三域青年艺术季第七回《底色》丨参展艺术家：黎雪颖、马雯怡

“底色”第一期展场中，黎雪颖、马雯怡的创作都以明亮的色彩吸引观众，她们切入现实的角度却又非常不同。对策展人提问的回答尤其揭示出各自的游历、区域的变化对创作的深层影响。

现任澳门理工大学艺术及设计学院兼任教师，澳门美术协会理事，澳门青年美术协会副理事长。

1、 你的艺术成长经历如何？

本科毕业于澳门，随后在广州美术学院攻读研究生。地区的转变，让我对身份认知有了更深的思考。

学院教育对我最深的影响，是让我意识到「技巧只是语法，思想才是文本」。在学院之前，我容易把「画得像」或「画得美」当作终点；但学院透过大量的阅读、评图与跨领域刺激，逼着我去追问每一个笔触背后的动机。它教会我，创作者必须同时具备「手」的执行力与「脑」的批判力——技巧决定我们能说什么，但思想决定我们说的话有没有人在乎。

4、描述这回参展作品的创作思路以及媒介手段。

创作以澳门建筑为载体，关注城市发展中文化记忆的流失与保存。作品透过个人与公众、独立与共生的二元辩证，探讨在地文化在时代变迁中的延续与转化，引领观者重新审视自身与城市的关系，并对澳门的文化归属与离散经验提出反思。

艺术家丨马雯怡 

1、 你的艺术成长经历如何？

我的艺术成长是从“观看”和“触摸”开始的。2012年进入广州美术学院油画系后，我很迷恋画人，尤其用触摸似的线条去捕捉人身上起起伏伏的线。我很喜欢去观察，去表现这些空间中实在又虚幻的线。大二下乡时，海南大学的两位老师，给我们上了一节关于观看的哲学课，其中一位翁奋老师，就是我毕业创作的指导老师。翁老师用文化研究的方法去指导我们，我很长一段时间都在思考关于我是谁、要成为怎样的人、如何观看世界、如何爱世界的问题。这些严肃的问题一直延续到了今天。

在准备作品集时，我突然看清了自己的脉络：我一直受到人与人、人与物之间由于差异带来的矛盾张力的吸引。我从不限制自己的媒介：我曾记录与陌生人、好朋友甚至是毛毛虫的第一次触摸；用气球去绷紧木框进行拉扯与破坏；也曾在黑暗中将荧光颜料涂抹在恋人皮肤上，记录它在手掌拍打下的变化；我也试过将两个不同时空的气球影像、或者两人共同吹气的画面以50%的透明度并置，它们重合，却似乎永远到达不了100%。与亲密关系的互动、对材料的亲身触摸，教会了我一种“不以人的意志为转移”的主客体关系。这种无法完全控制的体验，带来了很多矛盾、温柔又暗藏冲突的细节。我的成长，就是一个尝试去爱世界、接受失控、并在难以名状的差异里寻找可能性的过程。

在社会分工上，我目前是一名在实验室工作的技术老师，尝试、总结并分享着各种或熟悉或陌生的工作流（比如实体转虚拟资产、氛围编程、网页交互等）。在生活里，我是一个有着各种具体烦恼和困惑的普通人。这种身份让我保持着某种平衡：技术工作需要理性和秩序；而我同时在做的个人创作，则允许我把这些理性的工作流转化为对情感和氛围的感性探索。

3、你所经历过的学院教育对你最重要的影响是什么？

国内外美院的教育已经内化成了我生命和作品的一部分。我很幸运，我不认为学院的教育是完美的，但是我从小就目的性比较强，我愿意主动去看去听，在这个过程中去做，在做的过程中去判断我要什么，但又在各种已经是常态的失控下，接受自己很多微小的、脆弱的、真实的感受，并记录他们。我想各位老师给了我最珍贵的启发。

我有着天然的表达冲动，爱记录各种事情，尤其是一切与爱相关的事情，这个开始我想是自发的，但是有各位老师的引导，首先是我国内的硕士导师罗奇老师，他是我读书时，在我最烦恼最多问题的时候，真正懂我的人，他相信我，给我很多力量，还有英国的硕士导师姜节泓和Nuria。油画二工的翁老师也是，启发和引导我思考艺术的本质。还有成长过程里，有对绘画评价很犀利的范勃老师，我记得他说我画素描那个人像被车撞了，我问他为什么呢？一边问一边想，慢慢发现是观看的方式不对，因为我没有考虑人是在空间中的，形是在空间中转动的。我试着调整，直到老师有一天站在旁边告诉我：好多了。还有郭祖昌老师，很喜欢笑着鼓励我，在他的课堂上我特别有欲望去表达。还有我认为美院的环境，在我的记忆中有太多珍贵的地方。

