓬皮杜艺术中心、美国洛杉矶县立艺术博物馆、达拉斯艺术博物馆（达拉斯）、意大利菲拉格慕博物馆、法国巴黎皮诺收藏与中国上海余德耀美术馆等。

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克莱尔·特伯莱 @ AR

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阿尔敏·莱希（巴黎 | 纽约 | 布鲁塞尔 | 上海 | 摩纳哥 | 伦敦）

1989年，阿尔敏·莱希在巴黎以展出詹姆斯·特瑞尔（James Turrell）的作品起步，逐渐发展为享誉国际的画廊，并以其对极简主义、感知性与观念性艺术实践的持续投入而闻名。此后数十年间，画廊始终深耕巴黎，并稳健而有策略地拓展至布鲁塞尔、伦敦、纽约和上海。每一个新空间的设立，既是深化与艺术家及藏家关系的契机，也彰显了画廊始终如一的愿景。

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