还有读研究生的时候老师们给我的实践机会，在刘可老师的邀请下参加盒子美术馆驻地，完成我的第一次个展《旋转木马》。还有研究生班主任邓箭今老师，在下着大雨依然来看我的展览，每节课都认真的给我绘画意见。我也记得胡斌老师对我论文的犀利指导、樊林老师在毕业作品前的叮嘱......这些具体的善意构成了我美院记忆的底色。还有我每一位可爱的同学们，是他们帮助我一起去完成这过程中的一切一切。

我在伯明翰留学期间，也是收获了太多，导师姜节泓老师，他描述做作品像“魔法”，而我知道魔法背后是漫长的试错。我的另一位导师Nuria Querol也给了我非常珍贵的指导，在她的引导下，我报名参加了IKON美术馆的青年艺术家项目，《墩柱》的那组作品就是在这里开始的。留学期间，我在利物浦泰特美术馆实习，跟着艺术家Mikhail Karikis拍摄他的影像作品，里面的声音很打动我，他把特殊的场地和他的影像结合的非常好，每一次取景，深入那个具体的地方，影像似乎就具备了最开始的力量。我很幸运做了相机拍摄者，Mikhail每一帧都仔细看，告诉我他对画面里人物关系的感受，我记得他形容画面里错落的位置似乎令两个人有更紧密的联系。

毕业后，胡震老师、杨帆老师邀请我在”你我空间“做一期礼物工作坊，那是我第一次在观众的参与下做的工作坊，虽然控场还不成熟，但我不会忘记那食物和香气带来的记忆。工作坊是基于我翻译的、我的印尼外婆的食谱，因为食谱里面很多细节我不理解，是观众的理解和记忆完善了外婆的食谱。大家一起制作并享用我们制作出来的记忆中的味道——来自外婆食谱和大家共创的蛋糕。那是我第一次用味道来做作品。

学院的教育给了我很多挑战，因为我个人很喜欢尝试，所以学院不大，但我的内心向往很大。是前面长时间的试错和反思，我才学会了取舍，学会了做减法有多重要，因为物不会代替我们发声，它们自带声音，没有艺术家，物品也一样在言说，谁也代替不了彼此。艺术，就是把那些个人难以启齿、或难以被归类的事物真诚地呈现出来。

4、你接受的学院教育中，最具特质的是什么？

我接受学院的教育，又从学院到实习，又再次进入学院，我想最具特质的是我从这里出发，我想我会始终保持对艺术本身是什么，我又能做什么的思考。我始终很想继续去探索。我相信艺术是个很大的世界，它不设限，它有它的魅力，我很需要它。它总是能在我面对这个世界的复杂时陪着我，帮我度过自己以为过不去的坎。我也很喜欢看书，因为我会发现，我不是孤独的一个人，我们的问题不仅仅时自己的，而是属于更多人的共同的问题。危机也不仅仅是个人的，个人的力量又是弱小的，也是需要被看见的。

5、描述这回参展作品的创作思路以及媒介手段。

这次我参展的作品由两部分构成：床系列绘画（《蓝》《紫》《青》《红》）与《琉璃墩柱》。床的系列源于我真正睡过的那些床，它们不动声色地记录着身体翻动的痕迹，那些无法用语言概括的、遥远的记忆。我曾想留住那种躺过的温度，但我意识到它们都已经过去了。于是我把床拍下来丢给AI，由AI生成一种带有某种冷感的图像，我再用油画在木板上将它们画出来。画完的那一刻，我发现它们彻底“冷却”了，不再是记忆中温暖的样子，而变成了一种客观的凝视。

《琉璃墩柱》是《墩柱》系列的延续。最初在英国时是用气球包裹沙子，后来延伸为AI视频，这次则是用真实的用肉身劳力制作的实体墩柱，我翻模石膏、称水、称琉璃，等待在1000多度的窑炉里铸造的琉璃。我清晰地记得制作时肉身的疲惫，为了获得具体的琉璃体积，我必须借助水在石膏模具内部进行小心翼翼的称重，那个辛苦、充满未知和碎裂风险的过程，似乎和处理一段不确定的亲密关系一模一样。进炉等候一周，再经历漫长的自然降温，才能取出不碎裂的琉璃。这种物理材料因热胀冷缩而产生的裂变，以及不可加速的时间劳作，本身就是作品最核心的部分。

 本次展览作品现场 

《红》、《青》25x25cm

《紫》、《蓝》30x30cm

木板油画 2026

《琉璃墩柱》展览现场

6、请用10个词语概括自己对“底色”的理解

底色是没有标准答案的、不确定的、充满可能的、微小的、有张力的、矛盾的、肉身的、可触摸的、令人难受又放不下的、属于自己也属于世界的。

艺术家马雯怡现场分享